Рецензия к книге Тома Хоффмана "Как понять акварель. Руководство для тех, кто хочет стать мастером"
Акварель - один из моих самых любимых материалов, моя неугасающая любовь, как я уже рассказывала здесь. Поэтому когда ко мне попала на рецензию в руки новая книга МИФ "Как понять акварель. Руководство для тех, кто хочет стать мастером" - набросилась я на неё с жаром.
А всё потому, что об акварели можно писать сколько угодно - на свете изданы сотни книг, но она всё равно оставляет огромное поле для новых открытий, приёмов и наблюдений. Хотелось узнать, что же там такого интересного в этот раз рассказали. И хотелось верить, что в книге с названием «Как понять акварель» будет как минимум универсальная формула любви к этому материалу :-) Высокие ожидания, я знаю.
Нужно сразу сказать, что оригинальное название Watercolor Painting: A Comprehensive Approach to Mastering the Medium
можно было бы перевести как "Акварель: Полное руководство по освоению материала".
Я понимаю, что звучит не так задиристо как "Как понять акварель", но смысл в том, что в случае с этой книгой речи о том, чтобы стать мастером, не идёт. В ней собран целый ряд интересных приёмов и наблюдений, но автор явно не замахивается на то, чтобы сделать сразу кого-то мастером. Часто он объясняет очень простые и полезные вещи, такие, как добиться глубины в пейзаже и создать иллюзию пространства. Как работать с ограниченной палитрой и что это такое. Или более приземлённое: как сделать облака действительно летящими и нависающими над зрителем, или как находить самую светлую и самую тёмную точку пейзажа. В многократном повторении есть ответы на вопросы, что именно рисовать; как работать с натурой или фотографией; как переводить язык предмета на язык акварели - упрощать; работать с маскировочной жидкостью или без; использовать или нет карандаш для предварительного рисунка; когда вовремя остановиться и многое другое из того, что у опытных художников включается уже автоматически.
На вопрос, для кого эта книга, можно совешенно однозначно ответить, что она для совсем начинающих. Потому что часто звучат такие вещи, как:"Что делать, если бумага подсохла? Смочите её" :-) Другой вопрос, что при чтении нужно периодически делать поправки на неточности перевода и использованных терминов. Они, ошибки, не то, чтобы драматичные, но путаницу могут внести. Поэтому я попытаюсь в своей рецензии осветить и преимущества книги, которых, несомненно, больше, и недостатки вроде ошибок перевода. Цель проста - чтобы читатель относился к тестам более внимательно. Книга издана очень ладно: большая, плотная, яркая. Примеры в ней выполнены целым рядом акварелистов мирового уровня. А если знать, на какие ошибки в тексте обращать внимание, - то погружаться в неё в разы приятнее. Примерно как плавать в море - удовольствие для многих неоспоримое, а если знать, что после шторма у берега много медуз, ведёшь себя осмотрительнее.
Как я уже говорила, Том Хоффманн достаточно часто даёт практические советы для работы с акварелью. Думаю, что многим начинающим художникам его описания действительно помогут понять, с чего начать работу этим прекрасным материалом. Например, следует ли сначала делать фоновую заливку или прорабатывать задний, средний и передний планы раздельно. Работать по сухому или по мокрому, точно или более абстрактно.
Подробно разобрана волнующая тема ограниченной палитры - когда же художнику следует использовать не более 2-3 цветов и как работать с цветовыми контрастами. Помните, я писала об этом пару месяцев назад, потому что эта тема актуальна и для моей новой книги с рабочим названием «Поговори с художником»: Палитра Цорна для художников и детективное расследование
Мне очень импонирует фраза Тома: «Сколько цветов понадобится? ... мы часто начинаем поиск шаткого равновесия между личными предпочтениями и тем, «как принято». Когда речь заходит о цветах, даже я, акварелист с сорокалетним стажем, могу озвучить лишь собственные предпочтения.»
Или такая фраза о работе с ограниченной палитрой: «Ограниченная палитра - эффективный способ достигнуть единства в картине, но зачастую она задаёт минорное настроение. Разнообразная палитра позволяет создать радостное, живое изображение, но не даёт зрителю передышки. Постарайтесь заранее оценить, как выбор цвета скажется на настроении будущей картины». Тут я, правда, снова ёрзаю на стуле. Настроение - это чьё-то внутреннее душевное состояние, переменное во времени. У картины - неодушевлённого предмета - настроения не может быть по определению и тем более его смены. Можно передать настроение автора, но у самой картины его не будет, на мой взгляд. Может лучше так: «Как выбор цвета скажется на восприятии будущей картины»? Потому что восприятие объекта кем-то может меняться во времени и зависеть от цветов, выбранных художником. А настроение у застывшей картины - что это и с чем его едят?
Так же в книге много советов о том, как находить сюжет, как добиваться эффектов глубины, использовать или нет маскировочную жидкость и много другое. Сам автор говорит, что уже есть много учебников по технике работы с акварелью, поэтому он делает упор на осознание и понимание работы с материалом.
Правда, в следующем предложении переводчик сбивает с толку и говорит на заливку (базовый приём в работе с акварелью) - отмывка:«... каждый художник должен знать, как создать нейтральную, тёплую или градуированную отмывку». Поэтому вам в таких случаях придётся переводить переводчика. Потому что здесь речь о нейтральной, тёплой или градуированной заливке. Я писала об этом пару дней назад, но повторюсь ещё раз, чтобы вам не отвлекаться на линки. При желании вы можете проследовать сюда и прочесть как полный текст, так и комментарии к нему: Отмывка, размывка и заливка.
У архитекторов отмывка - это послойное "намывание" тона от светлому к тёмному. Сделать отмывку какой-нибудь коринфской колонны - значит выполнить послойный монохромный объёмный рисунок. Поэтому для архитектурной отмывки достаточно взять раствор всего одной краски, и при повторных проходах кистью оставлять светлые рёбра колонны нетронутыми (цветом бумаги) или под всего одним слоем краски, а каждое последующее, теневое ребро, проходить для придания объёма новым полупрозрачным слоем. Таких слоёв можно намыть (накрасить) столько, что самая тёмная часть рисунка будет заполнена достаточно плотно цветом. Главное давать хорошо просохнуть предыдущим. Тем более, что работают часто водостойкой тушью по акварельной бумаге и предыдущие слои больше не оживают от влаги. Таким образом отмывка - это не процесс, а результат и именно у архитекторов.
Часть процесса создания отмывки - это как раз равномерная однотонная заливка. Тот самый шаг, когда кистью равномерно "гонят каплю" или "водный валик" по бумаге, и есть заливка, а не отмывка. В акварели её тоже можно сделать однотонной, плавными переходами от тёмного к светлому или дополнительно плавными переходами от одного цвета в другой. Художники, как правило, не пользуются этим архитектурным термином, а если и пользуются, то часто вкладывают в него совсем другое значение. И тут нужно быть осторожным.
Проблема с книгой, содержащей такие ошибки, как раз в том, что периодически вскидываешься и думаешь, а что, если речь действительно об отмывке? Но тогда что такое нейтральная отмывка? А градуированная? Градуированная заливка (растяжка) - это когда каждая последующая полоса краски становится светлее, потому что кисть набирает все меньше краски и все больше воды (или наоборот, если работать от светлого к тёмному). Но отмывка - как финальный рисунок - сама по себе градуирована: разбита по тональности по нарастающей от светлого к тёмному. Поэтому выходит, что "градуированная отмывка" - это масло масляное. А ларчик просто открывался. В английском оригинале стоит простое wish, как можно увидеть в комментариях по ссылке - заливка.
Так что если какие-то отдельные пассажи в книге показались вам непонятными или путанными, делайте небольшую поправку на возможные ошибки перевода. Дело совсем не в вас. С переводной литературой всегда были и будут такие проблемы, что переводчик - не специалист в отдельно взятой области, а работать с научным консультантом не всегда есть возможность. Я осознанно заступаюсь за издательство, потому что не понаслышке знаю, какой кровью даются книги. Однако шила в мешке не утаишь. Ошибки перевода есть. Если человек действительно только начинает работать с акварелью, они могут запутать его или чего доброго научить неправильной терминологии. А такое очень быстро прилипает.
Проблемы с отдельными фразами в книге уже вызвали волну обсуждений. Но я их всё равно повторю. Кто-то говорил, что всё вполне понятно описано, кто-то выдавал свои интерпретации. Но одно то, что фразу в обучающей книге можно истолковать по-разному - настораживает. Это как раз снова к теме того, что невольно гадаешь - это автор так путанно объясняется или небольшие огрехи перевода?
«Преодолеть страх перед акварелью можно благодаря пониманию того, что произойдёт, когда кисть коснётся бумаги. Чем шире пределы приемлемых для вас результатов, тем свободнее кисть»
Я долго гадала, что мне хотят сказать, но так и не нашла ответа, что это за таинственные «пределы приемлемых результатов», тем более, что цитату вставили текстовым выделением - в виде крупной журнальной врезки. Это я говорю не к тому, чтобы вы бросились мне её растолковывать. А к тому, что любое предположение, что же именно подразумевалось - всего лишь предположение. Нужно смотреть в оригинале, что же действительно сказал автор.
То же самое с этой цитатой на стр.10:
«Хорошая новость: вам не придётся каждый раз начинать с нуля. Навыки постепенно закрепляются, и через некоторое время вы начинаете применять их автоматически. Например, ограничение тонального ряда на рисунке справа отделило фон от среднего плана. После того как вы несколько раз успешно примените эту стратегию, она станет одним из ваших привычных инструментов»
Чувствуешь себя немного обманутым. Видимо, мне хотели сообщить какой-то простой и хороший приём в качестве примера, но чуда не вышло. Потому что остаётся только догадываться, о чём речь. Это как раз разворот с иллюстрацией и цитатой.
Под самой картинкой подпись, что такое «сужение тонального ряда» - «разрыв между самым тёмным и самым светлым пятном». Пришлось несколько раз перечитать фразу, чтобы понять, что речь о том, как отобразить воздушную перспективу. На заднем плане «сужен тональный ряд», то есть использованы только оттенки соседних, а не комплементарных цветов - синего и фиолетового.
А вообще надо сказать, что книга мне понравилась, хотя в ней есть огрехи. Многие вещи, которые Том Хоффманн описывает в своей книге, созвучны с тем, что я сама активно проживаю - пленэр. Он рекомендует работать на свежем воздухе, чтобы для начала прочувствовать место. Потому что его особую атмосферу умышленно не передать.
«Живопись - лучшая связь с окружающим миром. Для того, чтобы суметь изящно рассказать о каком-либо месте на языке мазков и цветовых пятен, мы должны как следует его изучить.»
Том советует разбираться с предметом изображения вне зависимости от того, рисуешь с натуры или по фотографии. Что значит разбираться? Например, как я уже рассказала выше, найти в натуре самые светлые и самые тёмные пятна. Акварель не позволяет скрывать грубые ошибки. В ней нужно всё продумывать на несколько шагов вперёд. Когда художник определяется с наиболее контрастными местами в работе, ему проще продумать, что оставить цветом бумаги или проработать полупрозрачной заливкой, а что усилить, затемнить.
Главное, по словам Тома, и я согласна с ним - понять, что именно привлекло в объекте. Например, необычная форма, яркий свет и контрастная тень, детализация или простота. При этом акварелист должен продумать, как упростить «исходник», чтобы нарисовать его без перегрузки деталями. Плюс, когда изображаешь только то, что задумал, - даёшь зрителю ровно столько информации, которая способна его очаровать.
Понравилась фраза о том, что художнику лучше погружаться в свою работу, а то «поймать несколькими штрихами - что же мы, пираты какие, которые только и могут, что «поймать, пытать, продать за выкуп. ... Воплощение идеи - намного более цивилизованное занятие».
Том достаточно много внимания отводит равновесию цвета и форм в работах. Разбирает на примерах фотографий, эскизов и готовых работ. Говорит, на что обращать внимание в набросках. Наглядно повествует о том, как не загружать работу деталями и плавно переходить от общего к частному.
Так же мне понравилось то, как именно Том объясняет, почему в акварельных работах должно присутствовать как можно меньше предварительного карандаша. По его мнению, смесь графитовых штриховок и полупрозрачной акварели - это уже другая изобразительная техника. Плюс часто по детально проработанному карандашному рисунку трудно работать акварелью. Графит отталкивает влагу и краска плохо ложится. Как говорит сам Том: «В основном я использую карандаш или очень бледную краску, чтобы наметить расположение основных форм. ... В большинстве случаев чем меньше я рисую карандашом на акварельной бумаге, тем больше свободы у меня будет потом и тем больше надежда, что я смогу вовремя остановиться. Конечно я не советую навсегда отложить карандаш. Случается и так, что я не делаю набросок, а потом разбираюсь с последствиями».
Кстати, некоторые заголовки и темы в книге постоянно повторяются, но это, видимо, разновидность западного телевизионного вируса. Когда передачи грешат тем, что одна мысль или фраза повторяется по несколько раз, чтобы включить на любом месте и понять, о чём речь. Можно подойти к этому философски и просто повторять урок, украшая его новыми знаниями.
Вывод такой.
Если вы начинающий художник - вам стоит купить эту книгу, потому что она помогает научиться осознанному подходу с работой акварелью и даёт целый ряд практических советов и ответов на волнующие вопросы. Просто помните, что в ней есть ошибки перевода - самая крупная «отмывки-заливки» и делайте поправку на это.
Книга на английском на амазоне
Watercolor Painting: A Comprehensive Approach to Mastering the Medium
Книга на русском на сайте издательства
"Как понять акварель. Руководство для тех, кто хочет стать мастером"
А всё потому, что об акварели можно писать сколько угодно - на свете изданы сотни книг, но она всё равно оставляет огромное поле для новых открытий, приёмов и наблюдений. Хотелось узнать, что же там такого интересного в этот раз рассказали. И хотелось верить, что в книге с названием «Как понять акварель» будет как минимум универсальная формула любви к этому материалу :-) Высокие ожидания, я знаю.
Нужно сразу сказать, что оригинальное название Watercolor Painting: A Comprehensive Approach to Mastering the Medium
можно было бы перевести как "Акварель: Полное руководство по освоению материала".
Я понимаю, что звучит не так задиристо как "Как понять акварель", но смысл в том, что в случае с этой книгой речи о том, чтобы стать мастером, не идёт. В ней собран целый ряд интересных приёмов и наблюдений, но автор явно не замахивается на то, чтобы сделать сразу кого-то мастером. Часто он объясняет очень простые и полезные вещи, такие, как добиться глубины в пейзаже и создать иллюзию пространства. Как работать с ограниченной палитрой и что это такое. Или более приземлённое: как сделать облака действительно летящими и нависающими над зрителем, или как находить самую светлую и самую тёмную точку пейзажа. В многократном повторении есть ответы на вопросы, что именно рисовать; как работать с натурой или фотографией; как переводить язык предмета на язык акварели - упрощать; работать с маскировочной жидкостью или без; использовать или нет карандаш для предварительного рисунка; когда вовремя остановиться и многое другое из того, что у опытных художников включается уже автоматически.
На вопрос, для кого эта книга, можно совешенно однозначно ответить, что она для совсем начинающих. Потому что часто звучат такие вещи, как:"Что делать, если бумага подсохла? Смочите её" :-) Другой вопрос, что при чтении нужно периодически делать поправки на неточности перевода и использованных терминов. Они, ошибки, не то, чтобы драматичные, но путаницу могут внести. Поэтому я попытаюсь в своей рецензии осветить и преимущества книги, которых, несомненно, больше, и недостатки вроде ошибок перевода. Цель проста - чтобы читатель относился к тестам более внимательно. Книга издана очень ладно: большая, плотная, яркая. Примеры в ней выполнены целым рядом акварелистов мирового уровня. А если знать, на какие ошибки в тексте обращать внимание, - то погружаться в неё в разы приятнее. Примерно как плавать в море - удовольствие для многих неоспоримое, а если знать, что после шторма у берега много медуз, ведёшь себя осмотрительнее.
Как я уже говорила, Том Хоффманн достаточно часто даёт практические советы для работы с акварелью. Думаю, что многим начинающим художникам его описания действительно помогут понять, с чего начать работу этим прекрасным материалом. Например, следует ли сначала делать фоновую заливку или прорабатывать задний, средний и передний планы раздельно. Работать по сухому или по мокрому, точно или более абстрактно.
Подробно разобрана волнующая тема ограниченной палитры - когда же художнику следует использовать не более 2-3 цветов и как работать с цветовыми контрастами. Помните, я писала об этом пару месяцев назад, потому что эта тема актуальна и для моей новой книги с рабочим названием «Поговори с художником»: Палитра Цорна для художников и детективное расследование
Мне очень импонирует фраза Тома: «Сколько цветов понадобится? ... мы часто начинаем поиск шаткого равновесия между личными предпочтениями и тем, «как принято». Когда речь заходит о цветах, даже я, акварелист с сорокалетним стажем, могу озвучить лишь собственные предпочтения.»
Или такая фраза о работе с ограниченной палитрой: «Ограниченная палитра - эффективный способ достигнуть единства в картине, но зачастую она задаёт минорное настроение. Разнообразная палитра позволяет создать радостное, живое изображение, но не даёт зрителю передышки. Постарайтесь заранее оценить, как выбор цвета скажется на настроении будущей картины». Тут я, правда, снова ёрзаю на стуле. Настроение - это чьё-то внутреннее душевное состояние, переменное во времени. У картины - неодушевлённого предмета - настроения не может быть по определению и тем более его смены. Можно передать настроение автора, но у самой картины его не будет, на мой взгляд. Может лучше так: «Как выбор цвета скажется на восприятии будущей картины»? Потому что восприятие объекта кем-то может меняться во времени и зависеть от цветов, выбранных художником. А настроение у застывшей картины - что это и с чем его едят?
Так же в книге много советов о том, как находить сюжет, как добиваться эффектов глубины, использовать или нет маскировочную жидкость и много другое. Сам автор говорит, что уже есть много учебников по технике работы с акварелью, поэтому он делает упор на осознание и понимание работы с материалом.
Правда, в следующем предложении переводчик сбивает с толку и говорит на заливку (базовый приём в работе с акварелью) - отмывка:«... каждый художник должен знать, как создать нейтральную, тёплую или градуированную отмывку». Поэтому вам в таких случаях придётся переводить переводчика. Потому что здесь речь о нейтральной, тёплой или градуированной заливке. Я писала об этом пару дней назад, но повторюсь ещё раз, чтобы вам не отвлекаться на линки. При желании вы можете проследовать сюда и прочесть как полный текст, так и комментарии к нему: Отмывка, размывка и заливка.
У архитекторов отмывка - это послойное "намывание" тона от светлому к тёмному. Сделать отмывку какой-нибудь коринфской колонны - значит выполнить послойный монохромный объёмный рисунок. Поэтому для архитектурной отмывки достаточно взять раствор всего одной краски, и при повторных проходах кистью оставлять светлые рёбра колонны нетронутыми (цветом бумаги) или под всего одним слоем краски, а каждое последующее, теневое ребро, проходить для придания объёма новым полупрозрачным слоем. Таких слоёв можно намыть (накрасить) столько, что самая тёмная часть рисунка будет заполнена достаточно плотно цветом. Главное давать хорошо просохнуть предыдущим. Тем более, что работают часто водостойкой тушью по акварельной бумаге и предыдущие слои больше не оживают от влаги. Таким образом отмывка - это не процесс, а результат и именно у архитекторов.
Часть процесса создания отмывки - это как раз равномерная однотонная заливка. Тот самый шаг, когда кистью равномерно "гонят каплю" или "водный валик" по бумаге, и есть заливка, а не отмывка. В акварели её тоже можно сделать однотонной, плавными переходами от тёмного к светлому или дополнительно плавными переходами от одного цвета в другой. Художники, как правило, не пользуются этим архитектурным термином, а если и пользуются, то часто вкладывают в него совсем другое значение. И тут нужно быть осторожным.
Проблема с книгой, содержащей такие ошибки, как раз в том, что периодически вскидываешься и думаешь, а что, если речь действительно об отмывке? Но тогда что такое нейтральная отмывка? А градуированная? Градуированная заливка (растяжка) - это когда каждая последующая полоса краски становится светлее, потому что кисть набирает все меньше краски и все больше воды (или наоборот, если работать от светлого к тёмному). Но отмывка - как финальный рисунок - сама по себе градуирована: разбита по тональности по нарастающей от светлого к тёмному. Поэтому выходит, что "градуированная отмывка" - это масло масляное. А ларчик просто открывался. В английском оригинале стоит простое wish, как можно увидеть в комментариях по ссылке - заливка.
Так что если какие-то отдельные пассажи в книге показались вам непонятными или путанными, делайте небольшую поправку на возможные ошибки перевода. Дело совсем не в вас. С переводной литературой всегда были и будут такие проблемы, что переводчик - не специалист в отдельно взятой области, а работать с научным консультантом не всегда есть возможность. Я осознанно заступаюсь за издательство, потому что не понаслышке знаю, какой кровью даются книги. Однако шила в мешке не утаишь. Ошибки перевода есть. Если человек действительно только начинает работать с акварелью, они могут запутать его или чего доброго научить неправильной терминологии. А такое очень быстро прилипает.
Проблемы с отдельными фразами в книге уже вызвали волну обсуждений. Но я их всё равно повторю. Кто-то говорил, что всё вполне понятно описано, кто-то выдавал свои интерпретации. Но одно то, что фразу в обучающей книге можно истолковать по-разному - настораживает. Это как раз снова к теме того, что невольно гадаешь - это автор так путанно объясняется или небольшие огрехи перевода?
«Преодолеть страх перед акварелью можно благодаря пониманию того, что произойдёт, когда кисть коснётся бумаги. Чем шире пределы приемлемых для вас результатов, тем свободнее кисть»
Я долго гадала, что мне хотят сказать, но так и не нашла ответа, что это за таинственные «пределы приемлемых результатов», тем более, что цитату вставили текстовым выделением - в виде крупной журнальной врезки. Это я говорю не к тому, чтобы вы бросились мне её растолковывать. А к тому, что любое предположение, что же именно подразумевалось - всего лишь предположение. Нужно смотреть в оригинале, что же действительно сказал автор.
То же самое с этой цитатой на стр.10:
«Хорошая новость: вам не придётся каждый раз начинать с нуля. Навыки постепенно закрепляются, и через некоторое время вы начинаете применять их автоматически. Например, ограничение тонального ряда на рисунке справа отделило фон от среднего плана. После того как вы несколько раз успешно примените эту стратегию, она станет одним из ваших привычных инструментов»
Чувствуешь себя немного обманутым. Видимо, мне хотели сообщить какой-то простой и хороший приём в качестве примера, но чуда не вышло. Потому что остаётся только догадываться, о чём речь. Это как раз разворот с иллюстрацией и цитатой.
Под самой картинкой подпись, что такое «сужение тонального ряда» - «разрыв между самым тёмным и самым светлым пятном». Пришлось несколько раз перечитать фразу, чтобы понять, что речь о том, как отобразить воздушную перспективу. На заднем плане «сужен тональный ряд», то есть использованы только оттенки соседних, а не комплементарных цветов - синего и фиолетового.
А вообще надо сказать, что книга мне понравилась, хотя в ней есть огрехи. Многие вещи, которые Том Хоффманн описывает в своей книге, созвучны с тем, что я сама активно проживаю - пленэр. Он рекомендует работать на свежем воздухе, чтобы для начала прочувствовать место. Потому что его особую атмосферу умышленно не передать.
«Живопись - лучшая связь с окружающим миром. Для того, чтобы суметь изящно рассказать о каком-либо месте на языке мазков и цветовых пятен, мы должны как следует его изучить.»
Том советует разбираться с предметом изображения вне зависимости от того, рисуешь с натуры или по фотографии. Что значит разбираться? Например, как я уже рассказала выше, найти в натуре самые светлые и самые тёмные пятна. Акварель не позволяет скрывать грубые ошибки. В ней нужно всё продумывать на несколько шагов вперёд. Когда художник определяется с наиболее контрастными местами в работе, ему проще продумать, что оставить цветом бумаги или проработать полупрозрачной заливкой, а что усилить, затемнить.
Главное, по словам Тома, и я согласна с ним - понять, что именно привлекло в объекте. Например, необычная форма, яркий свет и контрастная тень, детализация или простота. При этом акварелист должен продумать, как упростить «исходник», чтобы нарисовать его без перегрузки деталями. Плюс, когда изображаешь только то, что задумал, - даёшь зрителю ровно столько информации, которая способна его очаровать.
Понравилась фраза о том, что художнику лучше погружаться в свою работу, а то «поймать несколькими штрихами - что же мы, пираты какие, которые только и могут, что «поймать, пытать, продать за выкуп. ... Воплощение идеи - намного более цивилизованное занятие».
Том достаточно много внимания отводит равновесию цвета и форм в работах. Разбирает на примерах фотографий, эскизов и готовых работ. Говорит, на что обращать внимание в набросках. Наглядно повествует о том, как не загружать работу деталями и плавно переходить от общего к частному.
Так же мне понравилось то, как именно Том объясняет, почему в акварельных работах должно присутствовать как можно меньше предварительного карандаша. По его мнению, смесь графитовых штриховок и полупрозрачной акварели - это уже другая изобразительная техника. Плюс часто по детально проработанному карандашному рисунку трудно работать акварелью. Графит отталкивает влагу и краска плохо ложится. Как говорит сам Том: «В основном я использую карандаш или очень бледную краску, чтобы наметить расположение основных форм. ... В большинстве случаев чем меньше я рисую карандашом на акварельной бумаге, тем больше свободы у меня будет потом и тем больше надежда, что я смогу вовремя остановиться. Конечно я не советую навсегда отложить карандаш. Случается и так, что я не делаю набросок, а потом разбираюсь с последствиями».
Кстати, некоторые заголовки и темы в книге постоянно повторяются, но это, видимо, разновидность западного телевизионного вируса. Когда передачи грешат тем, что одна мысль или фраза повторяется по несколько раз, чтобы включить на любом месте и понять, о чём речь. Можно подойти к этому философски и просто повторять урок, украшая его новыми знаниями.
Вывод такой.
Если вы начинающий художник - вам стоит купить эту книгу, потому что она помогает научиться осознанному подходу с работой акварелью и даёт целый ряд практических советов и ответов на волнующие вопросы. Просто помните, что в ней есть ошибки перевода - самая крупная «отмывки-заливки» и делайте поправку на это.
Книга на английском на амазоне
Watercolor Painting: A Comprehensive Approach to Mastering the Medium
Книга на русском на сайте издательства
"Как понять акварель. Руководство для тех, кто хочет стать мастером"