Увидеть неизвестное
Третьяковка показывает редко экспонируемые живопись и скульптуру XVII-XXI веков из своих фондов.
Петр Вильямс (1902-1947). Весна. Портрет А.С. Мартинсон и А.Д. Понсова. Фрагмент. 1947. Холст, масло.
Произведения на выставке располагаются по жанровому принципу: архитектурный пейзаж, интерьер, бытовой и исторический жанры. Отдельный зал посвящен скульптуре. И хотя задумка кураторов была в том, чтобы показать, как один и тот же мотив разрабатывали художники разных эпох, я буду представлять только работы, выполненные после 1900 года в «нереалистичной» манере и вне жанрового принципа. А посмотреть есть что - работы некоторых художников я не видела до настоящего времени.
И начну с картин амазонки авангарда - Наталии Гончаровой (1881-1962). В 1907-1911 годах Гончарова выполнила так называемый «Крестьянский цикл», которому присуща общая декоративность. И в «Сенокосе» применен эффектный декоративный прием - сочетание в одном пространстве двух разных масштабов - крупных и маленьких фигур крестьян, напоминающий композицию иконы с ее большой фигурой святого и маленькими фигурами в клеймах по периметру. В грубоватом, приземистом, «идолоподобном» изображении крестьян чувствуются отголоски кубизма.
Наталия Гончарова. Сенокос. 1911. Холст, масло.
Наталия Гончарова. Рыбная ловля. 1908. Холст, масло.
Поздняя работа Гончаровой «Город» - почти абстрактная композиция является ярким эмоциональным выражением «страшной» красоты города. Художница признавалась, что не любит город, урбанистических пейзажей в ее творчестве очень мало, в ее живописи город - это собирательный образ, у которого нет имени, душевности, уюта.
Наталия Гончарова. Город. Композиция в черном и желтом. Вторая половина 1950-х. Холст, масло.
В июле 1914 года, еще до начала Первой мировой войны, Василий Кандинский (1866-1944) писал: «Я вступил в такой период моей работы, для которого просто необходимо прожить несколько месяцев в Москве. К сожалению, мне трудно объяснить вам эту свою любовь… Москва - это та почва, откуда я черпаю свою силу и где я могу жить духовной жизнью, столь необходимой для моей работы». Из круговых окон мастерской художника открывалась чудесная панорама Москвы и великолепный вид на Кремль.
Василий Кандинский. Москва. Красная площадь. 1916. Холст, масло.
А вот картина «Озеро» Кандинского непосредственно предшествует его абстрактной живописи. В ней гармонично сосуществуют предметный и беспредметный принципы. В центре картины яркое пятно света сообщает всему холсту энергический заряд. Озаренные этим светом белые лодки плывут по черной бездонной поверхности фантастического озера, у которого нет берегов, и непонятно, где кончается вода, а где начинается небо или земля. Кстати, это первая картина Кандинского, поступившая в собрание Третьяковки.
Василий Кандинский. Озеро. 1910. Холст, масло.
Архитектурные композиции Аристарха Лентулова (1882-1943) середины 1910-х годов убеждают нас в том, что поиски новых форм в живописи были нужны ему для создания образов, воплощающих на холсте обновленное представление о возможностях живописи. Тема городского пейзажа стала для художника одной из наиболее интересных. В пейзажах ему было важно передать ощущение движения в нагромождении разноцветных и разновременных строений. Эта яркость и многоцветность зданий уподобляется картинке в калейдоскопе.
Аристарх Лентулов. Василий Блаженный. 1913. Холст, масло.
Аристарх Лентулов. Нижний Новгород. 1915. Холст, масло.
А самобытное творчество Николая Сапунова (1880-1912) мелькнуло яркой кометой в созвездии мастеров «Голубой розы». Его жизнь оборвалась трагически в Териоках, где он утонул во время лодочной прогулки. Ученик Серова и Коровина, он быстро пришел к неопримитивизму и острому гротеску. В 1912 году Сапунов работал над серией «Чаепития», отражающей изнанку повседневной жизни. Но об этих работах узнали только после кончины художника, когда увидели их на посмертной выставке 1914 года. Художник писал кабацкие сцены не как сторонний наблюдатель, а как участник застолий, которому происходящее подчас представлялось страшной фантасмагорией. Резкие ракурсы и перекошенные лица воспринимаются воплощением уродства и низших чувств в людях. Свет яркой лампы перекрывают острые листья пальмы, напоминая огромное насекомое, нависающее над столом.
Николай Сапунов. Трактир. 1912. Холст, масло.
Для Константина Истомина (1886-1942) тема «окна» была любимой. Этот выдающийся, с моей точки зрения, но малоизвестный широкому зрителю живописец первой половины ХХ века, ставил перед собой задачу писать свет, световоздушную среду. Писать свет означало для Истомина передавать воздействие света на цвет, запечатлевать жизнь предмета в световом пространстве, которое становилось в полотнах художника целью изображения.
Константин Истомин. На террасе. 1928. Холст, масло.
Константин Истомин. У окна (В комнате). 1928. Холст, масло.
Художник Александр Шевченко (1883-1948) называл свою живописную манеру тектоническим примитивизмом и видел его истоки в творчестве Поля Сезанна, русской иконописи и лубочной живописи. Для своих работ он выбирал простые сюжеты, но будничные сцены под его кистью превращались в поэтические повествования. Так в картине «Пейзаж с прачками» главное - не сюжет, а сочетание цветов и пластическая организация пространства.
Александр Шевченко. Пейзаж с прачками. 1917. Картон, масло.
В поздний период творчества Шевченко обращается к композициям на современные темы. Уже остались в прошлом авангардные поиски. На представленном полотне художника показана сцена вечерних гуляний в честь дня авиации. Здесь артистизм формы сочетается с теплотой образного содержания.
Александр Шевченко. Праздничный вечер в парке культуры. 1936. Холст, масло.
В надписи на обороте холста «Сестры» Казимира Малевича (1879-1935) есть надпись, в которой художник заверяет, что эта картина создана на переходе от импрессионизма к сезаннизму. И действительно, его «Сестры» не выглядят привлекательными. Непропорциональные, с длинными руками, они больше напоминают персонажей Сезанна, чем элегантных дам Ренуара или Мане.
Казимир Малевич. Сестры. 1930. Холст, масло.
Сюжетами работ Татьяны Мавриной (1900-1996) была окружающая ее жизнь города и мест, где она оказывалась. Пейзажи начала 1930-х годов - это преимущественно пейзажи Москвы. В те годы ее еще мало занимал исторический облик города и его архитектура, которые стали героями ее пейзажей военного времени. Ценность картины в том, что она написана маслом, а как известно, после 1942 года Маврина маслом уже не писала.
Татьяна Маврина. Улица. 1933. Холст, масло.
Яркая страница творческого наследия Таира Салахова (1928-2021) - пейзажи, которые воплотили впечатления художника от многочисленных зарубежных поездок. Глубокий след в его памяти оставили воспоминания об Италии. В небольшом пейзаже «Колизей ночью» художник воспроизвел грандиозность известного архитектурного памятника античного мира. Значительность античного амфитеатра подчеркивают масштабные соотношения, при которых стоящие на его фоне лошади выглядят игрушечными. Изображение строится как театральная декорация - большими пятнами контрастного, напряженного, эмоционально насыщенного цвета. Салахову удалось воплотить в живописи величие и грандиозность ушедшей цивилизации.
Таир Салахов. Колизей ночью. 1979. Картон, масло.
А вот пример самобытной владимирской живописной школы в лице Валерия Кокурина (1930-2019). Его узнаваемый стиль сформировался из наследия народного творчества, древнерусской иконописи и мстёрской лаковой миниатюры. Убеждение художника, что «все можно выразить цветом: восторг, оптимизм, чувства», воплощается в невероятной цветовой экспрессии его живописи.
Валерий Кокурин. Вечерний Ростов. 1986. Холст, масло.
Владивосток, имевший в советское время статус закрытого порта, стал предметом пристального изучения художником Олегом Лошаковым (р. 1936). Художник создал серию произведений с видами старых улочек, изображал дореволюционные деревянные дома и портовые доки. И картина «Старый Владивосток» передает все очарование и уют повседневной жизни приморского города, увиденного в вечернем свете. Контрастный колорит картины и экспрессивный ритм желтых пятен городских фонарей говорит об увлечении художника творчеством французских постимпрессионистов, в частности пейзажами Ван Гога.
Олег Лошаков. Старый Владивосток. 1962-1963. Холст на оргалите, масло.
А следующий художник Александр Голованов (1899-1930) - это художник-легенда. Из всего его творчества сохранились лишь две картины, несколько черно-белых воспроизведений на страницах прижизненных каталогов и скупые воспоминания друзей. Ученик А. Шевченко, увлеченный кино и мечтавший стать актером, он примерял к себе роли Бестера Китона и Гарри Ллойда. Личность неотразимого обаяния, в которой духовная высота и любовь к поэзии соединялась со средневековым мистицизмом и грустным цинизмом. Зарабатывал Голованов, преподавая рисунок в колонии для детей с особенностями развития. Его яркая и драматичная жизнь была отмечена неразделенной любовью и чахоткой, оборвавшей короткий земной путь.
Александр Голованов. Лунная ночь. Город. 1930. Холст, масло.
Не имея возможности сниматься в кино, Голованов сочинял собственные сюжеты-картины и, конечно, играл в них главную роль. Картина «Лунная ночь» написана в последний год жизни художника. Изображена сцена воображаемого свидания, за которым наблюдает герой, невидимый в реальном мире. Узнаваемые детали московского пейзажа лишь подчеркивают нереальность драматического действия. Огромный лунный диск, нависший над городом, придает сцене апокалиптический характер. Эта картина после смерти автора хранилась в семье его брата и была передана в Третьяковку женой брата. Остальные картины были выброшены на помойку и погибли.
Приверженец натурного метода в искусстве Иван Безин (1911-1943), он в то же время уделял огромное внимание выразительным свойствам живописного языка: плотности и качеству цветового пятна, световой напряженности и пространственным отношениям в картине, декоративной плоскости живописной поверхности. Вид из окна своей квартиры, подобно французским импрессионистам, был излюбленным мотивом его работ. Он писал вид из окна в разное время суток, летом, зимой, в дождливую и солнечную погоду. В Третьяковке есть пять таких работ. Все оборвалось с началом войны, Иван Безин ушел на фронт и в 1943 году погиб в боях под Ростовом.
Иван Безин. Двор на улице Чкалова. Тени. 1938. Холст, масло.
Картина «Красная комната» Станислава Жуковского (1875-1944) была написана по заказу Веры Дуловой, знаменитой арфистки, солистки оркестра Большого театра, в духе русской усадьбы. Виды и интерьеры русских усадеб появились в творчестве импрессиониста Жуковского еще в начале ХХ века. В конце 1930-х годов возвращение к излюбленному сюжету выглядит как ностальгическое воспоминание.
Станислав Жуковский. Красная комната. 1939. Холст, масло.
Илларион Голицын (1928-2007) - известный график, живописец, скульптор, потомок старинного дворянского рода Голицыных. Вот и в картине «Вечерняя комната…» на первом плане висят фамильные портреты предков автора. Изысканные предметы барочной мебели создают особую атмосферу живой старины, где о современности напоминают лишь печатная машинка и электрический ночник. Время в полотне художника замедлено и протекает по-особенному - вдалеке от повседневности столичного мегаполиса с его жесткими ритмами и стремительным темпом жизни.
Илларион Голицын. Вечерняя комната с зеленым портретом. 2004. Холст, масло.
Весна - самое оптимистичное время года у художника Анатолия Никича (1918-1994). Небо голубое, пейзаж бесконечен, приветливая женщина продает весенние цветы - это лирический манифест художника: факты и формы не абсолютны, между первым планом и глубиной холста сложные и противоречивые связи. Девушка предлагает зрителю не просто цветы, но фрагменты натюрморта, а на заднем плане - не схематическое изображение города, а ключевые для художника места: его дом на Новом Арбате, особняк Союза художников СССР. А странная фигура девочки - символ неуверенности, нераскрытости, поиска опоры. И все-таки, прочтение картины мифологическое и символическое: весна - это творчество и ремесло, вдохновение и умение.
Анатолий Никич. Весна в Москве. 1976. Холст, масло.
Сюжет картины «Кафе в Ялте» Натальи Нестеровой (1944-2022) относится к числу ее излюбленных тем - быт южной провинции, жизнь курортных городов Крыма и Кавказа. Кажущая банальность сюжета художницы неизменно оборачивается философской глубиной. Ее картины запоминаются своеобразием пластического языка и необычностью интерпретации действительности.
Наталья Нестерова. Кафе в Ялте. 1979. Холст, масло.
Мотивами для инсталляции «Дворик Альгамбры» Валерия Кошлякова явились виды одного из самых красивых архитектурных комплексов Европы - группы дворцов в кольце оборонительных стен, построенных в XIV веке на холме Ла Сабика на фоне горного хребта Сьерра-Невада в испанской Гранаде. Кошляков изобразил Миртовый дворик, который был центром дипломатической и политической деятельности Альгамбры. Гости могли любоваться не только дворцом, но и его отражением на поверхности водоема, обрамленного кустами мирта. Будучи свободным от реальных впечатлений и от погруженности в подлинную историю этого архитектурного комплекса, художник позволил себе заселить его животными: обезьяны и павлины, леопарды и пантеры мирно сосуществуют в этой авторской версии рая.
Валерий Кошляков. Инсталляция «Дворик Альгамбры». Конец 1980-х - начало 1990-х.
Скульптор Екатерина Белашова (1906-1971) - очень яркий портретист, и в образе Шопена ей удалось передать во всей цельности и конкретности сложный эмоциональный мир композитора и напряженное состояние творческого воодушевления: лицо контрастно прорисовывается на фоне угловатой, изломанной волны прядей волос, создающих вокруг него некое энергетическое поле.
Екатерина Белашова. Шопен. 1968. Мрамор.
Владимир Лемпорт (1922-2001) отразил в пластике экспрессию и патетику публичного выступления поэта Вознесенского - кумира миллионов. Воплощенный скульптором образ оказался созвучен экспериментальному характеру языка самого поэта.
Владимир Лемпорт. Портрет Андрея Вознесенского, читающего «Треугольную грушу». 1962. Бетон. - Михаил Дронов. Робин Гуд. 1996. Бронза.
Образный мир произведений Михаила Дронова (р. 1956) сопряжен со сложными культурными аллюзиями, палитра которых включает неолитические, античные, средневековые и ренессансные цитаты. Но его Робин Гуд напоминает рисунок из школьной тетради, где случайная клякса превращается в человечка.
Работы Ивана Николаева (1940-2021) хорошо известны миллионам пассажирам московского метро: рельефные панно на стациях Боровицкая и Отрадное, мраморные мозаики на станции Достоевская. Но как часто бывает с произведениями монументального искусства, имя их авторов для большей части спешащей по своим делам публики остается в тени. «Голова» Николаева - этот один из примеров работы с объемными формами, демонстрирующий лаконичность пластики и изобретательность в работе с материалом.
Иван Николаев. Голова. 1974-1975. - Александр Косолапов. Щеколда. 2000. - Леонид Соков. Рубашка. 1974. Все: Дерево.
Александр Косолапов (р. 1943) - один из пионеров движения соц-арт, иронично обыгрывающего советские идеологические знаки и символы. А «Рубашку» Леонида Сокова (1941-2018) можно воспринимать как ироничную реплику автора в споре о «русском поп-арте».
Среди редко появляющихся на выставках работ демонстрируются фарфоровые композиции Алексея Сотникова (1904-1989), отмеченные многочисленными международными премиями. Сотников проработал на Дулевском фарфоровом заводе практически всю жизнь. Здесь он создал свои многочисленные произведения, принесшие ему и заводу мировую известность.
Алексей Сотников. Дед Мазай и зайцы. 1970. Фарфор, роспись подглазурная.
А закончить обзор о малоизвестных шедеврах Третьяковки хочу последним приобретением в коллекцию галереи - картиной Сергея Петровича Иванова (1893-1983) - известного живописца, графика, художника-декоратора, ученика Осипа Браза и Дмитрия Кардовского. С 1923 года художник жил и работал в Париже, где был популярен и известен как портретист. До настоящего времени только одна картина Иванова «Портрет А. Бенуа» (1944) хранилась в России в Русском музее. Теперь появилась и вторая.
Сергей Иванов. Мужчина с тростью. 1922. Холст, масло.
Информация - цифровой проект «Моя Третьяковка».