Для тех кто слегка безумен!
При внимательном разглядывании работы тех или иных мастеров периодически возникает ощущение, что между такими двумя направлениями как хендмейд и дизайн не существует четкой грани. Есть некая область, в которой одна сфера деятельности плавно перетекает в другую. То есть в какой-то момент своего творчества каждый мастер-ремесленник начинает выступать в роли дизайнера. Собственно одной удивительной выставке пытающейся разобраться в этом вопросе и посвящен этот пост.
Отличной новостью для всех любителей предметного мира Америки середины двадцатого века стало известие об открытии в октябре 2011-го выставки Crafting Modernism: Midcentury American Art and Design, сокращенно MAD museum, для тех кто не силен в английском, в аббревиатуру закралась игра слов, ее можно прочитать как «музей безумств!».
Сосредоточенная на непростых отношениях между искусством и дизайном в ремесленной среде (изделий из глины, шерсти, дерева, металла, стекла и альтернативных материалов) эта выставка исследует направления в артсреде послевоенной Америки. Давайте попробуем разобраться.
Выставка охватывает 25-летний промежуток, начиная с ранних мастеров-дизайнеров 1940-х и 50-х годов и заканчивая провокационными работами 1969 года. На выставке представлены работы более чем 20 художников.
Период, сразу после Второй мировой войны, характерен переходом производства к массовым масштабам, а предметы, изготовленные нарочито вручную, сразу обретают статус более человечных, чем штампованная эстетика. Выставка рассматривает связь между рукодельным творчеством и миром дизайна на примере работ текстильного дизайна Дороти
Дороти Либс, кашемир, 1957
мастера по мебели Джорджа Накашима
художника Джона Припа
скульптора и дизайнера Исаму Ногучи
и многих других.
Условно попробуем перевести заглавный термин этой выставки, «Crafting Modernism» как ремесленный модерн. Звучит конечно несколько коряво, да и направление модерн у нас в сознании, наверное больше рифмуется с началом двадцатого века, однако лучшего варианта перевода придумать не получилось.
В середине двадцатого века, ремесленный модерн растет и развивается вслед за подъемом и трансформацией американской жизни в бурные 60-е. Благодаря разработке и введению в американских университетах курсов по ремеслам, художники, например, Питер Вулкос
и Ленор Тоуни
начинают чаще прибегать к эстетическим и скульптурным качествам таких материалов, которые раньше не рассматривались как применимые в искусстве. Это развитие шло параллельно с растущей открытостью мира искусства к новым способам самовыражения и альтернативных медиа. Можно понаблюдать в работах таких мастеров как Клэр Фалькенштайн
и Александра Колдера
Художники, представленные на выставке, пришли в дизайн из различных дисциплин. Некоторые прошли обучение в академических кругах, а некоторые, например, Сэм Крамер, были в основном самоучки.
Серебро и глаз из фурнитуры для таксидермии
Кто-то из них родом из мира живописи, а кто-то занимался скульптурой и дизайном.
Название этого поста взято из заголовка к ранней выставке Сэма Крамера. Галерея Гринвич-Виллидж, в которой он выставлялся в молодости была центром активной жизни и творчества, как сюрреалистов, так и просто веселящейся молодежи. Именно тогда он прорекламировал свои работы как подходящие для людей, которые "слегка безумны"
Крамер кратко изучил ювелирное дело на одном курсе с Гленом Люкензом в Калифорнии. После нескольких лет путешествий, когда он узнал о геммологии и культуре навахо, Крамер открыл свою галерею на Восьмой улице в Нью-Йорке. С самого начала он работал с такими нетрадиционными материалами, как фурнитура для таксидермистов. Уже тогда в их работах прослеживались причудливые антропоморфные и эротические формы. Все изделия были рассчитаны, чтобы поразить и привлечь клиентов.
серебро, золото, фурнитура для таксидермистов, слоновая кость, рог.
Ювелиры, чьи работы включены в выставку, выбрали для себя путь жить и работать в стороне от коммерции и востребованных в ювелирных магазинах тенденций. Решение заниматься украшениями, практически не имеющими никакой денежной ценности, работать в одиночку или в маленьких мастерских - позволило этим ювелирам создать богатые, полные убедительных форм коллекции, которые были вызовом художественным и культурным традиции окружавшему их миру. Они покупались частными лицами, часто представителями авангарда, которые ощущали внутреннее родство с этими работами.
Поскольку ремесленный модерн, постепенно становился все более востребованным публикой явлением, постепенно он добился актуальности в американском искусстве и укладе жизни, выступая как проявление контркультурного взгляда на жизнь.
Среди художников, представленных на выставке, отдельные авторы, будучи авангардистами для своего поколения, сейчас стали весьма влиятельны в своей области, в каком-то плане иконы для современного искусства.
Стоит признать, что за период с послевоенных лет и до конца шестидесятых ремесленный модерн оказал огромное влияние и на развитие современной скульптуры, и на ювелирные украшения и на американское искусство в целом. Удивительный результат преподавания рукоделия в университетах, интересно, что у нас сейчас на уроках труда преподают? Кстати выставка продлится до июля, есть шанс сходить вот сюда.)
Отличной новостью для всех любителей предметного мира Америки середины двадцатого века стало известие об открытии в октябре 2011-го выставки Crafting Modernism: Midcentury American Art and Design, сокращенно MAD museum, для тех кто не силен в английском, в аббревиатуру закралась игра слов, ее можно прочитать как «музей безумств!».
Сосредоточенная на непростых отношениях между искусством и дизайном в ремесленной среде (изделий из глины, шерсти, дерева, металла, стекла и альтернативных материалов) эта выставка исследует направления в артсреде послевоенной Америки. Давайте попробуем разобраться.
Выставка охватывает 25-летний промежуток, начиная с ранних мастеров-дизайнеров 1940-х и 50-х годов и заканчивая провокационными работами 1969 года. На выставке представлены работы более чем 20 художников.
Период, сразу после Второй мировой войны, характерен переходом производства к массовым масштабам, а предметы, изготовленные нарочито вручную, сразу обретают статус более человечных, чем штампованная эстетика. Выставка рассматривает связь между рукодельным творчеством и миром дизайна на примере работ текстильного дизайна Дороти
Дороти Либс, кашемир, 1957
мастера по мебели Джорджа Накашима
художника Джона Припа
скульптора и дизайнера Исаму Ногучи
и многих других.
Условно попробуем перевести заглавный термин этой выставки, «Crafting Modernism» как ремесленный модерн. Звучит конечно несколько коряво, да и направление модерн у нас в сознании, наверное больше рифмуется с началом двадцатого века, однако лучшего варианта перевода придумать не получилось.
В середине двадцатого века, ремесленный модерн растет и развивается вслед за подъемом и трансформацией американской жизни в бурные 60-е. Благодаря разработке и введению в американских университетах курсов по ремеслам, художники, например, Питер Вулкос
и Ленор Тоуни
начинают чаще прибегать к эстетическим и скульптурным качествам таких материалов, которые раньше не рассматривались как применимые в искусстве. Это развитие шло параллельно с растущей открытостью мира искусства к новым способам самовыражения и альтернативных медиа. Можно понаблюдать в работах таких мастеров как Клэр Фалькенштайн
и Александра Колдера
Художники, представленные на выставке, пришли в дизайн из различных дисциплин. Некоторые прошли обучение в академических кругах, а некоторые, например, Сэм Крамер, были в основном самоучки.
Серебро и глаз из фурнитуры для таксидермии
Кто-то из них родом из мира живописи, а кто-то занимался скульптурой и дизайном.
Название этого поста взято из заголовка к ранней выставке Сэма Крамера. Галерея Гринвич-Виллидж, в которой он выставлялся в молодости была центром активной жизни и творчества, как сюрреалистов, так и просто веселящейся молодежи. Именно тогда он прорекламировал свои работы как подходящие для людей, которые "слегка безумны"
Крамер кратко изучил ювелирное дело на одном курсе с Гленом Люкензом в Калифорнии. После нескольких лет путешествий, когда он узнал о геммологии и культуре навахо, Крамер открыл свою галерею на Восьмой улице в Нью-Йорке. С самого начала он работал с такими нетрадиционными материалами, как фурнитура для таксидермистов. Уже тогда в их работах прослеживались причудливые антропоморфные и эротические формы. Все изделия были рассчитаны, чтобы поразить и привлечь клиентов.
серебро, золото, фурнитура для таксидермистов, слоновая кость, рог.
Ювелиры, чьи работы включены в выставку, выбрали для себя путь жить и работать в стороне от коммерции и востребованных в ювелирных магазинах тенденций. Решение заниматься украшениями, практически не имеющими никакой денежной ценности, работать в одиночку или в маленьких мастерских - позволило этим ювелирам создать богатые, полные убедительных форм коллекции, которые были вызовом художественным и культурным традиции окружавшему их миру. Они покупались частными лицами, часто представителями авангарда, которые ощущали внутреннее родство с этими работами.
Поскольку ремесленный модерн, постепенно становился все более востребованным публикой явлением, постепенно он добился актуальности в американском искусстве и укладе жизни, выступая как проявление контркультурного взгляда на жизнь.
Среди художников, представленных на выставке, отдельные авторы, будучи авангардистами для своего поколения, сейчас стали весьма влиятельны в своей области, в каком-то плане иконы для современного искусства.
Стоит признать, что за период с послевоенных лет и до конца шестидесятых ремесленный модерн оказал огромное влияние и на развитие современной скульптуры, и на ювелирные украшения и на американское искусство в целом. Удивительный результат преподавания рукоделия в университетах, интересно, что у нас сейчас на уроках труда преподают? Кстати выставка продлится до июля, есть шанс сходить вот сюда.)