Про аранжировку
Увидев как-то у приятеля пост с советами по аранжировке, решил написать свою версию. И даже больше для себя: чтобы через какое-то время прочитать и припомнить, что считал важным в этом деле. Музыкант я средний, аранжировщик тоже, вероятно, а уж звукорежиссер - так вообще почти никакой. Но это никогда не мешало заниматься мне всем этим в своё удовольствие, поэтому наработался небольшой опыт, которым и поделюсь здесь. Лирическое вступление закончено, перейдем к теме!
Итак, рок-аранжировка. Пусть будет рок, панк-рок, поп-рок, неэкстремальный метал, например. Оговорюсь сразу: рамки ставлю так как, несмотря на некоторые общие законы в музыке, мир настолько многообразен, что проще говорить о чем-то одном - тем более, что только этим, а именно рок-музыкой, я и занимался.
Аранжировка, собственно, начинается с подготовки материала, то есть с репетиций. Я противник той ситуации, когда аранжировка как таковая собирается с нуля уже во время записи песни на студии (или где там?).
Так как условились говорить про рок-группу, то такой вариант маловероятен или крайне нежелателен. Поэтому, основа аранжировки создается именно на репетиции. Тут есть варианты: некоторые группы предпочитают работать сообща, то есть автор приносит песню и вместе группа начинает утрясать костяк песни, конструкцию и предлагать каждый своё. И есть второй вариант, когда автор приносит по сути готовую аранжировку, и группе остается выучить материал как есть, а все специфические инструментальные фишки "навешиваются" уже потом. Второй вариант - это мой вариант, мне он подходит больше. Насколько это хорошо или плохо, можете поинтересоваться у музыкантов нашей команды, думаю, плюсы и минусы есть у каждого варианта. Тем не менее, начну с первого, того самого, когда "мы группа и делаем всё вместе".
Исходя из озвученных выше стилей (ну может быть, кроме метала) песня, скорее всего, приносится автором в виде куплетов-припевов. Вокал обычно в таком случае кроме смысловой имеет еще мелодическую и ритмическую нагрузку. И на мой взгляд, здесь очень важно вычленить именно ритмическую составляющую вокала и именно исходя из этого придумать ударные и бас. Я убежден, что в рок-музыке ритм-секция - это главное, а потому она должна звучать слитно. Многие группы (даже и не совсем уж начинающие, вроде бы) зачастую практически игнорируют это обстоятельство! На выходе мы имеем в таком случае то шумное, то "пустое" звучание песни, это тот самый вариант, когда на концерте человек, не имеющий отношения к музыке нередко может сказать: хорошая группа, вроде, но звук в клубе плохой, ничего не разобрать, каша. В половине случаев дело здесь именно в том, что музыканты играют фактически не вместе - они как бы не делают одно дело, они скорее аккомпонируют вокалу кто во что горазд каждый на своем инструменте. Чтобы не допустить подобного, важно играть проще везде, где можно играть проще. И обязательно построить ударные и бас так, чтобы они усиливали вокальную линию, то есть в барабанах акценты должны стоять там, где они стоят в вокале, а бас должен играть в бочку. Каждый момент, когда басист дергает ноту, а бочки или малого в этом месте нет (если, конечно, он не "валяет картошками", как говорится) должен быть подвергнут рассмотрению под микроскопом: в большинстве случаев это неправильно. Прежде чем возразить, попробуйте сами. Следуя этому принципу можно создать очень сильную основу, почти сколько угодно "мельчить" в ударах, но при этом подчеркнуть и сделать более мощным вокал, оставив достаточно пространства для других инструментов. Гитара - более "вариативный" в плане применения в аранжировке, на мой взгляд, инструмент, но если партии делятся на ритм и соло, то опять же: ритм-гитара должна поддерживать все акценты, чтобы влиться полноценно в ритм-секцию. Возможно, некоторым покажется, что это сделает звучание вещи суховатым, но поверьте: это гораздо лучше одновременной демонтрации предела своих возможностей, если вы понимаете о чем это я.
Итак, придумав и отыграв на репетиции некую основу и убедившись, что песня из слов аккордов превратилась в нечто плотное на слух, можно уже подумать о дальнейшем усовершенствовании. Самый простой способ определить эту кондицию - это если слушая или исполняя трек вам хочется как то двигаться в ритм, например ногой притопывать или стучать по коленкам. Возможно, это туповатый индикатор, но он обычно работает!
Возвращаясь к стилистике - в метале, например, да и в панке, наверно, нередко бывает что текст пишут потом. Так вот, всё здесь точно также, только основой выступит не ритмика и мелодика вокала, а заглавный гитарный рифф, например. Упоминая риффы, стоит заметить - что риффы (в классическом хард-роковом понимании это когда ритмически-мелодическую последовательность нот гитара и бас играют вместе) - такая же обычная и необходимая вещь в роке, как характер - в человеке. Тут важно не размазать и не испортить эту наработку вокальной партией, когда она будет написана..
Вот, настал тот момент, когда песня зазвучала и действительно хорошо и мощно звучит на репетициях и концертах. Вы собираетесь записать ее на студии или дома - так или иначе с тем, чтобы представить результат публике. Первое, что часто не делается, но реально сделать бы очень не плохо - это записать вашу вещь (в моно желательно) в упрощенном порядке как-то - для того, чтобы еще раз оценить результат работы, проведенной на репетициях и убедиться, что партии гитары и вокала не мешают друг другу, например. Допустим, все ок, и вы начинаете подумывать, как это все красиво записать, чтобы немного облагородить звучание: ведь одно дело живяк, и совсем другое - как положить это в уши людей, особенно тех, кто не в курсе, как это звучит "в жизни". Допускаю, что если вы играете панк рок, вам это совершенно фиолетово и уже всё нравится, но многие стили предполагают чуть больше деталей. Вот несколько общих моментов из области примитивной звукорежиссуры: бочка, малый, и бас гитара и лид-вокал обычно "сидят" в середине микса по панораме, гитары полезно записать дабл-треком (это значит, минимум 2 раза одно и то же), а все остальное - на усмотрение того, кто вас записывает, или на ваше усмотрение, следуя вашим задумкам. Тут, мне кажется, основное правило - подчеркнуть, не испортив. И второе правило: результат ДОЛЖЕН БЫТЬ ОЖИДАЕМЫМ. Я руководствуюсь этим принципом всегда на всех этапах "производства" песни. И понимать его следует так: все эксперименты, неожиданно возникшие в студии или просто при записи идеи - вторичны и требуют осмысления холодной головой. Сперва следует сосредоточиться на том - как добавить "жира" в то что есть, как можно более незаметно. То есть понятно, что положив поверх ритма некий слой (пэд) из монотонных синтов, вы внесете певучесть и атмосферу, но стоит спросить себя - на кой она там, где ее никогда не было, грубо говоря. Мне кажется что хорошая аранжировка тем и хороша, что кажется, что всё довольно просто, а прислушиваясь, открываешь массу мелких крутых деталей и, возможно, даже мелодических линий. Но только прислушавшись! А не когда весь этот хаос прет на тебя, заставляя задаться вопросом, что за очередная "эксперементальная" музыка играет.. Вообщем тут все дело во вкусе, это как с применением реверберации - ее не должно быть слышно, но сразу слышно, если её нет. Что поделать, талант композитора нигде не продается, поэтому я всегда ставил себе задачу-минимум: не испортить то, что есть. Не смазать акценты, не размыть атаку вокала и инструментов. Я всегда убирал те нововведения, которые заставляли песню звучать даже слегка по-другому, чем она была задумана. Никаких "левых" мелодических подкладов, неожиданных клавиш или гитарных соло, уводящих базовые рифы от их первоначального звучания. Не упрекайте меня в примитивизме, зато я всегда знал, что должно получиться и что в треке важно, а чем можно пожертвовать. А это важно. Если вы пишете себя не сами, то ваша задача носит чисто музыкальный характер - просто придумайте что-то еще и не парьтесь - куда там по панораме воткнет партию звукач. Запишите опять же преслувутый демо моно-трек. Если партия туда лезет плохо, это повод задуматься. Если ложится нормально и не мешает песне жить, то звукач сам найдет ей достойное место в треке: если ритм-секция аранжирована с вокалом правильно, то места всегда достаточно, было бы желание!
Собственно, вот и всё - тут главное тот самый вкус, чувство меры. Не грех во время аранжировки подглядеть какие-то приемы в тех самых вещах, которые вы слушаете.
Повторить это все равно вряд ли выйдет - но даст повод для размышлений. Ну и напоследок, повторюсь про предсказуемость результата: какую бы новаторскую музыку вы не задумали, все эксперименты должны быть в основе идеи. Обдуманы, и пережиты. Моё мнение, что все эксперименты, добавленные на записи с мотивацией "ни фига себе! а чё прикольно же и так" - переходят в разряд косяков, странностей и всего того, что на самом деле отличает музыкальную композицию от домашней поделки. Поверьте, это "палит" трек гораздо сильнее, чем качество записи, как таковое.
Ну и напоследок вкратце расскажу про второй вариант - когда на репетицию приносится уже готовая аранжировка. Я так делаю сам и тут очень полезно сделать минимальную демо-запись для группы (это ускоряет процесс разбора вещи в разы) и важно следить за сохранностью идеи на этапе разучивания. Тогда и получится тот самый нужный результат.
Возможно, кому-то эти мысли покажутся небесполезными. Всем спасибо, играйте и делитесь своей музыкой с удовольствием!