Обещанное. 4.
продолжение
начало в:
http://humorable.livejournal.com/207438.html
http://humorable.livejournal.com/207703.html
http://humorable.livejournal.com/207907.html
Эпоха Возрождения в музыке начинается позже, чем в изобразительных искусствах. Некоторые вещи действительно пытались "возродить", но все-таки еще раз скажу: развитие музыки было эсктенсивным.
Пожалуй, главным достижением этого периода является сближение музыки светской и духовной.
В эпоху Возрождения теоретики музыки все спорили и продолжали делить музыку на разные виды и подвиды.
Но - как происходило постепенное слияние музыки светской и церковной, так же и в представлениях о гармонии появилось понятие "разнообразия вещей, взятых вместе и друг другу противоположных".
"Но для Амура обе ко двору:
Как не любить красу - для наслажденья
И добродетель - чтоб служить добру?"
Теоретики Ренессанса - Тинкторис, Винченцо Галилеи ( отец знаменитого), Глареан и самый известный - Джозеффо Царлино.
Продолжая делить музыку на небесную и земную, они приходят к гармоничному объединению:
«Если мир творца создан полным гармонии, может ли наша душа не быть причиной в нас всякой гармонии, в особенности, когда бог создал человека по подобию мира большего, который греки называли космосом, т. е. «украшение» или «украшенное», и когда он создал подобие меньшего масштаба, в отличие от того названного микрокосмосом, т. е. маленький мир,- ясно, что такое предположение не лишено основания. Следовательно, действительно верно, что нет ни одной хорошей вещи, не имеющей музыкального построения...» («Instituzione harmoniche», I, 1)
Единство малого и великого в естественно-гармонической вселенной - идеал для художника.
Особенно если свои собственные, пагубные по отдельности страсти он тоже сочетает таким образом, что в совокупности они нейтрализуют друг друга, образуя золотую середину.
"...раз страсти, преобладающие в нашем теле, благодаря упомянутым качествам подобны телосложению (если можно так выразиться) гармоний, то мы легко можем узнать, каким образом гармонии могут влиять на души и располагать их к различным страстям, так как, если кто-нибудь подвержен какой-нибудь страсти и он слышит гармонию, сходную с ней в соотношениях, эта страсть увеличивается; причина этого - сходство, которое для всякого, как говорит Боэций, приятно, тогда как различие ему противно и ненавистно; если же он слышит гармонию, в соотношениях различную, эта страсть уменьшается и появляется ей противоположная. Тогда говорят, что такая гармония очищает от страсти того, кто ее слышит, через разложение страсти, а потом через рождение новой, ей противоположной."
Вот здесь я замечаю, что не сказала очень важного.
Светская музыка, выскользнув из рук бродяг и нищих , облагораживается, переходя в сферу профессиональной инструментальной и вокальной музыки - как это бывает с разными попсовыми жанрами .
Музыка церковная развивается в сторону полифонического многоголосия - подробнее потом.
И получается, что из разделения философски-номинального вытекает два вида многоголосия: основные для европейской музыки.
Первое - гомофонно-гармоническое ( так и тянет сказать "гомофобноe"). Это род музыки, в которой присутствует мелодия - неважно, исполняют ли ее на каком-то инструменте, или поют - и сопровождение, в виде аккордов, или пассажей. Сопровождение образует гармоническую поддержку, наполнение, но самостоятельно не особенно интересно для слушателя.
Второе - полифоническое. В данном случае каждый "голос" - самодостаточная мелодия, одновременно из сочетания таких мелодий образуется вертикаль, аккорд.
(Напомню факт очевидный: с 1450-го года развивается книгопечатание, что позволяет быстрее и точнее распространить любое знание, а в том числе, и ноты)
Светская музыка, как мы знаем,,выросла из песен и танцев.
Танцы к этому времени утрачивают меняют свое утилитарное назначение и теперь являются жанрами.
Аллеманда, куранта, сарабанде и жига - это "танцы народов мира", каждый из которых обладает своим характером и правилами.
Услышав энергичный размер 6/8 , предлагающий быстрое движение, народ радостно кивает: это жига, танец английских матросов!
И так далее.
Тут интересны и значительны два момента:
1. Mежнациональная интеграция. Интереcно бы спросить у историка о западно-европейских тенденциях объединения того времени.
2. Тенденция к укрупнению форм.
Танцы объединяют в циклы. Это общая для всех входящих пьес тональность, и настроение.
Циклы называют с тех пор сюитами - эта форма оказалась очень удобной и популярна у композиторов по сей день.
И классические симфония и соната взяли за основу четыре части, и противоположность характеров вышеописанных танцев.
Помимо форм стремительно развивался инструментарий. Это время экспериментов со струнными, духовыми и ударными.
И опять же , благодаря новым возможностям техника игры становится виртуозной .
Церковная музыка же остается вокальной, но многоголосие развивается в очень сложную систему, с правилами строгого многолосия. Музыка эта читается глазами с неменьшим удовольствием, чем слушается.
Мелодия голоса, которую незывают "темой" подвергается изощреннейшим мутациям - она звучит по очереди в разных голосах, раз - в увеличении, т.е. в два раза медленнее, другой раз - в уменьшении, т.е., в два раза быстрее, третий раз - от конца к началу, пятясь (эта техника называется приятным словом "ракоход".)
Максимальное количество голосов доходит в до тридцати шести - я имею в виду разные голоса, разные мелодии.
Правила написания полифонии эпохи Ренессанса называются "строгим стилем".
Благодаря многочисленным правилам, основанных на недопущении диссонансов в интервалax между голосами, вся вертикаль - т.е., многояруcный аккорд, образуемый голосами - звучит приятно для слуха. По сути дела, это многоэтажная архитектура, где каждый уровень образует самостоятельный комплекс, эстетически безупречный.
Cкладывается и вершина полифонической формы - фуга.
Сюиты, о которых я говорила выше, внесли в классические формы структуру цикла и разнообразие характера.
Фуга же - принципы развития тематического материала - как это происходит в сонате.
Hо окончательно она сформируется позже.
Хоралы, мотеты, каноны, - все это разные жанры духовных песнопений. На тексты псалмов и молитв.
Но тенденция к укрупнению здесь тоже наблюдается. И столп объединения, видный издалека, как обелиск - это месса.
Это значит, что закрепляется традиция: с тех пор и до наших дней - конечно, с изменениями, дополнениями и вариациями - определенные молитвы должны исполняться хором.
Cyrie Eleison, Gloria, Credo и пр.
Первая авторская месса на полный текст ординария была написана Гийомом де Машо - Месса Нотр-Дам - ок. 1350 года.
Орган в церковную музыку входит постепенно, как признак свободы.
"Сей инструмент [орган] единственный, которым пользуется церковь при различных песнопениях, прозе, секвенциях, гимнах; излишества гистрионов побудили отбросить употребление прочих инструментов.
Церковный собор в Байе.1300"
Но все же большинство музыки месс исполняется a capella.
Мы упоминали о "национальном" - робко и часто символически возникает определение национальной школы.
Но со временем, даже в "абстрагированной" полифонии строгого стиля, казалось бы, подчиненной общеевропейским законам, различия усиливаются.
И, конечно - фактор, без которого Ренессанс - не Ренессанс.
Личность, Индивидуальность, Гений.
( по определению Глареанa - гений обязан сочетать знание и вдохновение, причем вдохновение требуется для мелодии, а знания - для контрапункта)
Самые известные композиторы Ренессанса - как Бах и Гендель, чьи имена нельзя "произносить на одном дыхании" - и тем не менее, очень часто, по традиции, сопоставляемые - это Орландо Лассо и Джованни Пьерлуиджи ди Палестрина.
Они не отличаются друг от друга так сильно, как Рафаэль от Босха, но представляют наиболее ярко два разных подхода к жизни и музыке
Лассо старше Палестрины на шесть лет, а умерли они в тот же год, с разницей в несколько месяцев.
Биографии также напоминают Баха и Генделя.
Орландо Лассо путешествовал, как настоящий безродный космополит, по разных странам и дворам. И любили его безмерно. Поэтому и имя его имеет несколько вариантов произношения: фламадский, итальянский, французский и т.д.
Похоронен был в Мюнхене, с прекрасными эпитафиями. Назван в том числе и "бельгийским Орфеем".
Cначала я сокрушалась: в Мюнхене была, а Цветы на могилку Лассо не положила.
Но потом перестала. Ниже объясню, почему.
Палестрина же, рожденный "близ"( как нас учили красиво выражаться) Рима, в городке того же названия, всю жизнь прожил в Риме, работая органистом, капельмейстером, и музыкальным директором в Соборе Святого Петра, а затем и в Ватикане.
В отличие от Баха и Генделя они все же встретились в Риме, хотя утверждение это не бесспорно.
Орландо Лассо ко времени этой встречи был международной мега-звездой, Палестрина - молодым, подающим надежды.
Правда, надежды были таковы, что его приняли на работу в обход требований: не то, что не монах, а вообще, женатый и с детьми.
Стиль Палестрины - прозрачность, эмоциональная высота, соразмерность в сочетании с высочайшей техникой полифонического письма - стал идеалом церковной музыки a capella. Образ классической христианской храмовой музыки с тех пор не менялся.
И в православной музыке, начиная с 18-го века - тоже.
Так я считаю.
Палестрина похоронен в Соборе Св. Петра, но надгробье утеряно - так же, как и Лассо.
(Поэтому я перестала расстраиваться, что не принесла цветов.)
Для иллюстрации я приготовила последнюю часть "Мессы папы Марчелла" - Agnus Dei.
По легенде, эта месса сочинена Палестриной для того, чтобы на Тридентском соборе кардиналы не забанили полифонию, как скучную и непонятную.
Исследователи этот факт отрицают.И тем не менее.
Kак при взгляде на ажурный готический собор ты поражаешься легкости, с которой он летит в небо, и только на крыше видишь, как массивен каждый цветочек и шишечка - крабб, как прочны соединения, и как каждый барельеф в выемке ограды уникален и сам по себе значим...
Taк и в музыке Палестрины ты паришь в невесомых и хрупких созвучиях, меж тем, как в партитуре сплетаются и расходятся линии, расположенные строго по законам, взаимодействующие, как лестницы, арки и перекрытия.
Я специально выбрала запись с партитурой. Не обязательно знать нотную грамоту, чтобы увидеть линии и вазимоотношения между ними.
Click to viewОрландо Лассо писал все ( советую заглянуть и пройтись по странице до конца - нечасто такое встретишь). Для тех, кто был рядом.
Bо Франции - шансон ( на стихи Ронсара, Дю Белле и Вийoна в т.ч) , в Италии - мадригалы ( на стихи Петрарки, Тассо и Ариосто) , виланнелы и мореcки.
В германии - лидер.
Музыку духовную и светскую, низкую и высокую.
Я, как человек ветреный, люблю его чувство юмора и иронию.
Лассо впитывает в себя окружающее, как сатирик-документалист : крики уличных торговцев, ссоры соседок, монашеские обиходные песни.
Kak другие, известные нам всем фламандцы, не являющиеся музыкантами.
Вот, например, вилланнелa "Matona mia cara".
Изящно, симпатично и т.д.
Но что же такое "матона"?
Это "мадонна" из уст германского ландкснехта.
Если свободно перевести текст на русский (перевод на английский есть в аннотации к ролику), то было бы нечто вроде:
- Касспажа моя, ти прелесст!
И далее воздыхатель обязуется "люпитть фся ноччь, какк пыкк", и т.д.
А вот это, пожалуй, самое популярное произведение Лассо, которое любят исполнять хоровые коллектовы - "Эхо".
Ну, как изобразили бы вы эхо?
Просто: хор делится надвое. Одни начинают - другие отвечают. Но Лассо включил также технику канона - второй хор начинает ту же мелодию с опозданием, и эффект эхо получается более естественным: повторяются только концы фраз.
На встрече мы с Женей выучили песню Дауленда "White As Lilies Was Her Face", с последующей джазовой обработкой. Но этот момент, к сожалению, не вошел в анналы.
перерыв