21-5-2017 Французское искусство XVII-XIX вв в ГМИИ
Закончился четвертый цикл экскурсий по ГМИИ им. А.С.Пушкина, за это время дети прожили историю человечества от древнейших времен до XIX века. На следующий год мы перейдем в новое здание ГМИИ, к импрессионистам.
В прошеднее воскресенье была последняя экскурсия, посвященная традиционному академическому искусству, говорили о французском искусстве XVII-XIX вв
Во все времена всегда были страны или регионы, которые являлись "лидерами" в области искусства. Из того, о чем мы говорили, это по очереди были Древняя Греция, потом Рим. В период до Средних веков существовали строгие каноны на изображения; иконы, картины были типовыми. Художники не подписывали свои работы - искусство имела намного меньше простора для воображения и фантазии. И только в эпоху Возрождения в Италии художники опять обрели каждый свое лицо, и Италия стала Меккой для художников. Сюда ехали учиться, рисовать, здесь искали вдохновение. Художники, и начинающие, и мастера, приезжали в Италию из разных стран, учились, жили, работали. Мы знаем пример Брюллова, который поехал в Италии, получив премию от Академии Художеств, да так и остался там работать. На призывы вернуться отговаривался здоровьем своим и семьи, которое не позволяло ему вернуться в сырой Петербургский климат. Так и Николя Пуссен, уехав из Франции в Италию, жил там, не возвращаясь домой, мотивируя болезнью и климатом.
И начиная с XVII века такой художественной Меккой кроме и вместе с Италией стала становиться Франция.
В связи с выставкой произведений художников середины XX в (я рассказывала о ней месяц назад) экспозиция французских художников в ГМИИ сейчас сокращена, но все равно мы получили о них достаточно полное представления.
Итак, Николя Пуссен (Nicolas Poussin, 1594-1665), основоположние классицизма, которое на следующие два-три века господствовало в искусстве Европы.
Его творчество стало эталоном для Академии живописи и скульптуры Франции, основой эстетических норм и новых канонов и обязательных правил художественного творчества («академизм»). Пуссен провозгласил основой творчества рационализм, особенно в сюжетах и в продуманности композиции. Он считал, что художнику надо использовать темы античной мифологии, древней истории, Библии, и на этой основе раскрывать темы современной эпохи. Необходимо показывать и воспевать примеры высокой морали, гражданской доблести.
Пуссен разработал даже определенный набор поз для фигур: например, поза власти, женственности, разного вида просьб и прочие (четко было ясно, что означают растопыренные пальцы или отставленная нога и пр). Если раньше художнику платили, в том числе и исходя из размера готового полотна, и потраченных на работу красок, то Пуссен провел идею оплаты за каждую изображенную фигуру.
Кроме того, Пуссен стал родоначальником и сюжетных картин, и портретов, и пейзажей. Он выстроил иерархию жанров, как в обществе того времени существовала иерархия король-дворяне-купцы-крестьяне, по мере убывания фантазии, воображение:
1) исторический жанр (сюжет картины, основанный на Священном писании, на исторические темы и пр)
2) природа-пейзаж, обязательно героический или исторический, и обязательно с фигурами
3) портреты
4) натюрморты
Очень строго в обществе следовали этикету. Например, нельзя было даже прикасаться к
к королю или к человеку благородного происхождения. Исторический факт - что один король должен был по этикету провести определенное время перед горящим камином. Вдруг пламя перекинулось на ковер у камина, рядом с которым сидел король. Но такая важная особа не могла по этикету сдвинуться с места, а тот из его окружения, кто мог дрова в камине подправить и огонь потушить, на время отлучился, ушел, и король получил смертельные ожоги, но не шевельнулся.
Так же строго придерживались вправил не только в жестах, но и в беседах и внешнем виде. Нельзя прямо высказать свою мысль- надо тонким намеком. Детали внешности имели огромное значение; популярны стали мушки: если дама прикрепляла мушку на лбу -
это означало, что она сердится, на подбородке - размышляет, на щеке -не прочь, чтобы за ней ухаживали, причем на левой или правой - тоже имело значение.
Перед тем, как начать разговор о французской живописи, сначала обратимся к истокам. Одним из самых известных древнегреческих скульпторов был Пракситель, прославившийся своими Афродитами, особенно двумя последними Афродитам - Косской и Книдской. По преданию, двум народам предложили выбрать, первыми выбрали скульптуру кноссы -одетую, а потом книды - - им досталась обнаженная фигура.
Это был первый случай изображения обнаженной богини "с натуры", позировала скульптору гетера Фрина, ее даже хотели судить за нарушение закона-позирование в виде богини. Но Фрина была оправдана, прямо на суде защитник сдернул с нее одежду и сказал, обратившись к судьям:"Разве такая красота недостойна быть изображена в облике богини?" И судьи с ним согласились.
На картине "Великодушие Сципиона" (1640) Николя Пуссена мы видим ту же саую позу, что у Афродиты Праксителя, только зеркально отображенную, и фигура плотно задрапирована.
Пуссен активно использует тут и цветовую символику, причем цветовые оттенки ему не важны, а большое значение придается цветовых характеристикам персонажей:
Синий-женский, жертвенность
Красный-агрессия, мужественность
Зеленый-надежда
Золотой-власть
На картине "Ринальдо и Армида" (конец 1620-х гг) наглядно видно, как важна оплата труда художника по фигурам:) Сам сюжет мог ограничиться двумя персонажами, но автор придумал придумал каждому из главных героев прислужниц (не могли ж они сами все делать:), аллегории реки, много амуров -одним Амуром такое жестокое сердце сердце не растопишь. Интересная композиция картины - явственно просматривается треугольник из фигур
Пейзаж, конечно, не может обойтись без фигур, он носит историческое значение (из "Энеид" Вергилия) - "Пейзаж с Геркулесом и Какусом" (1660), и опять же фигур получилось немало:).
В картине не соблюдается перспектива (Нерей и Нереиды на переднем плане, но не намного больше Геракла далеко и высоко на вершине). Аллегориями пронизана вся картина - герои переплывают реку жизни; дерево на краю скалы, расколотое молнией, еле держится, но зеленое, живое - тоже аллегория жизни, побеждающей смерть; небо мрачное-тоже аналогия жизненным проблемам, где мало просветов.
Еще один очень интересный художник - Клод Лоррен (1600-1682), близкий друг Николя Пуссена, они вместе ходили на натуру - мастер пейзажа.
Он изображает пасторальную сельскую жизнь, все идет своим чередом, вот пастухи спокойно пасут свое стадо - а совсем рядом, будто в другой жизни, кто-то ожесточенно бьется на мосту. "Битва на мосту" (1665) была написана для Папы Римского Александра VI
Пуссен придумал, что пейзаж для придания героичности и историчности, стало быть, и значимости, не может быть без людей, вот и Лоррен в соответствии с этой идеологией изображает фигуры.
Морской пейзаж превращается в сюжетное полотно по мифу "Похищение Европы", 1655 - Зевс сейчас уплывет на Крит, но пока вокруг все спокойно и умиротворенно
На любое, даже небольшое, событие в жизни знатной особы, а уж тем более короля, на любу. поездку, излечение от болезни писали картины и поэмы. Людовик XIV окружил себя скульпторами, поэтами, художниками, фиксирующими каждый его шаг.
Адам Франц ван дер Мейлен, 1632-1690 "Въезд Людовика XIV в Венсен"
Все было подчинено этикету. Король просыпался не один, его пробуждения ждали 50 самых знатных людей страны, самых близких к королю. Как король проснулся - на него надели рубашку, он встает и переходит в следующую комнату. Там его ждут уже 250 человек, ввесь двор, надевают на него парик, одежду, каждый предмет туалета - свой специально обученный человек. Аналогично все это происходило и у королевы.
Двор все время развлекался, было много забав, они путешествовали по замкам и паркам, главными из них было Венсент, потом Версаль. На картине король изображен на белом коне, у всех тщательно прописаны детали.
Парки у французов, в отличие от пейзажных природных парков у англичан, были упорядоченными, с только постриженными деревьями и кустарниками, затейливо разбитыми клумбами
Еще одна интересная деталь из жизни того времени - брачный портрет. Аделаиде Савойской на портрете Франсуа де Труа (1697) 12 лет, его писали, чтобы отослать будущему жениху заранее познакомиться с обликом невесты.
Конечно, и тут все пронизано символикой; дельфин и дофин произносятся одинаково - на картине изображен дельфин как символ того, что перед нами невеста дофина. Горностай без хвостиков - еще не дофина, но уже помолвлена, на скорое бракосочетание намекает и Амур.
Следующий портрет (Никола де Ларжиньер, конец 1690-х, "Портрет молодой дамы") содержит много примет времени.
Очень модно пудрить волосы (выглядят как как седина), сильно румяниться. Парики как корабли символизируют недавнюю победу флота. Прическа делалась долго и не на один день, сетку надевали на прическу, чтоб мыши не забрались. На этом портрете этого нет, но на других часто изображался супер-модный флакончик с маслом от блох на шее: если даму кусала блоха, флакончик изящно подносили к прическе, и блоха попадалась. Можно до сих пор в антикварных магазинах купить такие флакончики с попавшимися блохами XVII в. Очень большое значение в светской жизни придавалось всяческой символике, кроме специального языка жестов, где приличным считалось говорить, например, только веером (как его раскрыть или закрыть, куда повернуть и пр), а также прической и мушками. Помогали ухаживать за дамами завитушки из волос ("крючки для сердец"), а если их нет -
это признак, что ухаживать за дамой не надо.
Долгое время считалось, что это портрет Дидро (Иасент Риго, 1659-1743, "Мужской портрет"). Впоследствии это не было признано доказанным, но на картине явно изображен чудак: без парика, сюртук простой.
Еще один прекрасный портрет - Луи Мишель ван Лоо (1707-1771), "Портрет княгини Екатерины Дмитриевны Голицыной", 1759
Только дамы ближнего Императору и Императрице круга инентифицировались голубой лентой (дамы дальнего круга не могли такие носить), горностай говорит о большой знатности рода. Волосы у дамы свои, не парик, припудренные. С ней собачка мопс-новая мода, не худенькая, как раньше, а с плоской мордой
В завершение экскурсии мы посмотрели две скульптуры.
Братья Брош "Амуры, борющиеся за сердце" (вторая половина XVIII в)
Два Амура отвечают каждый за свео: старший Амур - за постоянную супружескую любовь, а второй, шаловливый - за легкомысленную, старший брат останавливает младшего. Скульптура выполнена из куска мрамора с очень точными деталями.
И последняя скульптура - "Княгиня Мария Барятинская" Торвальдсена, 1818
Очень часто изображали красавицу Марию Барятинскую в том числе в виде Галатеи Пигмалиона.
Она будто сходит с пьедестала, руки погружены в платье, иллюзия живого тела в камне (не только красками можно передать тепло человеческого тела).
Это пик европейского реалистического искусства, и только человечество стало думать, что достогло вершины - тут появляется новое течение: импрессионизм.
Искусство становится ребусом, оно и удивляет, и заставляет прислушиваться к своим ощущениям и впечатлениям.
Но об этом - в будущем году:)
В прошеднее воскресенье была последняя экскурсия, посвященная традиционному академическому искусству, говорили о французском искусстве XVII-XIX вв
Во все времена всегда были страны или регионы, которые являлись "лидерами" в области искусства. Из того, о чем мы говорили, это по очереди были Древняя Греция, потом Рим. В период до Средних веков существовали строгие каноны на изображения; иконы, картины были типовыми. Художники не подписывали свои работы - искусство имела намного меньше простора для воображения и фантазии. И только в эпоху Возрождения в Италии художники опять обрели каждый свое лицо, и Италия стала Меккой для художников. Сюда ехали учиться, рисовать, здесь искали вдохновение. Художники, и начинающие, и мастера, приезжали в Италию из разных стран, учились, жили, работали. Мы знаем пример Брюллова, который поехал в Италии, получив премию от Академии Художеств, да так и остался там работать. На призывы вернуться отговаривался здоровьем своим и семьи, которое не позволяло ему вернуться в сырой Петербургский климат. Так и Николя Пуссен, уехав из Франции в Италию, жил там, не возвращаясь домой, мотивируя болезнью и климатом.
И начиная с XVII века такой художественной Меккой кроме и вместе с Италией стала становиться Франция.
В связи с выставкой произведений художников середины XX в (я рассказывала о ней месяц назад) экспозиция французских художников в ГМИИ сейчас сокращена, но все равно мы получили о них достаточно полное представления.
Итак, Николя Пуссен (Nicolas Poussin, 1594-1665), основоположние классицизма, которое на следующие два-три века господствовало в искусстве Европы.
Его творчество стало эталоном для Академии живописи и скульптуры Франции, основой эстетических норм и новых канонов и обязательных правил художественного творчества («академизм»). Пуссен провозгласил основой творчества рационализм, особенно в сюжетах и в продуманности композиции. Он считал, что художнику надо использовать темы античной мифологии, древней истории, Библии, и на этой основе раскрывать темы современной эпохи. Необходимо показывать и воспевать примеры высокой морали, гражданской доблести.
Пуссен разработал даже определенный набор поз для фигур: например, поза власти, женственности, разного вида просьб и прочие (четко было ясно, что означают растопыренные пальцы или отставленная нога и пр). Если раньше художнику платили, в том числе и исходя из размера готового полотна, и потраченных на работу красок, то Пуссен провел идею оплаты за каждую изображенную фигуру.
Кроме того, Пуссен стал родоначальником и сюжетных картин, и портретов, и пейзажей. Он выстроил иерархию жанров, как в обществе того времени существовала иерархия король-дворяне-купцы-крестьяне, по мере убывания фантазии, воображение:
1) исторический жанр (сюжет картины, основанный на Священном писании, на исторические темы и пр)
2) природа-пейзаж, обязательно героический или исторический, и обязательно с фигурами
3) портреты
4) натюрморты
Очень строго в обществе следовали этикету. Например, нельзя было даже прикасаться к
к королю или к человеку благородного происхождения. Исторический факт - что один король должен был по этикету провести определенное время перед горящим камином. Вдруг пламя перекинулось на ковер у камина, рядом с которым сидел король. Но такая важная особа не могла по этикету сдвинуться с места, а тот из его окружения, кто мог дрова в камине подправить и огонь потушить, на время отлучился, ушел, и король получил смертельные ожоги, но не шевельнулся.
Так же строго придерживались вправил не только в жестах, но и в беседах и внешнем виде. Нельзя прямо высказать свою мысль- надо тонким намеком. Детали внешности имели огромное значение; популярны стали мушки: если дама прикрепляла мушку на лбу -
это означало, что она сердится, на подбородке - размышляет, на щеке -не прочь, чтобы за ней ухаживали, причем на левой или правой - тоже имело значение.
Перед тем, как начать разговор о французской живописи, сначала обратимся к истокам. Одним из самых известных древнегреческих скульпторов был Пракситель, прославившийся своими Афродитами, особенно двумя последними Афродитам - Косской и Книдской. По преданию, двум народам предложили выбрать, первыми выбрали скульптуру кноссы -одетую, а потом книды - - им досталась обнаженная фигура.
Это был первый случай изображения обнаженной богини "с натуры", позировала скульптору гетера Фрина, ее даже хотели судить за нарушение закона-позирование в виде богини. Но Фрина была оправдана, прямо на суде защитник сдернул с нее одежду и сказал, обратившись к судьям:"Разве такая красота недостойна быть изображена в облике богини?" И судьи с ним согласились.
На картине "Великодушие Сципиона" (1640) Николя Пуссена мы видим ту же саую позу, что у Афродиты Праксителя, только зеркально отображенную, и фигура плотно задрапирована.
Пуссен активно использует тут и цветовую символику, причем цветовые оттенки ему не важны, а большое значение придается цветовых характеристикам персонажей:
Синий-женский, жертвенность
Красный-агрессия, мужественность
Зеленый-надежда
Золотой-власть
На картине "Ринальдо и Армида" (конец 1620-х гг) наглядно видно, как важна оплата труда художника по фигурам:) Сам сюжет мог ограничиться двумя персонажами, но автор придумал придумал каждому из главных героев прислужниц (не могли ж они сами все делать:), аллегории реки, много амуров -одним Амуром такое жестокое сердце сердце не растопишь. Интересная композиция картины - явственно просматривается треугольник из фигур
Пейзаж, конечно, не может обойтись без фигур, он носит историческое значение (из "Энеид" Вергилия) - "Пейзаж с Геркулесом и Какусом" (1660), и опять же фигур получилось немало:).
В картине не соблюдается перспектива (Нерей и Нереиды на переднем плане, но не намного больше Геракла далеко и высоко на вершине). Аллегориями пронизана вся картина - герои переплывают реку жизни; дерево на краю скалы, расколотое молнией, еле держится, но зеленое, живое - тоже аллегория жизни, побеждающей смерть; небо мрачное-тоже аналогия жизненным проблемам, где мало просветов.
Еще один очень интересный художник - Клод Лоррен (1600-1682), близкий друг Николя Пуссена, они вместе ходили на натуру - мастер пейзажа.
Он изображает пасторальную сельскую жизнь, все идет своим чередом, вот пастухи спокойно пасут свое стадо - а совсем рядом, будто в другой жизни, кто-то ожесточенно бьется на мосту. "Битва на мосту" (1665) была написана для Папы Римского Александра VI
Пуссен придумал, что пейзаж для придания героичности и историчности, стало быть, и значимости, не может быть без людей, вот и Лоррен в соответствии с этой идеологией изображает фигуры.
Морской пейзаж превращается в сюжетное полотно по мифу "Похищение Европы", 1655 - Зевс сейчас уплывет на Крит, но пока вокруг все спокойно и умиротворенно
На любое, даже небольшое, событие в жизни знатной особы, а уж тем более короля, на любу. поездку, излечение от болезни писали картины и поэмы. Людовик XIV окружил себя скульпторами, поэтами, художниками, фиксирующими каждый его шаг.
Адам Франц ван дер Мейлен, 1632-1690 "Въезд Людовика XIV в Венсен"
Все было подчинено этикету. Король просыпался не один, его пробуждения ждали 50 самых знатных людей страны, самых близких к королю. Как король проснулся - на него надели рубашку, он встает и переходит в следующую комнату. Там его ждут уже 250 человек, ввесь двор, надевают на него парик, одежду, каждый предмет туалета - свой специально обученный человек. Аналогично все это происходило и у королевы.
Двор все время развлекался, было много забав, они путешествовали по замкам и паркам, главными из них было Венсент, потом Версаль. На картине король изображен на белом коне, у всех тщательно прописаны детали.
Парки у французов, в отличие от пейзажных природных парков у англичан, были упорядоченными, с только постриженными деревьями и кустарниками, затейливо разбитыми клумбами
Еще одна интересная деталь из жизни того времени - брачный портрет. Аделаиде Савойской на портрете Франсуа де Труа (1697) 12 лет, его писали, чтобы отослать будущему жениху заранее познакомиться с обликом невесты.
Конечно, и тут все пронизано символикой; дельфин и дофин произносятся одинаково - на картине изображен дельфин как символ того, что перед нами невеста дофина. Горностай без хвостиков - еще не дофина, но уже помолвлена, на скорое бракосочетание намекает и Амур.
Следующий портрет (Никола де Ларжиньер, конец 1690-х, "Портрет молодой дамы") содержит много примет времени.
Очень модно пудрить волосы (выглядят как как седина), сильно румяниться. Парики как корабли символизируют недавнюю победу флота. Прическа делалась долго и не на один день, сетку надевали на прическу, чтоб мыши не забрались. На этом портрете этого нет, но на других часто изображался супер-модный флакончик с маслом от блох на шее: если даму кусала блоха, флакончик изящно подносили к прическе, и блоха попадалась. Можно до сих пор в антикварных магазинах купить такие флакончики с попавшимися блохами XVII в. Очень большое значение в светской жизни придавалось всяческой символике, кроме специального языка жестов, где приличным считалось говорить, например, только веером (как его раскрыть или закрыть, куда повернуть и пр), а также прической и мушками. Помогали ухаживать за дамами завитушки из волос ("крючки для сердец"), а если их нет -
это признак, что ухаживать за дамой не надо.
Долгое время считалось, что это портрет Дидро (Иасент Риго, 1659-1743, "Мужской портрет"). Впоследствии это не было признано доказанным, но на картине явно изображен чудак: без парика, сюртук простой.
Еще один прекрасный портрет - Луи Мишель ван Лоо (1707-1771), "Портрет княгини Екатерины Дмитриевны Голицыной", 1759
Только дамы ближнего Императору и Императрице круга инентифицировались голубой лентой (дамы дальнего круга не могли такие носить), горностай говорит о большой знатности рода. Волосы у дамы свои, не парик, припудренные. С ней собачка мопс-новая мода, не худенькая, как раньше, а с плоской мордой
В завершение экскурсии мы посмотрели две скульптуры.
Братья Брош "Амуры, борющиеся за сердце" (вторая половина XVIII в)
Два Амура отвечают каждый за свео: старший Амур - за постоянную супружескую любовь, а второй, шаловливый - за легкомысленную, старший брат останавливает младшего. Скульптура выполнена из куска мрамора с очень точными деталями.
И последняя скульптура - "Княгиня Мария Барятинская" Торвальдсена, 1818
Очень часто изображали красавицу Марию Барятинскую в том числе в виде Галатеи Пигмалиона.
Она будто сходит с пьедестала, руки погружены в платье, иллюзия живого тела в камне (не только красками можно передать тепло человеческого тела).
Это пик европейского реалистического искусства, и только человечество стало думать, что достогло вершины - тут появляется новое течение: импрессионизм.
Искусство становится ребусом, оно и удивляет, и заставляет прислушиваться к своим ощущениям и впечатлениям.
Но об этом - в будущем году:)