«Незабытые традиции 2012 - Этнофутуризм»
V Международный фестиваль «Незабытые традиции» проходит в галерее «Беляево» с 22 декабря 2012 года по 27 января 2013 года.
На афише: Таллеров В. Матрешка с супрематической росписью. 1994
Организаторы о выставке: «Международный фестиваль «Незабытые традиции» в 2012 году заявляет о себе как о фестивале концептуально-прикладного искусства, главная тема которого - ЭТНОФУТУРИЗМ. Зародившийся в конце XX века в творчестве финно-угорских народов этнофутуризм как уникальное явление культуры стремится «ухватить» традицию в её подлинном проявлении и ретранслировать в современную среду.
Экспозиция «Незабытые традиции 2012. Этнофутуризм» включает в себя этнографические, конкурсные и специальные разделы по номинациям: «Текстиль», «Художественный металл», «Ювелирное искусство», «Художественная обработка природных материалов», «Художественное стекло», «Керамика», «Арт-объект», «Костюм». На фестивале свои «этнофутуристические» работы продемонстрируют участники из многочисленных регионов России, а также из разных стран мира (Японии, Армении, Венгрии, Словении, Индонезии и др.).
Центральное место в экспозиции фестиваля занимают театральные костюмы, реконструированные по эскизам Веры Мухиной (автор реконструкции - художник по костюмам, дизайнер Анна Колейчук). Ориентированные не только на цветовое и декоративное решение народного костюма, но и на его структуру и конструкцию работы Мухиной не подвластны времени. "Основные формы народного костюма всегда мудры, - пишет Вера Мухина. - От первобытного общества до наших дней орнамент развивается; вместе с ростом культуры народов он претерпевает различные изменения, но в то же время, сохраняя преемственность".
В рамках фестиваля «Незабытые традиции 2012. Этнофутуризм» пройдут мастер-классы японских художников Каваками Кейскуке и Инада Ацуси, известного московского художника по стеклу Анны Бутиной, медиа-перформанс художника по костюмам, театрального художника, дизайнера Анны Колейчук, конкурсный показ номинации "Авторский костюм" (молодые российские модельеры), концерт известного барда, поэта, прозаика, члена Союза писателей России Алексея Витакова «На круге гончарном», дискуссия «Декоративно-прикладное искусство сегодня. Проблемы и перспективы».
Программа фестиваля на сайте Галереи:
http://www.gallery-belyaevo.ru/index_m.htm#mNGR
Обзоры прошлых фестивалей в блоге:
«Незабытые традиции-2».
«Незабытые традиции-3».
«Незабытые традиции-4».
Даю информацию, представленную на выставке:
«ЭТНОФУТУРИЗМ: ОТ ДРЕВНЕЙ ТРАДИЦИИ И МИФОЛОГИИ К АВАНГАРДУ
Что есть человек, в чем его особенность и уникальность, зачем он? Как сделать человеческое мерой всего и смыслом бытия? Сегодня эти вопросы звучат всё настойчивее, а значит, ответы на них уже на подходе. Мы вступаем в эпоху постпостмодернизма - время возвращения гуманистических ценностей и оснований после многих лет блуждания в модернистском хаосе, деструктивную интенцию которого, наконец, сменяет философия полифонии мира. Художественная культура по-своему участвует в поиске универсального кода, способного сближать народы, объединяя в сходном, побуждая уважать индивидуальное, и одним из путей достижения цели становится Этнофутуризм.
Этнофутуризм - сравнительно молодое направление современного искусства, его возраст насчитывает около двадцати лет, хотя некоторые исследователи обнаруживают гораздо более ранние истоки этого течения (к архаическому искусству мировой авангард обращался и в начале ХХ века). Как положено художественному движению, основой Этнофутуризма стал литературный манифест 1980-х годов, сочиненный группой эстонских писателей и поэтов, стремившихся к воссозданию идентичности финно-угорских народов.
Уже на российской почве эта тема получила выражение в «Манифесте трёх» удмуртских художников неформальной творческой группы «Одомаа» («Родная земля»: Ю.Н. Лобанов (Кучыран Юри), М.Г. Ходырева, А.Н. Прокопьев), где они заявили: « ... В сторону Вечных качеств - Доброты, Любви, Радости - должны быть направлены все надежды и чаяния литераторов, артистов, художников… Истинный смысл этнофутуристического движения, на наш взгляд, заключается в том, чтобы, опираясь на всё то позитивное, которое уже накоплено как в традиционном народном искусстве, так и в современном мировом искусстве, создать по великому закону Свободы Выбора, по которому живёт всё Мироздание, ещё непревзойдённые по глубине этнического звучания произведения искусства, выполненные по зову нашего сердца ...». Авторы Манифеста справедливо утверждают, что самоидентификация в системе устойчивых ценностей в дальнейшем помогает (человеку или народу) занять значимое место и в большом социально-культурном пространстве.
Сегодня ареал Этнофутуристического движения, имеющего сильный организующий центр в Удмуртии, включает несколько республик Поволжья и Сибири: Чувашию, Мордовию, Мари-эл, Коми, а также базирующиеся на тюркской культуре Татарстан и Башкортостан; в Санкт-Петербурге при Этнографическом музее работает объединение «Параскева», проводятся фестивали в Новосибирске. К числу участников принадлежат Финляндия, Эстония, Швеция. В регионах Этнофутуризм уже прошел этап философского осмысления и формирования идеологии (1880-90-е) и активно взаимодействует с повседневной культурой, стараясь и вернуть в неё изначальные смыслы, и включить её в равноправный диалог с современностью через язык традиционных обрядов (2000-е). Хотя зачастую предпочтение отдается естественным и природным материалам, но в процесс творчества вовлечено всё, что может адекватно выразить художественный замысел, а синтез жанров стал привычным приемом. Спектр форм взаимодействия художников с аудиторией чрезвычайно разнообразен: фестивали и выставки, творческие мастерские, акции, перформансы и хэппенинги. По сути движение уже переросло рамки задач национальной идентификации и может предлагать пути решения вопросов культурной толерантности.
Этнофутуризм стоит на позициях гармоничного устройства мира и равноправного сосуществования человека и природы, их поддержания и развития. Опора на этническое многообразие культуры происходит ради обращения в будущее (отсюда и «футуристический» вектор движения) и в конечном счете ради проектирования новой антропологической философии и культуры как динамически-равновесной системы.
Философия Этнофутуризма определяет отсутствие единого формального языка. Каждый художник (музыкант, поэт и т.п.) волен выбирать символические системы (архаические, языческие, христианские, универсальные), которые лучше отвечают его замыслам, и связанные с ними сюжеты, - главное, чтобы его произведение транслировало позитивные смыслы собеседнику (зрителю, читателю), служило почвой для размышлений о содержании высказывания и причиной внутреннего диалога с автором. Наряду с устойчивыми мифологемами возникают новые сюжеты. Пространство мифа выступает наряду с виртуальной реальностью. Насыщенность художественного пространства многообразно и открыто для интерпретаций.
Этнофутуризм сегодня - это ответ этнической традиции несостоявшемуся господству концепции глобализма. Стержнем цивилизационных механизмов, полагает он, должны быть культурные смыслы - иначе цивилизация отменяет самое себя; в периоды сущностного самоопределения человечество может вновь и вновь обращаться к языку изначального синкретизма, органичного единства, чтобы опять воссоздать, сконструировать, сотворить мировую гармонию. На современном этапе Этнофутутризм выполняет функцию художественного авангарда, движущей силы культурного процесса, осуществляющего связь времён». (Тамара Зеленцова, Искусствовед. Москва, Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства)
На торжественном открытии фестиваля 27 декабря был показан медиа-перформанс «Для художника цвета и ударных» - авторский проект Анны Колейчук (см. фото на сайте Галереи).
(Напоминаю, что ссылки на сайты выставочных залов и другие источники со временем могут стать недействительными).
А в остальные дни работы выставки зрителям представлена экспозиция в большом зале Галереи. Мотивы-квадраты, изображенные на ткани, по очереди проецируются на пол и «оживают».
Колейчук Анна. Инсталляция с реконструкцией костюмов В. Мухиной из альбома «Искусство в быту» для выставки «Театр В. Мухиной». 2012
«Георгий Коваленко «Театр Веры Мухиной» (выдержки):
Мухиной и Экстер в начале 1920-х годов доведется заниматься очень многим - оформлением выставочных павильонов, плакатами, рекламой, проектированием повседневной одежды, изготовлением дамских шляп, различных аксессуаров... И, что интересно, во всех этих, казалось бы, весьма далёких от театра сферах, им всегда удавалось воплотить свои именно театральные идеи, разыграть свой спектакль на территории, для этого вроде бы совсем и не предназначенной.
В марте в Москве объявлен НЭП, стали возникать небольшие частные мастерские. Экстер вместе с Мухиной открывают такую мастерскую. Третьей участницей стала Вера Попова, давняя знакомая Экстер, сестра Любови Поповой.
Мастерская, которая вскоре стала называться Мастерской МЭП (Мухина - Экстер - Попова), стремительно развивала свою деятельность. Она стала известной настолько, что через год Экстер решает придать ей статус официальной и государственной. 22 октября заседание Правления Российской Академии Художественных наук постановило: «Признать принципиально желательным включение мастерской МЭП в ведение Академии». Правда, в это время Мастерская МЭП делает не только шляпы, а разрабатывает ещё и модели одежды.
Характерной чертой многих проектов Мухиной было использование в современных платьях принципов народного костюма - как в крое, так и в цветовом, декоративном плане. Надо полагать, такие идеи исходили от Экстер. Она была знатоком украинского народного костюма, в своих театральных работах не упускала случая так или иначе использовать его структуру, поиграть с его формой, его колористикой, возможностями его трансформаций.
Ориентация на народный костюм выражалась не только в цветовом решении, не только во включении интенсивных декоративных элементов. В самой структуре народного костюма, в его конструкции и Мухина, и Экстер усматривали ряд принципиальных моментов, не подвластных времени, временем испытанных, а потому чрезвычайно актуальных в новых условиях.
Практически во всех проектах и Мухиной, и Экстер очевидны эти исходные моменты, эти пластические начала. «Костюм широкого потребления, - писала Экстер, - должен состоять из таких простейших геометрических форм, как прямоугольник, квадрат, треугольник; ритм цвета, вложенный в них, вполне разнообразит содержание формы...исполненные в самых простых материалах (холст, сатин, редина, кустарный шёлк, сырец, шерсть), одежды эти, легко видоизменяясь, не могут надоесть, и человек, одетый в них, при желании всегда может изменить и силуэт одежды, и ее цвет, так как отдельные части ее разного цвета».
Наглядным и убедительным подтверждением идей Экстер стал огромный альбом «Искусство в быту», выпущенный в качестве приложения к журналу «Красная нива» за 1925 год. Одиннадцать листов альбома (по размеру - почти плакаты) отведено массовой одежде. Все рисунки выполнены Мухиной (по идеям Ламановой). Сразу же отметим виртуозность исполнения листов. Это совсем не служебные воспроизведения костюмов; здесь каждый лист -законченная конструктивистская композиция: рассчитаны все соотношения - изображения самого костюма, чертежа выкройки, авторского и типографского шрифтов. Благородны, изысканы и кажутся колористически очень насыщенными цветовые решения каждого листа, при том, что использована ограниченная цветовая шкала -черный, красный, один раз охра.
В альбоме все виды одежды - от легкого летнего платья, костюмов для улицы, пальто до спортивных одежд, пионерской формы и толстовок.
Альбом задумывался как своего рода руководство, по сути, любой человек мог воспроизвести чертеж и изготовить тот или иной костюм. Все выкройки предельно понятны, предельно геометричны - никаких сложностей. Плюс доступные ткани: суровое кустарное полотно, кумач, солдатское сукно...
Мухина на этот раз предлагала ещё ход, аналогичный уже испытанному в платьях из украинских рушников: домашнее платье из головного платка, кафтан из двух владимирских полотенец - эти модели особенно эффектны и
особенно элегатны. Надо сказать, ни в одной из моделей не сделана скидка на грубость тканей, на их в общем-то другое предназначение, нигде не ощущается никакой вынужденности приема.
Естественно, все модели Мухиной практичны и более чем целесообразны. Но и не только. При всей демонстрационной опоре на народный костюм (рубашечный крой, распределение декоративных элементов, цветовое решение) в моделях Мухиной ясно читалось время - время конструктивизма.
Не составляет труда представить человека в костюме Мухиной, к примеру, в Рабочем клубе Александра Родченко, в павильонах Всероссийской художественно-промышленной выставки (1923), на фоне конструктивистских плакатов, во множестве декорировавших в то время неконструктивистские фасады московских домов. С конструктивизмом Мухину связывало едва ли не главное: конструктивизм ввел «в культуру текстиля новый пластический мир - мир геометрии, одухотворенный живым чувством и мыслью художника. Опыт, приобретенный в работе с цветом, формой, пространством в живописи и графике, перешел здесь в свободу обращения с простейшими регулярными геометрическими композициями и придания им пространственной игры».
«Ожившие» костюмы сопровождает проекция хроники
С другой стороны зала представлен
«Арт-объект «Фотомонтажная фигура»
Автор - Кира Матиссен. Фотомонтажи - Юрий Рожков (1898-1940).
Монтаж конструкции - Илья Билецкий.
Декламация - Василий Шишков [транслируется в зале].
Материалы:
Фотомонтажные принты работ Юрия Рожкова (1898-1940), созданные в 1924 году.
Типографика и звук по поэме Владимира Маяковского «Рабочим Курска, добывшим первую руду».
Конструктивные элементы - стандарные металлические профили «кнауф», металлические элементы, принт-ткань, пластик.
Концепт:
Создание футуристической фигуры человека-мира, смоделированной на основе архаической знаковой графемы и кубофутуристических элементов. Ассоциативный образ данной «фотомонтажной фигуры» полифоничен и может включать в себя и этнографические формы (огородное пугало) и символику известных фигур из «рабочего движения» и узнаваемые формы конструктивно-технических и производственных объектов (труб, антенн, вышек и т.п.). Основополагающие элементы объекта - фотомонтажи и поэзия - позволяют «аутентично одеть» логическую конструкцию, объединив несколько модернистских практик, и достичь максимально духовного сближения. Возможно, что в той «идеальной» фигуре все-таки удастся уловить, транслировать и артикулировать отголоски футуризма и «заумного языка» наших предков...
Историческая справка:
Ю. Н.Рожков (1898-1940) в 20-е годы поддерживал идеологию движения "производственного искусства". В его работах объединены: коллажная методика немецких дадаистов (берлинский манифестационный коллаж) и графические принципы советского конструктивизма. Вдохновленный научным открытием и под впечатлением авангардной ритмики и энергетики поэзии Маяковского Юрий Рожков в 1924 году создает единый фотомонтажный графический цикл из 18 листов. Рожков перерабатывает иллюстративную и репортажную периодику, формирует новые смысловые и знаковоритмические взаимоотношения графических форм, артикулирует и выстраивает типографикой весь текст поэмы «Рабочим Курска, добывшим первую руду...». Чешский искусствовед Мартин Грушка писал об этом цикле так: "Монтажи Рожкова представляют синтез поэзии, слова и образа" (Revue Fotografie 1/1984).
Проект-инсталляция «Супрембыт» представляет собой движение супрематических форм в пространстве бытовых предметов. Матрёшки, солонка, браслеты с супрематической росписью Вадима Таллерова, самонапряженная конструкция, «4 квадрата» Вячеслава Колейчука, коллекция «Здравствуйте, Казимир Северинович!» Нины Пуляхиной - во всех объектах инсталлируется «СУПРЕМАТИЗМ - как господство чистого беспредметного безыдейного образного направления искусства». Предметы, будь то «ложка, которая перевернула весь мир» или же «супрематическое яйцо», нередко взаимозаменяясь, формируют пространство «Супрематического быта».
На антресолях расположился больший раздел этнографии.
Чудесно, что на этой ежегодной выставке можно познакомиться с искусством и ремеслами разных стран.
Безупречно изысканна узорная вязь традиционных изделий Ирана. Здесь представлены поливная керамика, чеканка по меди, эмали, шкатулки, инкрустированные перламутром и слоновой костью. На стене - небольшая набойка. Подробнее о том, как создают иранский каламкар, см. в блоге.
Уголок африканского Бенина.
Да, батик-картины они научились делать не хуже европейцев. К сожалению…
Увидеть бы настоящие африканские ткани с их мощным, неповторимым рисунком и колоритом!
Экспонаты из Индонезии привлекают золотым блеском и яркими красками.
Но здесь не видно традиционных типичных костюмов, это, скорее, современная одежда с национальным колоритом. Европейский пиджак и ткань слева, с традиционными мотивами батика, скорее всего, из промышленной ткани. Полотно, висящее в центре - с традиционным рисунком, который скрылся под модной росписью золотой краской. Несколько образцов ручного батика не отличаются мастерством, которым прославился яванский батик. Впечатляют национальные музыкальные инструменты, но они молчат...
Зато превосходна традиционная живопись на ткани (фрагмент)
Вышивка
А это - явно ручное ткачество золотыми нитями (фрагмент костюма с желтой кофтой).
Подробнее о том, как вручную, на примитивных станках создают подобные ткани см. в блоге.
На мой взгляд, в этнографических разделах на фестивалях не хватает информативности. Зритель, не знакомый с тем или иным ремеслом, скользит взглядом по ярким экзотическим экспонатам и уходит, не поняв, по существу, в чем их ценность.
Немного традиционной Японии - фрагмент росписи кимоно
И рядом - авторские куклы и панно Инада Ацуси (Inada Atsushi) и Каваками Кейскуке из Японии.
На этот раз удивительный художник Инада Ацуси привез не только объемные произведения, но и настенные панно.
Дефиле дизайнерского костюма Каваками Кейскуке происходило на открытии.
А костюмы теперь можно приобрести в салоне галереи.
Авторские куклы Инада А. Слева фрагмент: Каваками К. Кот. Шелк. Япония
Инада А. Черная кошка. Фрагмент. Шелк. Япония
В центре: Каваками К. Черная мелодия. Фрагмент. Шелк. Роспись. Япония
Огромный цилиндр с осью в центре - так автор, судя по названию, представляет веретено.
Батики и керамика
Слева в углу: Елфимов П. Палеолит. Бронза, бивень мамонта. Москва
Ковалёва В. В. Великая птица. 140х70 см. Забытые письмена. 130х60 см. Вышивка. Р. Мордовия, г. Саранск
Глядя на эти вышивки, понимаешь, как трудно современному «свободному» художнику соперничать с выверенными веками лаконичными композициями и ясным колоритом, в которых заложены все символические знания, накопленные человечеством.
Однако попробуем в этом выставочном море отыскать будущих победителей в конкурсе, найти художественные произведения современных авторов, для которых древние символические образы - не пустой звук и не формальная тема для участия в выставке…
(Не все работы на выставке являются конкурсными).
Лазарева Т. Коллекция «Экодорожка в будущее». Москва. Ткачество на ремизном станке (в технике дорожек из нарезанных полосок ткани)
Трофимова И. В. Вне времени. Хлопок. Горячий батик. 200х80/4. Москва
Серия посвящена календарям майя, китайским, японским и индийским.
Дабаева Айнура. Рогатая Мать-Олениха. Валяние, вышивка. Кыргызстан, г. Каракол
(искажение внизу - результат боковой съемки)
Образ оленя/оленихи у многих народов слился с образом солнца. Возможно, этой ассоциации способствовало сходство ветвистых рогов и мелькания быстрых ног с круговоротом солнечных лучей.
Познакомьтесь с автором: Айнура Дабаева, художник и преподаватель кафедры живописи и композиции Иссык-Кульского Гос. университета им. К. Тыныстанова была награждена дипломом на прошлом фестивале за работы в технике валяния (см. в блоге).
Кучменко И. Между солнцем и луной. Мозаика, стекло. Москва
В целом выставка и уникальные мероприятия, которые проводятся во время фестиваля, производят яркое впечатление. Множество искорок, принесенных художниками, складываются в большой созидательный костер, который вдохновляет на дальнейшие творческие подвиги и самих участников, и посетителей!