О рисунке акварелью или преодолении себя
Пока болею и не хочется заниматься исследованиями, хотела бы рассказать о других интересных вещах. Попросили меня на днях сделать рисунок акварелью. Когда уже больше 20 лет не держал в руках красок, а художнику, как и пианисту, надо упражнять навыки, задача получается нетривиальная. О том, как я выходила из положения, и будет этот рассказ. Кто-то увидит в этом лайфхак по рисованию, кто-то историю преодоления себя, кто-то еще что-то свое... Я очень волновалась и придумывала способы, как избежать подводных камней, чем и поделилась под катом. Но когда ты рассчитываешь только на себя - это намного проще, чем когда работа зависит не только от тебя.
2. Надо сказать, что последний раз я акварельные краски брала в руки где-то в 1994 году, но до того с 1983 года рисовала ими регулярно, почти каждый день. При этом меня никто технике не учил, до всего приходилось доходить самой, методом проб и ошибок. Мои детские работы акварелью можно посмотреть тут 1, 2 3. И как пример - пара моих рисунков школьных лет. Кстати, в такой "мокрой манере" я редко рисовала, мне тогда претила такая нарочито небрежная манера исполнения:
3. Вот это было более характерно для меня, с прорисовкой деталей (оба рисунка сделаны были в возрасте 15 лет):
4. Во время большого перерыва мне иногда доводилось читать теорию живописи и другие близкие к этой темы. Поэтому представление о том, как надо делать, имелось. Во-первых, нужны качественные материалы. У меня еще с советских времен сохранились наборы акварельных красок "Ленинград", некоторыми, по-моему, еще мой отец в студенческие годы рисовал. В те времена это были самые лучшие краски, сейчас они больше считаются любительскими, чем профессиональными. Все фото ниже для иллюстрации рассказа взяты из интернета, ибо пока не было сил подробно фотографировать.
5. Относительно неплохие были и вот эти краски, что внизу. Но кисточка там - ужас-ужас. Надо брать не синтетическую, а беличью или колонковую, у которой смоченный кончик можно сделать заостренным (как на фото 9 ниже).
6. У меня были в 80-е годы и такие немецкие краски, но их лучше не брать для художественных работ - они не так хорошо смешиваются между собой и дают грязноватые оттенки.
7. В акварели главное - чувствовать, как ложатся краски на бумагу, какой будет цвет во время работы и при высыхании. Для этого лучше до начала работы сделать пробные выкраски и обязательно на такой же бумаге, на какой будет основной рисунок. Поэкспериментировать, сколько воды набирать на кисть - от этого зависит будет ли цвет темнее или светлее.
8. Бумага должна быть специальная для акварели. Она как правило, с фактурной поверхностью. С одной стороны это сложнее для начинающего художника, т.к. при недостаточно влажной кисти краска плохо будет ложиться, оставляя бумажные поры незакрашенными, с другой стороны шероховатость придает дополнительную фактуру и сложность фоновым заливкам. И акварельная бумага более устойчива к нескольким слоям краски, положенным друг на друга, простая бумага может коробиться или выглядеть грязной после нескольких мазков друг поверх друга. Акварельная тоже коробится, но меньше и законченные работы потом желательно подержать под прессом несколько дней. Последнее обстоятельство указывает на то, что работу лучше не сдавать в тот же день, как ее сделал.
9. К вопросу о чутье и навыках. Когда работаешь акварелью регулярно, чувствуешь, как краска ложится, как засыхает, неравномерно положенная краска образует такие вот подтеки и пятна. Это обстоятельство художники используют как специальный художественный эффект.
10. Вот на рисунке справа такие эффекты служат для выявления формы изображаемого объекта. Вообще высшим пилотажем считается, когда легким полупрозрачным единственным слоем краски получается изображение. Но для этого нужна практика. Когда навыки утеряны, надо думать, чем пожертвовать, упростить работу, чтобы не слишком сильно потерять в качестве.
11. Вот например, в живописи принято использовать сложные цветовые оттенки, получаемые смешением сразу нескольких цветов, как видно на этом фото. Но при отсутствии навыков пока лучше сразу за это не браться - скорость высыхания красок разная, заготовленных цветов может не хватить, при создании новых переборщить с их разведением водой и т.п. В результате рисунок можно испортить почти сразу. Поэтому по умолчанию для начала поработаем чистым цветом, внося оттенки с помощью последующих лессировок - попросту говоря наложением другого оттенка вторым слоем поверху. Но не больше двух-трех слоев, иначе рисунок опять будет казаться "грязным", или как еще говорят, "замученным".
12. Вот как тут добавляют мазки другим цветом поверху. За живописными потеками и растеканием краев пока лучше не гнаться - тут тоже нужно чутье и навыки.
13. Не стоит стремиться заливать весь лист сразу фоновой краской. Когда нет навыка, равномерной заливки, а тем более с постепенным переходом оттенков (градиентом) добиться трудно. Тут еще надо знать одну засаду, по крайней мере у красок "Ленинград" - цвета сине-фиолетовой гаммы более капризные и хуже ложатся на бумагу. Если вам нужен фон - лучше если он будет создан с помощью желто-зеленых цветов:
14. Когда мы наметили основные цвета фона изображаемых объектов, будь то цветы или архитектурные памятники, можно по чуть-чуть, местами добавлять отдельными мазками другие цвета, чтобы выявить форму, объем:
15. При этом опять же нужно чутье, понимание композиции, того, как ложатся тени и т.п. Но есть и упрощенные приемы, как здесь, простыми линиями создавать более четкие передние планы в виде деревьев и растений на более бледном фоне. Здесь важно вот что: проводя линию кистью, не надо бояться, что она будет кривой. Всякие поправки, попытки несколько раз малевать по одному и тому же месту, сразу испортят рисунок, показывая неуверенность руки. Не исправленная кривая линия, но одна - это художественный эффект - "художник так видит". :-) То же самое относится и к карандашным линиям. Лучше один раз чиркнуть карандашом, пусть и мимо поставленной цели, чем пытаться мазать им взад-вперед, выравнивая линию. Преподаватели называют такие неуверенные линии "шнурками". :-)
16. Можно дорабатывать рисунок не кисточкой, если нет уверенности в руке, а специальными акварельными карандашами. Но при этом надо учесть, что если линия такого карандаша попадает на сильно влажный фон, она растечется примерно так, как на иллюстрации. Это тоже может быть художественным эффектом.
17. У меня в моей работе был соблазн сделать рисунок на контрастном фоне, примерно как тут. Я всегда любила работать больше с графикой, где все достигается за счет контраста. Но в акварели делать темные фоны для непривычного человека тоже опасно. Не имея навыка сразу набирать достаточно насыщенную краску, при ее высыхании окажется, что фон получился бледным, в то время как будучи мокрым, он казался достаточным. И тогда обычно пытаются накладывать слой на слой и в итоге получать "замученный рисунок". И вот тут отсутствие навыка позволяет делать не как хочется, а как надо - не уходить для начала от светлой гаммы. Игра контрастов - это уже следующий этап, когда будет сделан не один рисунок.
18. Высший пилотаж в акварели - это работать примерно так:
19. Вот и исходя из вышеописанных соображений у меня получилось вот так. Мои рисунки в этом посте только на иллюстрациях №1-3 и этот, все остальное просто для иллюстрирования рассказа.
2. Надо сказать, что последний раз я акварельные краски брала в руки где-то в 1994 году, но до того с 1983 года рисовала ими регулярно, почти каждый день. При этом меня никто технике не учил, до всего приходилось доходить самой, методом проб и ошибок. Мои детские работы акварелью можно посмотреть тут 1, 2 3. И как пример - пара моих рисунков школьных лет. Кстати, в такой "мокрой манере" я редко рисовала, мне тогда претила такая нарочито небрежная манера исполнения:
3. Вот это было более характерно для меня, с прорисовкой деталей (оба рисунка сделаны были в возрасте 15 лет):
4. Во время большого перерыва мне иногда доводилось читать теорию живописи и другие близкие к этой темы. Поэтому представление о том, как надо делать, имелось. Во-первых, нужны качественные материалы. У меня еще с советских времен сохранились наборы акварельных красок "Ленинград", некоторыми, по-моему, еще мой отец в студенческие годы рисовал. В те времена это были самые лучшие краски, сейчас они больше считаются любительскими, чем профессиональными. Все фото ниже для иллюстрации рассказа взяты из интернета, ибо пока не было сил подробно фотографировать.
5. Относительно неплохие были и вот эти краски, что внизу. Но кисточка там - ужас-ужас. Надо брать не синтетическую, а беличью или колонковую, у которой смоченный кончик можно сделать заостренным (как на фото 9 ниже).
6. У меня были в 80-е годы и такие немецкие краски, но их лучше не брать для художественных работ - они не так хорошо смешиваются между собой и дают грязноватые оттенки.
7. В акварели главное - чувствовать, как ложатся краски на бумагу, какой будет цвет во время работы и при высыхании. Для этого лучше до начала работы сделать пробные выкраски и обязательно на такой же бумаге, на какой будет основной рисунок. Поэкспериментировать, сколько воды набирать на кисть - от этого зависит будет ли цвет темнее или светлее.
8. Бумага должна быть специальная для акварели. Она как правило, с фактурной поверхностью. С одной стороны это сложнее для начинающего художника, т.к. при недостаточно влажной кисти краска плохо будет ложиться, оставляя бумажные поры незакрашенными, с другой стороны шероховатость придает дополнительную фактуру и сложность фоновым заливкам. И акварельная бумага более устойчива к нескольким слоям краски, положенным друг на друга, простая бумага может коробиться или выглядеть грязной после нескольких мазков друг поверх друга. Акварельная тоже коробится, но меньше и законченные работы потом желательно подержать под прессом несколько дней. Последнее обстоятельство указывает на то, что работу лучше не сдавать в тот же день, как ее сделал.
9. К вопросу о чутье и навыках. Когда работаешь акварелью регулярно, чувствуешь, как краска ложится, как засыхает, неравномерно положенная краска образует такие вот подтеки и пятна. Это обстоятельство художники используют как специальный художественный эффект.
10. Вот на рисунке справа такие эффекты служат для выявления формы изображаемого объекта. Вообще высшим пилотажем считается, когда легким полупрозрачным единственным слоем краски получается изображение. Но для этого нужна практика. Когда навыки утеряны, надо думать, чем пожертвовать, упростить работу, чтобы не слишком сильно потерять в качестве.
11. Вот например, в живописи принято использовать сложные цветовые оттенки, получаемые смешением сразу нескольких цветов, как видно на этом фото. Но при отсутствии навыков пока лучше сразу за это не браться - скорость высыхания красок разная, заготовленных цветов может не хватить, при создании новых переборщить с их разведением водой и т.п. В результате рисунок можно испортить почти сразу. Поэтому по умолчанию для начала поработаем чистым цветом, внося оттенки с помощью последующих лессировок - попросту говоря наложением другого оттенка вторым слоем поверху. Но не больше двух-трех слоев, иначе рисунок опять будет казаться "грязным", или как еще говорят, "замученным".
12. Вот как тут добавляют мазки другим цветом поверху. За живописными потеками и растеканием краев пока лучше не гнаться - тут тоже нужно чутье и навыки.
13. Не стоит стремиться заливать весь лист сразу фоновой краской. Когда нет навыка, равномерной заливки, а тем более с постепенным переходом оттенков (градиентом) добиться трудно. Тут еще надо знать одну засаду, по крайней мере у красок "Ленинград" - цвета сине-фиолетовой гаммы более капризные и хуже ложатся на бумагу. Если вам нужен фон - лучше если он будет создан с помощью желто-зеленых цветов:
14. Когда мы наметили основные цвета фона изображаемых объектов, будь то цветы или архитектурные памятники, можно по чуть-чуть, местами добавлять отдельными мазками другие цвета, чтобы выявить форму, объем:
15. При этом опять же нужно чутье, понимание композиции, того, как ложатся тени и т.п. Но есть и упрощенные приемы, как здесь, простыми линиями создавать более четкие передние планы в виде деревьев и растений на более бледном фоне. Здесь важно вот что: проводя линию кистью, не надо бояться, что она будет кривой. Всякие поправки, попытки несколько раз малевать по одному и тому же месту, сразу испортят рисунок, показывая неуверенность руки. Не исправленная кривая линия, но одна - это художественный эффект - "художник так видит". :-) То же самое относится и к карандашным линиям. Лучше один раз чиркнуть карандашом, пусть и мимо поставленной цели, чем пытаться мазать им взад-вперед, выравнивая линию. Преподаватели называют такие неуверенные линии "шнурками". :-)
16. Можно дорабатывать рисунок не кисточкой, если нет уверенности в руке, а специальными акварельными карандашами. Но при этом надо учесть, что если линия такого карандаша попадает на сильно влажный фон, она растечется примерно так, как на иллюстрации. Это тоже может быть художественным эффектом.
17. У меня в моей работе был соблазн сделать рисунок на контрастном фоне, примерно как тут. Я всегда любила работать больше с графикой, где все достигается за счет контраста. Но в акварели делать темные фоны для непривычного человека тоже опасно. Не имея навыка сразу набирать достаточно насыщенную краску, при ее высыхании окажется, что фон получился бледным, в то время как будучи мокрым, он казался достаточным. И тогда обычно пытаются накладывать слой на слой и в итоге получать "замученный рисунок". И вот тут отсутствие навыка позволяет делать не как хочется, а как надо - не уходить для начала от светлой гаммы. Игра контрастов - это уже следующий этап, когда будет сделан не один рисунок.
18. Высший пилотаж в акварели - это работать примерно так:
19. Вот и исходя из вышеописанных соображений у меня получилось вот так. Мои рисунки в этом посте только на иллюстрациях №1-3 и этот, все остальное просто для иллюстрирования рассказа.