Рассказ с цитированием - про техники старых итальянских мастеров
Поскольку мне много печатать нельзя, я сделаю хитрый пост, с перепечаткой чужого:)
Когда я писала недавно про рисование, там было упомянуто, что текст по следам разговора, но я не рассказала с кем. А разговаривала я с Сашей Беляевым, который офигительно умеет реалистично рисовать и писать как реальными материалами, так и и цифровыми. Я читала его журнал, и обнаружила там отличное объяснение живописной техники старых итальянских мастеров, которое меня неимоверно увлекло - потому что это рассказ на любимейшую мою тему - как что-то делается ( и особенно, как что-то делается в искусстве!)
Нас учили, что старые мастера сначала делали подмалевок - писали картину полностью монохромной, одним цветом, разбирая ее тональные отношение. Проще говоря - свет, тени, форму. А уж затем поверх прокладывали цвет - прозрачными лессировками, то есть разбавленными цветами, которые пропускали свет, а не пастозным густым поверхностным цветом. Теоретически я это знаю, но вот как они делали на практике - не видела, потому что это довольно длительный способ писать маслом. А тут на радость любителю технологий во мне Саша у себя как раз подробно с примерами такой способ показывает. Я под катом перепечатаю два поста - общие положения про живопись в такой технике и последовательность учебной работы. Даже не знаю, куда это в тэгах поставить, но наверное в оба положу - и в арт для начинающих и в техники иллюстрации.
У меня еще есть несколько интересных рассказов из книги "Образование иллюстратора", но они требуют длительного печатания, так что позже.
А сейчас - секреты старых мастеров!
Originally posted by scrawnypaws at Итальянская техника живописи. Общие положения.
Эта техника взяла за основу фламандскую, радикально ее переработав для нужд времени - огромный спрос на секулярные избражения, не требующие сложных тех. решений (специально подготовленная доска, стабилизированный грунт) и запредельной, до трех-четырех лет, длительности исполнения (цвет/тон набираются прозрачными "намывами", каждый слой должен полностью просохнуть).
Она также основана на особенностях человеческого восприятия и особенностях материала.
Метод работы.
Каждому художнику знакома проблема "белого" листа. Какой цвет или тон правильный? Как угадать? Как выбрать их, чтобы построить градиент при моделировке - вдруг выяснится, что для соседнего элемента не хватает тонального диапазона (черный уже недостаточно черен, вместо белого нужно, как шутят преподаватели, подставить позад холста лампу)? Вдруг цветовой контраст (например красный/зеленый) "перебьет" тональные валеры, "сплющив" форму?
К тому же, в отличие от реального мира, где все валеры (тон, насыщенность и т.п.) абсолютны, на холсте все относительно. Для передачи иллюзии объема, например, вместо космической тьмы и ослепительного солнца мы оперируем только черной и белой краской и их градациями. Вдобавок, они "светят" отраженным светом, который не идет в сравнение с прямым.
Так как выбрать?
Итальянцы задумались и ответили: никак.
Это принципиально невозможно. А значит, мы не будем даже пытаться. Вместо этого мы разделим задачу на две основные части - моделировку и колористику - и будем решать их раздельно. Сэкономим время и...деньги. А на третьем этапе подправятся детали, финализируются контрасты и добавится текстура, придающая полотну живость и некоторую...нерукотворность.
Моделировка.
Для передачи глубины и объема цвет не нужен (черно-белый телевизор тому пример). И спасибо Джотто и иже с ним, которые усовершенствовали идею три-тона - свет, полутон, тень - для передачи иллюзорного пространства.
Первым делом задается тональный диапазон - самое освещеное пятно, блик (отражение источника света) наносится чистыми белилами. Полутон -серый, тени - умбра (нат., жженая или их смесь). Фламандцы начинали этот процесс с белой доски, постепено набирая тон, как в акварели. Итальянцы подошли к этому более прагматично - бликов ( часто черных теней) как правило меньше, чем полутонов. Так зачем терять время? Загрунтуем холст "нейтрально" серым и будем только выбелять или темнить там, где совсем без этого не обойтись. Все остальное - грунт. Эта стадия называется подмалевком или grisaille - от фр. gris, серый.
Для этого есть и другие резоны.
Все знают, как в условиях низкой освещенности глаз видит картинку "зернистой". Замечательно - прозрачные земли (умбра) дают именно такое зерно из-за текстуры холста. Серый грунт имеет еле заметную зернистость. А плотно (пастозно) наложенные белила кажутся абсолютно гладкими, усиливая визуальный контраст, кторого нам всегда так не хватает.
Масляные краски "полупрозрачны" - не очень верный русский перевод слова Translucent - свойства, при котором свет рассеивается зернами пигмента внутри полимера (застывшее льняное масло), частично отражаясь от фона (подложки) уже окрашенным.
Это свойство и лежит в основе техники. Второй - цветной слой, наложеный с разной толщиной - по разному отразит свет. В тенях он совсем тонок и будет иметь все тот же "зернистый" характер. В полутонах, где грунт серый, он отразится сильнее, и там он должен иметь насыщенность, определющую цвет объекта. А там, где снизу белила, он будет сиять.
Именно поэтому ни одна выполненная alla prima (за один "покрас") работа не может соперничать по глубине и богатсву нюансов той, что выполнена в итальянской технике (в любой ее вариации).
Originally posted by scrawnypaws at Итальянская техника живописи. Гризайль, цвет, лессировка.
Вот пример учебной работы. На серый грунт нанесен линейный рисунок, света - чистыми белилами, тени -умброй. Преимущества очевидны - не нужно ломать голову над цветовыми контрастами, знай моделируй - что видишь, то и рисуешь.
На этой стадии можно "срезать" всевозможные углы. Грунт- любого цвета, оттенка (теплый, холодный) - в зависимости от финального колорита работы. Степень проработки тоже по выбору. Чем больше опыт, тем меньше нужда "вылизывать" нюансы - уже знаешь, где "сойдет и так", последующий слой выправит. Как правило, контрасты закладываются ниже финальных. В тенях - полегче, всегда можно "садануть" на стадии лессировки прозрачными темными слоями, доведя "до звона". В светах - то же самое, оставляется запас для бликов - они все-таки имеют разную силу на разных поверхностях (металл, стекло, полированное дерево и т.п.).
Обычно, в тенях - на тон легче, в полутонах - на пол тона, на тон светлее, чтоб компенсировать темноту лессировки. Тон -понятие условное, проще показать, чем рассказывать. Его можно сравнить с f-stop в фотографии: степень открытости диафрагмы. Принцип тот же.
И самое главное - НИКОГДА не лезть белилами в тени - их плотность убьет воздух, сделает всю работу "тяжелой".
Когда гризайль закончена и высохла "намертво", начинается собственно живопись. Метод опять-таки осонован на особенности восприятия. Если сощурить глаз "совсем-совсем", то мы паркточески не видим цвет пятна, но тон видим. Все, наверное, когда-то настраивали гамму монитора. Принцип тот же.
На палитре намешивается цвет - как кажется, на глаз. Мазок ставится в предназначеное ему место, глаз щюрится и сравнивает - сильно отлицается от окружщго серого по тону? Если нет, то пойдет. Если да, корректируется в нужную сторону. Как только большая часть холста получила свой цвет, можно уже сравнивать только цветовые пятна - грубых ошибок не будет, уже все решено.
Прелесть еще в том, что насыщенность и тональные нюансы можно варьировать просто за счет толщины маска. Кроме того, есть такая вещь, как оптическое смешение. "Дырки" между мазками не сломают форму, а только добавят богатства - и сэкономят краску :).
Когда стадия цвета завершена в массах, можно "отчеканить" детали, добавить мелкие.
Последняя стадия - лессировка. Как правило, это прозрачные земли, их плотность - "слеза гимназистки" :). Ими - как акварелью - доводятся контрасты в тенях, правятся мелкие огрехи. Они также работают, как искусственная "патина". Затекая в неровности мазков, холста, они придают работе текстурность, создают иллюзию мельчайших деталей поверхностей, которые нет смысла рисовать вручную.
Вот и все секреты. Осталось "только" сделать.:)
Гризайль.
Цвет.
Деталировка и лессировка.
Кaчество фотографий не очень, sorry.
________________
Конец цитат. Правда, здорово?
Когда я писала недавно про рисование, там было упомянуто, что текст по следам разговора, но я не рассказала с кем. А разговаривала я с Сашей Беляевым, который офигительно умеет реалистично рисовать и писать как реальными материалами, так и и цифровыми. Я читала его журнал, и обнаружила там отличное объяснение живописной техники старых итальянских мастеров, которое меня неимоверно увлекло - потому что это рассказ на любимейшую мою тему - как что-то делается ( и особенно, как что-то делается в искусстве!)
Нас учили, что старые мастера сначала делали подмалевок - писали картину полностью монохромной, одним цветом, разбирая ее тональные отношение. Проще говоря - свет, тени, форму. А уж затем поверх прокладывали цвет - прозрачными лессировками, то есть разбавленными цветами, которые пропускали свет, а не пастозным густым поверхностным цветом. Теоретически я это знаю, но вот как они делали на практике - не видела, потому что это довольно длительный способ писать маслом. А тут на радость любителю технологий во мне Саша у себя как раз подробно с примерами такой способ показывает. Я под катом перепечатаю два поста - общие положения про живопись в такой технике и последовательность учебной работы. Даже не знаю, куда это в тэгах поставить, но наверное в оба положу - и в арт для начинающих и в техники иллюстрации.
У меня еще есть несколько интересных рассказов из книги "Образование иллюстратора", но они требуют длительного печатания, так что позже.
А сейчас - секреты старых мастеров!
Originally posted by scrawnypaws at Итальянская техника живописи. Общие положения.
Эта техника взяла за основу фламандскую, радикально ее переработав для нужд времени - огромный спрос на секулярные избражения, не требующие сложных тех. решений (специально подготовленная доска, стабилизированный грунт) и запредельной, до трех-четырех лет, длительности исполнения (цвет/тон набираются прозрачными "намывами", каждый слой должен полностью просохнуть).
Она также основана на особенностях человеческого восприятия и особенностях материала.
Метод работы.
Каждому художнику знакома проблема "белого" листа. Какой цвет или тон правильный? Как угадать? Как выбрать их, чтобы построить градиент при моделировке - вдруг выяснится, что для соседнего элемента не хватает тонального диапазона (черный уже недостаточно черен, вместо белого нужно, как шутят преподаватели, подставить позад холста лампу)? Вдруг цветовой контраст (например красный/зеленый) "перебьет" тональные валеры, "сплющив" форму?
К тому же, в отличие от реального мира, где все валеры (тон, насыщенность и т.п.) абсолютны, на холсте все относительно. Для передачи иллюзии объема, например, вместо космической тьмы и ослепительного солнца мы оперируем только черной и белой краской и их градациями. Вдобавок, они "светят" отраженным светом, который не идет в сравнение с прямым.
Так как выбрать?
Итальянцы задумались и ответили: никак.
Это принципиально невозможно. А значит, мы не будем даже пытаться. Вместо этого мы разделим задачу на две основные части - моделировку и колористику - и будем решать их раздельно. Сэкономим время и...деньги. А на третьем этапе подправятся детали, финализируются контрасты и добавится текстура, придающая полотну живость и некоторую...нерукотворность.
Моделировка.
Для передачи глубины и объема цвет не нужен (черно-белый телевизор тому пример). И спасибо Джотто и иже с ним, которые усовершенствовали идею три-тона - свет, полутон, тень - для передачи иллюзорного пространства.
Первым делом задается тональный диапазон - самое освещеное пятно, блик (отражение источника света) наносится чистыми белилами. Полутон -серый, тени - умбра (нат., жженая или их смесь). Фламандцы начинали этот процесс с белой доски, постепено набирая тон, как в акварели. Итальянцы подошли к этому более прагматично - бликов ( часто черных теней) как правило меньше, чем полутонов. Так зачем терять время? Загрунтуем холст "нейтрально" серым и будем только выбелять или темнить там, где совсем без этого не обойтись. Все остальное - грунт. Эта стадия называется подмалевком или grisaille - от фр. gris, серый.
Для этого есть и другие резоны.
Все знают, как в условиях низкой освещенности глаз видит картинку "зернистой". Замечательно - прозрачные земли (умбра) дают именно такое зерно из-за текстуры холста. Серый грунт имеет еле заметную зернистость. А плотно (пастозно) наложенные белила кажутся абсолютно гладкими, усиливая визуальный контраст, кторого нам всегда так не хватает.
Масляные краски "полупрозрачны" - не очень верный русский перевод слова Translucent - свойства, при котором свет рассеивается зернами пигмента внутри полимера (застывшее льняное масло), частично отражаясь от фона (подложки) уже окрашенным.
Это свойство и лежит в основе техники. Второй - цветной слой, наложеный с разной толщиной - по разному отразит свет. В тенях он совсем тонок и будет иметь все тот же "зернистый" характер. В полутонах, где грунт серый, он отразится сильнее, и там он должен иметь насыщенность, определющую цвет объекта. А там, где снизу белила, он будет сиять.
Именно поэтому ни одна выполненная alla prima (за один "покрас") работа не может соперничать по глубине и богатсву нюансов той, что выполнена в итальянской технике (в любой ее вариации).
Originally posted by scrawnypaws at Итальянская техника живописи. Гризайль, цвет, лессировка.
Вот пример учебной работы. На серый грунт нанесен линейный рисунок, света - чистыми белилами, тени -умброй. Преимущества очевидны - не нужно ломать голову над цветовыми контрастами, знай моделируй - что видишь, то и рисуешь.
На этой стадии можно "срезать" всевозможные углы. Грунт- любого цвета, оттенка (теплый, холодный) - в зависимости от финального колорита работы. Степень проработки тоже по выбору. Чем больше опыт, тем меньше нужда "вылизывать" нюансы - уже знаешь, где "сойдет и так", последующий слой выправит. Как правило, контрасты закладываются ниже финальных. В тенях - полегче, всегда можно "садануть" на стадии лессировки прозрачными темными слоями, доведя "до звона". В светах - то же самое, оставляется запас для бликов - они все-таки имеют разную силу на разных поверхностях (металл, стекло, полированное дерево и т.п.).
Обычно, в тенях - на тон легче, в полутонах - на пол тона, на тон светлее, чтоб компенсировать темноту лессировки. Тон -понятие условное, проще показать, чем рассказывать. Его можно сравнить с f-stop в фотографии: степень открытости диафрагмы. Принцип тот же.
И самое главное - НИКОГДА не лезть белилами в тени - их плотность убьет воздух, сделает всю работу "тяжелой".
Когда гризайль закончена и высохла "намертво", начинается собственно живопись. Метод опять-таки осонован на особенности восприятия. Если сощурить глаз "совсем-совсем", то мы паркточески не видим цвет пятна, но тон видим. Все, наверное, когда-то настраивали гамму монитора. Принцип тот же.
На палитре намешивается цвет - как кажется, на глаз. Мазок ставится в предназначеное ему место, глаз щюрится и сравнивает - сильно отлицается от окружщго серого по тону? Если нет, то пойдет. Если да, корректируется в нужную сторону. Как только большая часть холста получила свой цвет, можно уже сравнивать только цветовые пятна - грубых ошибок не будет, уже все решено.
Прелесть еще в том, что насыщенность и тональные нюансы можно варьировать просто за счет толщины маска. Кроме того, есть такая вещь, как оптическое смешение. "Дырки" между мазками не сломают форму, а только добавят богатства - и сэкономят краску :).
Когда стадия цвета завершена в массах, можно "отчеканить" детали, добавить мелкие.
Последняя стадия - лессировка. Как правило, это прозрачные земли, их плотность - "слеза гимназистки" :). Ими - как акварелью - доводятся контрасты в тенях, правятся мелкие огрехи. Они также работают, как искусственная "патина". Затекая в неровности мазков, холста, они придают работе текстурность, создают иллюзию мельчайших деталей поверхностей, которые нет смысла рисовать вручную.
Вот и все секреты. Осталось "только" сделать.:)
Гризайль.
Цвет.
Деталировка и лессировка.
Кaчество фотографий не очень, sorry.
________________
Конец цитат. Правда, здорово?