Старая Пинакотека, Мюнхен 2. Alte Pinakothek, München 2.
Часть 1. Старая Пинакотека, Мюнхен 1. Alte Pinakothek, München 1.
Я люблю ходить в картинные галереи, именно там больше всего ощущается дыхание времени. Смотря на работы художников, которые уже сотни лет покоятся в земле - понимаешь насколько быстротечна жизнь и бесконечно искусство. В картинах - дыхание того времени, своеобразная историческая летопись. Мечтания и устремления, правда жизни, остановленная на века. Застывшие тела когда-то были плотью и кровью, жили, мечтали, любили или ненавидели - они были. Каждое полотно - это история, и нам досталась честь прикоснуться к ней.
«Залы Старой Пинакотеки» на Яндекс.Фотках
Почти уже обычное для меня предупреждение для тех, кому траффик дорог: очень много фотографий и информации. В основном информация взята из Википедии, но есть и мои переводы. Если я брала фотографию из Википедии, то под ней стоит указание. Все остальные фотографии картин сделаны мной.
8. Франси́ско де Сурбара́н (исп. Francisco de Zurbarán) (крещён 7 ноября 1598, умер - 27 августа 1664, Мадрид) - испанский художник, представитель севильской школы живописи.
Возможно автопортрет в виде святого Луки. 1635-1640.
Из Википедии
Сурбаран родился в городке Фуэнте де Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Хуана де Роэласа.
В 1622 г. он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей. В 1626-1627 гг. по контракту с орденом доминиканцев он пишет 21 картину на религиозные сюжеты, в том числе знаменитую картину «Христос на кресте». В 1628-1630 гг. Сурбаран пишет цикл картин о святом Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры.
В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни. Композиция в его картинах при правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе очень немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. В колорите и светотени Сурбаран подражал Микеланджело да Караваджо (вследствие чего был прозван «испанским Караваджо»), сообщая переднему плану поразительную рельефность через сопоставление сильного света с глубокими тенями.
В период творческого расцвета Сурбаран удачно сочетал монументальность и суровость образов (главным образом святых), с их внутренней выразительностью. В 1650-х годах в его картинах появились черты лиричности и эмоциональной взволнованности.
В 1631 г. Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений - картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.
Из Википедии
Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе - наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов».
Постепенно его слава росла, вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника.
В поздний период творчества Сурбаран обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве - «Мадонна с младенцем», «Отрочество Мадонны».
В 1658-1664 годах Сурбаран жил в Мадриде, его популярность шла на спад, несмотря на поддержку друга Диего Веласкеса он, забытый заказчиками, испытывал материальные трудности. Умер художник 27 августа 1664 в Мадриде.
«Франси́ско де Сурбара́н» на Яндекс.Фотках
Святой Франциск из Ассиси
«Франси́ско де Сурбара́н» на Яндекс.Фотках
Положение во гроб святой Екатерины на горе Синай
9. Джованни Баттиста Тьеполо (итал. Giovanni Battista Tiepolo) (5 марта 1696, Венеция - 27 марта 1770, Мадрид) - крупнейший художник итальянского рококо, мастер фресок и гравюр, последний великий представитель венецианской школы.
Из Википедии
Джанбаттиста Тьеполо родился 5 марта 1696 года в Венеции, в семье многодетного шкипера Доменико Тьеполо, человека простого происхождения. Вскоре отец умер, и мать, Орсетта, воспитывала шестерых детей в условиях бедности.
В юности Тьеполо учился живописи у венецианского художника Грегорио Ладзарини, но искусствоведы отмечают, что наиболее сильное влияние на него оказали Себастьяно Риччи, Паоло Веронезе и Джованни Баттиста Пьяцетта. В возрасте 19 лет Тьеполо выполнил свой первый живописный заказ - картину «Принесение Исаака в жертву».
В 1717 году молодой художник покинул мастерскую Ладзарини и вступил в гильдию живописцев Фралья. В 1719 году он женился на Марии Чечилии Гварди, сестре известных художников Гварди - Франческо и Джованни Антонио. От брака с Марией у Тьеполо родилось девять детей.
С 1726 года по 1728 год Тьеполо работал по заказу Дионисио Дельфино, аристократа из Удине, расписывая фресками капеллу и дворец. Это принесло ему известность и новые заказы - Тьеполо сделался модным живописцем. В последующие годы он много писал в Венеции, а также в Милане, Бергамо. В 1740 Тьеполо получил заказ на роспись потолка на втором этаже Скуолы Кармини.
К 1750 году к венецианскому живописцу пришла общеевропейская известность, и с 1750 года по 1753 год он создал свою центральную работу - фресковое убранство Вюрцбургской резиденции. Возвратившись в Италию, Тьеполо был избран президентом Падуанской академии.
Из Википедии
В 1761 году испанский король Карл III пригласил Тьеполо в Мадрид, где художник оставался до конца своей жизни. Тьеполо скончался в испанской столице 27 марта 1770 года.
«Джованни Баттиста Тьеполо» на Яндекс.Фотках
Поклонение королей
10. Гвидо Рени (итал. Guido Reni) (4 ноября 1575, Кальвенцано, Эмилия-Романья - 18 августа 1642, Болонья) - итальянский живописец болонской школы.
Автопортрет, 1635
Из Википедии
Девяти лет от роду поступил в ученики к проживавшему в Италии фламандскому живописцу Денису Калверту; перейдя затем в школу Лодовико Карраччи, из неё перешёл с целью усвоить себе технику фресковой живописи к Феррантини, а в 1596 г. отправился в Рим, где занялся основательным изучением произведений Рафаэля. Ещё до приезда своего в этот город, Рени расписал фасад палаццо Цани в Болонье и исполнил для тамошней церкви Сан-Микеле-ин-боско образ «Св. Бенедикт в пустыне». В Риме им написаны по заказу кардинала Боргезе картина «Распятие св. Петра» (находится в Ватиканской галерее) и знаменитый плафон «Аврора» в палаццо Роспильози. По возвращении Рени на родину из-под его кисти вышло «Избиение младенцев» (находится в болонской пинакотеке). Вскоре он снова отправился в Рим по вызову папы Павла V, поручившего ему расписать стены капеллы в квиринальском дворце сценами из жития Богородицы и заказавшего ему «Поклонение кресту» для церкви С.-Грегорио. Дальнейшие работы Рени: «Рай» для церкви С.-Доменико, «Вознесение» для церкви С.-Амброджио (в Болонье), «Распятие» для капуцинской церкви в Генуе (находится в болонской пинакотеке), «Собирание небесной манны» и др. фрески в равенском соборе. В 1622 г. Рени трудился над украшением капеллы св. Януария в Неаполе, но вскоре принужден был удалиться оттуда, спасаясь от преследований и мести со стороны завидовавших ему живописцев Ланфранко и Риберы. Под конец своей жизни он предался игре, страсть к которой мало-помалу погубила его талант.
Похищение Деяниры, Лувр
Из Википедии
В первый период своей деятельности Рени примкнул к господствовавшему тогда в итальянской живописи натуралистическому направлению, причём, подобно другим ученикам Карраччи, подпал в сильной степени под влияние М.-А. да Караваджо. Натуралистическое стремление Рени особенно ярко выразилось в ватиканском «Распятии», по своей концепции и по типам фигур очень схожем с изображениями пыток, обычными у итальянских художников того времени. К числу произведений Рени в том же роде относится, сверх «Избиения младенцев», о котором упомянуто выше, картина берлинского музея «Св. Антоний и Павел отшельники». В среднюю пору своего творчества Рени старался передавать более тёплое и нежное чувство и достигать красоты и грациозности, как, например, в «Авроре» палаццо Распильози. В последний период своего он изображал типы чисто внешней женской красоты, причём придавал своим красавицам чересчур мягкие расплывчатые формы; колорит Рени прежде весьма свежий и яркий, в эту пору упадка его таланта стал тусклым и бледным.
Рени был учителем целого ряда живописцев, Лаури, Лолли, Динарелли, Элизабеты Сирани, Джесси, Сементи, Марескатти, Руджиери, Кантарини, Лафранко, Читтадини и многих других. Из его картин, кроме вышеупомянутых, наибольшей известностью пользуются: «Подвиги Геркулеса» (находится в луврском музее), «Се человек» (в дрезденской галерее), «Клеопатра» (в палаццо Питти, во Флоренции), собственный портрет (в капитолийском музее) и женский портрет (в мадридском музее).
Гвидо Рени. Смерть Клеопатры. Около 1595-1598. Капитолийская Пинакотека, Рим
Из Википедии
В Государственном Эрмитаже имеется 11 картин Рени, из которых лучшими могут считаться: «Поклонение пастырей» (№ 182), «Поклонение волхвов» (№ 183), «Св. Семейство на пути в Египет» (№ 184), «Пётр» (№ 186), «Отцы церкви, рассуждающие о бессемянном зачатии» (№ 187), «Св. Иероним» (№ 188), «Похищение Европы» (№ 189) и «Юность Богоматери» (№ 191). Рени известен также как гравер; им были исполнены, между прочим, эстампы «Богоматерь с Младенцем», по собственной картине, и «Св. Семейство», с картины Ан. Карраччи.
«Гвидо Рени» на Яндекс.Фотках
Вознесение Марии
11. Хуан Пантоха де ла Крус (исп. Juan Pantoja de la Cruz) (1553, Вальядолид - 26 октября 1608, Мадрид) - испанский художник. Работал при дворе Филиппа II, и Филиппа III, официальный придворный портретист.
Хуан Пантоха де ла Крус был уроженцем Испании, также как и его учитель художник Алонсо Санчес Коэльо. Он родился в Вальядолиде около 1553 г. и умер в Мадриде в октябре 1608 г.
Предположительно он прибыл в столицу в очень молодом возрасте и оказался в мастерской Санчеса Коэльо, с которым, как считают некоторые испанские исследователи, его могли связывать родственные узы. В период, пока Пантоха работал в мастерской своего учителя, он практически не подписывал свои работы, хотя некоторые анонимные произведения атрибутируются как принадлежащие его кисти. После смерти Санчеса Коэльо, придворного королевского художника, ситуация меняется и Пантоха становится независимым мастером.
Официальным живописцем двора Пантоха стал после вступления на трон Филиппа III в 1598 г., и с этого момента ведется детальная документация его произведений.
Характеризуя стиль его полотен, исследователи отмечают, что Пантоха достоверно писал одежду и драгоценности, вдаваясь в мелкие подробности и не избегая сухой объективности фламандской традиции. А его трактовка лиц, однако, ясно свидетельствует об изучении им венецианской портретной живописи, в особенности Тициана. Лучшими произведениями Пантохи считаются его портреты малолетних инфант, где жесткость изображения все же сочетается с заметным обаянием.
В своих портретах короля Филиппа II Пантоха отталкивался от концепции своего учителя, развивая при этом парадный портрет в сторону большей репрезентативности.
Портрет Филиппа II в старости. 1590-е гг.
Из Википедии
Творчество Пантохи - следующая ступень складывания общего типа так называемого «сословного портрета»
В последние несколько лет многие из его работ, также как и полотен Санчеса Коэльо, приписываются современными исследователями работавшей в те же годы при дворе итальянской художнице С.Ангиссоле. Тем не менее, сами эти картины не подписаны никем из художников собственноручно. Атрибуция этих портретов членов королевской семьи Санчесу Коэльо и Пантохе была проведена в 19 и 20 вв. как по стилю, так и согласно официальным платежным ведомостям двора.
«Хуан Пантоха де ла Крус» на Яндекс.Фотках
Инфанта Изабелла Клара Евгения Испанская. 1566-1633
12. Жан Оноре́ Фрагона́р (фр. Jean-Honoré Fragonard) (5 апреля 1732, Грасс - 22 августа 1806, Париж) - французский живописец и гравёр.
Автопортрет
Из Википедии
Сперва ученик Ж.-Б. Шардена, а потом Франсуа Буше. В 1752 за картину «Жертвоприношение Иеровоама» получил Большую Римскую премию и отправился в Рим. В Риме значительное влияние оказали на него итальянские мастера XVII века Бароччо, Солимена, П. да-Кортона и в особенности Тьеполо. Подружившись здесь с живописцем Гюбером Робером, он сделал вместе с ним и с талантливым любителем искусства Сен-Ноном поездку на юг Италии. Плодом этой поездки было издание увража: «Voyage de Naples et de Sicile», в котором большинство рисунков гравировано Фрагонаром. По возвращении в Париж он выставил в салоне 1765 г. картину: «Смерть Кореза» (находится в Луврском музее в Париже), за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены.
Поцелуй украдкой. Эрмитаж
Из Википедии
Однако вскоре после того он бросил исторической род живописи и, подчинившись вкусу того времени, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием. Произведения его вошли в большую моду и продавались по высокой цене, благодаря чему он успел составить себе хорошие средства. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, водворённый во французском искусстве Ж.-Л. Давидом, лишил его прежней популярности.
В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности; в его пейзажах природа является слишком переиначенною и приукрашенною; зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя умно изобретённою композициею, грациозностью рисунка, изящностью и деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще большим вкусом исполнения.
«Жан Оноре́ Фрагона́р» на Яндекс.Фотках
Девочка с собакой
13. Клод Жозе́ф Верне́ (фр. Claude Joseph Vernet) (14 августа 1714, Авиньон - 3 декабря 1789, Лувр, Париж) - французский живописец.
Портрет кисти Элизабет Виже-Лебрен
Из Википедии
Верне был сыном художника по декорациям, от которого и получил первые уроки рисования. Отец устроил его учеником художника Луиса Рене де Виали в Провансе. Там его талант заметили Маркиз де Каудон и Жозеф де Сайтрес и поддерживали, назначив более чем солидную стипендию. Поэтому Верне, не испытывающий финансовые трудности смог уехать в Италию уже в 1734 году в возрасте 20 лет и учиться у известных морских пейзажистов Бернардино Фергиони и Адриена Магларда. В 1743 году Верне становится членом Академии де сан Лука.
Через два год Верне женится в Риме на англичанке Виргинии Паркер, дочери морского капитана Папы. В 1753 году слава о Верне доходит и до Версаля и его приглашает к своему двору французский король Людвиг XV. Верне получил заказ изобразить самые важные порты Франции и тем самым составить серию из 24 картин, называемую "Морская сила Франции". Верне начал работу. До 1763 года он создает 15 картин. В этом году жизнь его в Париже идет под откос.
«Клод Жозе́ф Верне́» на Яндекс.Фотках
Шторм на море
14. Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн (нидерл. Rémbrándt Hármenszoon van Rijn) (1606-1669) - французский живописец. голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств
Карандашный автопортрет. Рембрандту 23 года
Из Википедии
Рембрандт Харменсзон («сын Харменса») ван Рейн родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы в Лейдене. Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.
В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет он был отдан учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбурху, католику по вере. Рембрандтовские работы этого периода исследователями не выявлены, и вопрос о влиянии Сваненберха на становление его творческой манеры остаётся открытым: слишком мало известно сегодня об этом лейденском художнике.
В 1623 году Рембрандт занимался в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт совместно с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он завоевал значительную известность.
Ластмановское пристрастие к пестроте и мелочности исполнения оказало огромное влияние на молодого художника. В сравнении с его зрелыми работами первые его работы необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской легенды. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности
Концерт, 1626
Из Википедии
Единственный морской пейзаж Рембрандта (ок. 1630 г.) был выкраден в 1990 году из музея Изабеллы Гарднер и до сих пор находится в розыске.
«Христос во время шторма на море Галилейском» (1633)
Из Википедии
Итоговые произведения периода - «Товит и Анна», «Валаам и ослица» - отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко, он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты, но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера - немца, работавшего в Италии.
В 1631 году Рембрандт перебрался в Амстердам, где свойственная эстетике барокко динамичность и внешняя патетика полотен сыскали ему множество состоятельных почитателей, подобно Гюйгенсу увидевших в нём нового Рубенса.
Период переезда в Амстердам ознаменовался в творческой биографии Рембрандта созданием множества этюдов мужских и женских голов, в которых он исследует своеобразие каждой модели, экспериментирует с подвижной мимикой лиц. Эти небольшие произведения, впоследствии ошибочно принимавшиеся за изображения отца и матери художника, стали настоящей школой Рембрандта-портретиста. Именно портретная живопись позволяла в то время художнику привлечь заказы состоятельных амстердамских бюргеров и тем самым добиться коммерческого успеха.
В первые амстердамские годы видное место в творчестве Рембрандта занимает жанр автопортрета; изображая себя в фантастических одеяниях и замысловатых позах, он намечает новые пути развития своего искусства. Иногда пожилые персонажи этюдов, наряженные художником в роскошные восточные костюмы, преображаются его воображением в библейских персонажей.
«Пир Валтасара» (1635)
Из Википедии
Слава о Рембрандте как о незаурядном мастере распространилась по Амстердаму после завершения им группового портрета «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632), на котором внимательные студенты-медики не были выстроены в параллельные ряды обращённых к зрителю голов, как то было принято в портретной живописи того времени, а строго распределены в пирамидальной композиции, позволившей психологически объединить всех действующих лиц в единую группу. Богатство мимики каждого лица и драматическое использование светотени подводит итог под годами экспериментирования, свидетельствуя о наступлении творческой зрелости художника.
Урок анатомии доктора Тульпа
Из Википедии
Первые годы в Амстердаме были самыми счастливыми в жизни Рембрандта. Состоявшийся в 1634 году брак с Саскией ван Эйленбюрх открывает перед художником двери особняков зажиточных бюргеров, к числу которых принадлежал её отец - бургомистр Леувардена. Заказы сыплются к нему один за другим; не менее полусотни портретов датируются именно первыми годами пребывания Рембрандта в Амстердаме. Особенно благоволили к нему консервативные меннониты* (см.сноску). Немало шума наделал его двойной портрет меннонитского проповедника Корнелиса Ансло, который воспел в стихах сам Вондель.
Материальное благосостояние Рембрандта позволило ему приобрести собственный особняк, который он наполнял скупленными им у антикваров предметами искусства. Это были не только картины итальянских мастеров и гравюры, но также античная скульптура, оружие, музыкальные инструменты. Для изучения великих предшественников ему не было нужды выезжать из Амстердама, ибо в городе тогда можно было увидеть такие шедевры, как тициановский «Ариосто» и портрет Бальтазаре Кастильоне кисти Рафаэля. Под влиянием этих работ Рембрандт переходит от двойных портретов к масштабным изображениям моделей в полный рост.
К числу наиболее значительных портретов тех лет принадлежат изображения Саскии. В 1641 году у них родился сын Титус; ещё трое детей умерли в младенчестве. Избыток жизненных сил художника в годы брака с Саскией с наибольшей бравурностью выражен в дрезденском «Автопортрете с Саскией на коленях» (1636). Иконография этой прославленной работы восходит к моралистическим изображениям разврата блудного сына из библейской притчи и тем самым предвещает неизбежность будущего раскаяния. Это предсказание сбылось - Саския умерла через год после рождения сына, и в жизни Рембрандта начался период непрерывных личных утрат.
Дрезденский автопортрет с Саскией на коленях (1636)
Из Википедии
В 1642 году Рембрандт получил заказ на один из шести групповых портретов амстердамских мушкетёров для нового здания Стрелкового общества; два других заказа достались его ученикам. При создании этой четырёхметровой картины - самого масштабного из своих произведений - Рембрандт порвал с канонами голландской портретной живописи, за два столетия предсказав художественные находки XIX века - эпохи реализма и импрессионизма. Модели были изображены весьма непосредственно, в движении, что вовсе не понравилось заказчикам, многие из которых оказались при этом задвинутыми на задний план.
Монументальное создание Рембрандта, запечатлевшее внезапное выступление в поход стрелковой роты, возглавляемой её командирами, решено им как массовая сцена, пронизанная движением толпы конкретных и безымянных персонажей и построенная на мерцающем контрасте ярко освещенных цветовых пятен и затенённых зон. Создающая впечатление разнобоя и напряжённости случайность запечатленной на полотне ситуации вместе с тем проникнута торжественностью и героическим подъёмом, сближается по своему звучанию с исторической композицией.
Столь смелое сочетание группового портрета с военными воспоминаниями Нидерландской революции отпугнуло заказчиков, которые отказались принять эту работу. Биографы Рембрандта спорят о том, насколько неуспех «Ночного дозора» (именно такое название впоследствии получила картина, до реставрации 1940-х гг. скрытая под потемневшим лаком) имел на дальнейшую карьеру художника.
«Ночной дозор» (1642)
Из Википедии
Каковы бы ни были причины охлаждения амстердамской публики к Рембрандту, результатом перемены во вкусах стало угасание его славы и постепенное обнищание. После «Ночного дозора» в мастерской Рембрандта остаются единичные ученики. Его прежние подмастерья, позаимствовав и развив какую-либо одну черту раннего Рембрандта, становятся более удачливыми и востребованными художниками, чем их учитель. Особенно характерен в этом отношении Говарт Флинк, в совершенстве освоивший внешнюю бравурность динамичных рембрандтовских полотен 1630-х гг. Лейденец Герард Доу - один из первых учеников Рембрандта - всю жизнь оставался под влиянием ластмановской эстетики полотен вроде «Концерта» 1626 года. Фабрициус, который работал в мастерской около 1640 года, охотно экспериментировал с перспективой и разрабатывал высветленные фоны, что принесло ему незаурядный успех в Делфте.
То, что в продолжение 1640-х годов от Рембрандта отворачиваются заказчики и оставляют ученики, можно объяснить не только провалом «Ночного дозора», но и общим поворотом живописной моды в сторону скрупулёзной детализации, к которой сам Рембрандт был наиболее склонен в ранние годы. Логика творческого развития вела художника в прямо противоположном направлении. С годами он стал отдавать предпочтение смелым мазкам кисти и резким контрастам света и тени, скрадывающей почти все фоновые детали.
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е гг. в документах сохранилось мало. Из учеников этого периода известен только Николас Маес из Дордрехта. Видимо, художник продолжал жить на широкую ногу, как прежде. Семейство покойной Саскии высказывало озабоченность тем, как он распорядился её приданым. Няня Титуса, Гертье Диркс, подала на него в суд за нарушение обещания жениться; ради улаживания этого инцидента художнику пришлось раскошелиться.
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во многих портретных работах этого периода. Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство», когда в 1654 году у неё с художником родилась дочь Корнелия. В эти годы Рембрандт отходит от тем, имеющих грандиозное национальное либо общечеловеческое звучание. Живописные работы этого периода немногочисленны; автопортреты и вовсе неизвестны.
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Молитва
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Распятие
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Снятие с креста
В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После распродажи в 1657-58 гг. дома и имущества художник перебрался на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни. Самым близким к нему человеком в те годы, по-видимому, оставался Титус; именно его изображения наиболее многочисленны. На одних он предстаёт принцем из волшебной сказки, на других - сотканным из солнечных лучей ангелом. Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже.
Здесь художник изобразил себя в виде апостола Матфея, а сына - как вдохновляющего его ангела
Из Википедии
Отличительная черта рембрандтовского творчества 1650-х - ясность и монументальность крупнофигурных композиций. Характерна в этом отношении работа «Аристотель перед бюстом Гомера», исполненная в 1653 году для сицилийского аристократа Антонио Руффо и проданная в 1960 году его наследниками американскому музею за рекордную на тот момент сумму в два с лишним миллиона долларов. Аристотель погружён в глубокое раздумье; внутренний свет, кажется, исходит от его лица и от бюста Гомера, на который он возложил свою руку.
Из Интернета
* Меннони́ты - одна из протестантских деноминаций, получившая название от своего основателя, Симониса Меннона (1496-1561), голландца по происхождению.
С. Меннон был сельским католическим священником. О воспитании его сведений не сохранилось. По собственному его признанию (в автобиографии), не отличался благочестием и любил светские развлечения. Он не был учёным богословом, но свободно писал на латинском языке. Во время Реформации он читал произведения многих реформаторов, в том числе, М. Лютера.
В 1531 г. в Леенвардене он увидел как казнили анабаптистов, и его это потрясло. Постепенно, от сострадания к ним он перешёл к убеждению в их правоте, ссылаясь при этом на Библию. К анабаптистам примкнул его брат. В 1535 г. при взятии войсками монастыря близ Доккума, которым завладели анабаптисты, был убит его брат. Меннон, после мучительной внутренней борьбы, открыто отрекся от католичества и в 1536 году вступил в секту анабаптистов.
Меннон принял главные пункты их анабаптистского вероучения. Однако, он отверг политическое, воинствующее в мире назначение церкви, которое проповедовали проповедники анабаптизма Мюнстер и Иоанн Лейденский. Меннон даже написал резкое сочинение против Иоанна Лейденского и его притязаний на «царство».
Приняв перекрещение и «рукоположение» от одного из анабаптистских «апостолов», Оббона Филиппа, Меннон выступил в качестве «странствующего проповедника». Вскоре он организовал обширные общины в Фрисландии, Кельне, южной Германии, Мекленбурге, а в 1543 г. принял на себя звание «епископа» всех меннонитов. Пять лет он провел в прибалтийских провинциях Польско-литовского государства, проповедуя меннонитские идеи.
После богословского состязания с одним из учеников Лютера, Иоанном Лоска, Меннон издал два сочинения: «О вочеловечении Спасителя» и «О крещении».
Результаты собора, созванного им для рассуждения о церковной дисциплине меннонитов, Меннон изложил в сочинении: «Об отлучении от церкви Христовой».
В Прибалтике Меннон написал главное догматическое сочинение - «О Троице» (против унитариев), в котором утверждает, что взаимное отношение лиц Св. Троицы составляет тайну, предмет верования, а не рассуждения.
Характерные черты вероучения меннонитов:
1. Ожидаемое восстановление в мире царства Божия через основание и распространение на земле церкви чистой и святой.
2. Безусловная вера в Библию, и буквальное толкование Её.
3. Свобода личного понимания в области верования.
4. Евхаристия трактуется символически, как благоговейное воспоминание события из жизни Иисуса Христа, способствующее возвышению и укреплению чувства веры, а не как таинство (как в кальвинизме).
5. Крещение совершается только над взрослыми (как в баптизме).
6. Судебные тяжбы, присяга и воинская служба отрицаются. Меннонитство отличается «миролюбивым и умеренным» характером. Никогда не призывает к насилию и злу. Заставляет задуматься о смысле всей жизни вообще, о самосовершенствовании и развитии своей души.
Остальную информацию о меннонитах при желании читайте по ссылке.
Я люблю ходить в картинные галереи, именно там больше всего ощущается дыхание времени. Смотря на работы художников, которые уже сотни лет покоятся в земле - понимаешь насколько быстротечна жизнь и бесконечно искусство. В картинах - дыхание того времени, своеобразная историческая летопись. Мечтания и устремления, правда жизни, остановленная на века. Застывшие тела когда-то были плотью и кровью, жили, мечтали, любили или ненавидели - они были. Каждое полотно - это история, и нам досталась честь прикоснуться к ней.
«Залы Старой Пинакотеки» на Яндекс.Фотках
Почти уже обычное для меня предупреждение для тех, кому траффик дорог: очень много фотографий и информации. В основном информация взята из Википедии, но есть и мои переводы. Если я брала фотографию из Википедии, то под ней стоит указание. Все остальные фотографии картин сделаны мной.
8. Франси́ско де Сурбара́н (исп. Francisco de Zurbarán) (крещён 7 ноября 1598, умер - 27 августа 1664, Мадрид) - испанский художник, представитель севильской школы живописи.
Возможно автопортрет в виде святого Луки. 1635-1640.
Из Википедии
Сурбаран родился в городке Фуэнте де Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Хуана де Роэласа.
В 1622 г. он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей. В 1626-1627 гг. по контракту с орденом доминиканцев он пишет 21 картину на религиозные сюжеты, в том числе знаменитую картину «Христос на кресте». В 1628-1630 гг. Сурбаран пишет цикл картин о святом Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры.
В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни. Композиция в его картинах при правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе очень немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. В колорите и светотени Сурбаран подражал Микеланджело да Караваджо (вследствие чего был прозван «испанским Караваджо»), сообщая переднему плану поразительную рельефность через сопоставление сильного света с глубокими тенями.
В период творческого расцвета Сурбаран удачно сочетал монументальность и суровость образов (главным образом святых), с их внутренней выразительностью. В 1650-х годах в его картинах появились черты лиричности и эмоциональной взволнованности.
В 1631 г. Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений - картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.
Из Википедии
Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе - наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов».
Постепенно его слава росла, вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника.
В поздний период творчества Сурбаран обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве - «Мадонна с младенцем», «Отрочество Мадонны».
В 1658-1664 годах Сурбаран жил в Мадриде, его популярность шла на спад, несмотря на поддержку друга Диего Веласкеса он, забытый заказчиками, испытывал материальные трудности. Умер художник 27 августа 1664 в Мадриде.
«Франси́ско де Сурбара́н» на Яндекс.Фотках
Святой Франциск из Ассиси
«Франси́ско де Сурбара́н» на Яндекс.Фотках
Положение во гроб святой Екатерины на горе Синай
9. Джованни Баттиста Тьеполо (итал. Giovanni Battista Tiepolo) (5 марта 1696, Венеция - 27 марта 1770, Мадрид) - крупнейший художник итальянского рококо, мастер фресок и гравюр, последний великий представитель венецианской школы.
Из Википедии
Джанбаттиста Тьеполо родился 5 марта 1696 года в Венеции, в семье многодетного шкипера Доменико Тьеполо, человека простого происхождения. Вскоре отец умер, и мать, Орсетта, воспитывала шестерых детей в условиях бедности.
В юности Тьеполо учился живописи у венецианского художника Грегорио Ладзарини, но искусствоведы отмечают, что наиболее сильное влияние на него оказали Себастьяно Риччи, Паоло Веронезе и Джованни Баттиста Пьяцетта. В возрасте 19 лет Тьеполо выполнил свой первый живописный заказ - картину «Принесение Исаака в жертву».
В 1717 году молодой художник покинул мастерскую Ладзарини и вступил в гильдию живописцев Фралья. В 1719 году он женился на Марии Чечилии Гварди, сестре известных художников Гварди - Франческо и Джованни Антонио. От брака с Марией у Тьеполо родилось девять детей.
С 1726 года по 1728 год Тьеполо работал по заказу Дионисио Дельфино, аристократа из Удине, расписывая фресками капеллу и дворец. Это принесло ему известность и новые заказы - Тьеполо сделался модным живописцем. В последующие годы он много писал в Венеции, а также в Милане, Бергамо. В 1740 Тьеполо получил заказ на роспись потолка на втором этаже Скуолы Кармини.
К 1750 году к венецианскому живописцу пришла общеевропейская известность, и с 1750 года по 1753 год он создал свою центральную работу - фресковое убранство Вюрцбургской резиденции. Возвратившись в Италию, Тьеполо был избран президентом Падуанской академии.
Из Википедии
В 1761 году испанский король Карл III пригласил Тьеполо в Мадрид, где художник оставался до конца своей жизни. Тьеполо скончался в испанской столице 27 марта 1770 года.
«Джованни Баттиста Тьеполо» на Яндекс.Фотках
Поклонение королей
10. Гвидо Рени (итал. Guido Reni) (4 ноября 1575, Кальвенцано, Эмилия-Романья - 18 августа 1642, Болонья) - итальянский живописец болонской школы.
Автопортрет, 1635
Из Википедии
Девяти лет от роду поступил в ученики к проживавшему в Италии фламандскому живописцу Денису Калверту; перейдя затем в школу Лодовико Карраччи, из неё перешёл с целью усвоить себе технику фресковой живописи к Феррантини, а в 1596 г. отправился в Рим, где занялся основательным изучением произведений Рафаэля. Ещё до приезда своего в этот город, Рени расписал фасад палаццо Цани в Болонье и исполнил для тамошней церкви Сан-Микеле-ин-боско образ «Св. Бенедикт в пустыне». В Риме им написаны по заказу кардинала Боргезе картина «Распятие св. Петра» (находится в Ватиканской галерее) и знаменитый плафон «Аврора» в палаццо Роспильози. По возвращении Рени на родину из-под его кисти вышло «Избиение младенцев» (находится в болонской пинакотеке). Вскоре он снова отправился в Рим по вызову папы Павла V, поручившего ему расписать стены капеллы в квиринальском дворце сценами из жития Богородицы и заказавшего ему «Поклонение кресту» для церкви С.-Грегорио. Дальнейшие работы Рени: «Рай» для церкви С.-Доменико, «Вознесение» для церкви С.-Амброджио (в Болонье), «Распятие» для капуцинской церкви в Генуе (находится в болонской пинакотеке), «Собирание небесной манны» и др. фрески в равенском соборе. В 1622 г. Рени трудился над украшением капеллы св. Януария в Неаполе, но вскоре принужден был удалиться оттуда, спасаясь от преследований и мести со стороны завидовавших ему живописцев Ланфранко и Риберы. Под конец своей жизни он предался игре, страсть к которой мало-помалу погубила его талант.
Похищение Деяниры, Лувр
Из Википедии
В первый период своей деятельности Рени примкнул к господствовавшему тогда в итальянской живописи натуралистическому направлению, причём, подобно другим ученикам Карраччи, подпал в сильной степени под влияние М.-А. да Караваджо. Натуралистическое стремление Рени особенно ярко выразилось в ватиканском «Распятии», по своей концепции и по типам фигур очень схожем с изображениями пыток, обычными у итальянских художников того времени. К числу произведений Рени в том же роде относится, сверх «Избиения младенцев», о котором упомянуто выше, картина берлинского музея «Св. Антоний и Павел отшельники». В среднюю пору своего творчества Рени старался передавать более тёплое и нежное чувство и достигать красоты и грациозности, как, например, в «Авроре» палаццо Распильози. В последний период своего он изображал типы чисто внешней женской красоты, причём придавал своим красавицам чересчур мягкие расплывчатые формы; колорит Рени прежде весьма свежий и яркий, в эту пору упадка его таланта стал тусклым и бледным.
Рени был учителем целого ряда живописцев, Лаури, Лолли, Динарелли, Элизабеты Сирани, Джесси, Сементи, Марескатти, Руджиери, Кантарини, Лафранко, Читтадини и многих других. Из его картин, кроме вышеупомянутых, наибольшей известностью пользуются: «Подвиги Геркулеса» (находится в луврском музее), «Се человек» (в дрезденской галерее), «Клеопатра» (в палаццо Питти, во Флоренции), собственный портрет (в капитолийском музее) и женский портрет (в мадридском музее).
Гвидо Рени. Смерть Клеопатры. Около 1595-1598. Капитолийская Пинакотека, Рим
Из Википедии
В Государственном Эрмитаже имеется 11 картин Рени, из которых лучшими могут считаться: «Поклонение пастырей» (№ 182), «Поклонение волхвов» (№ 183), «Св. Семейство на пути в Египет» (№ 184), «Пётр» (№ 186), «Отцы церкви, рассуждающие о бессемянном зачатии» (№ 187), «Св. Иероним» (№ 188), «Похищение Европы» (№ 189) и «Юность Богоматери» (№ 191). Рени известен также как гравер; им были исполнены, между прочим, эстампы «Богоматерь с Младенцем», по собственной картине, и «Св. Семейство», с картины Ан. Карраччи.
«Гвидо Рени» на Яндекс.Фотках
Вознесение Марии
11. Хуан Пантоха де ла Крус (исп. Juan Pantoja de la Cruz) (1553, Вальядолид - 26 октября 1608, Мадрид) - испанский художник. Работал при дворе Филиппа II, и Филиппа III, официальный придворный портретист.
Хуан Пантоха де ла Крус был уроженцем Испании, также как и его учитель художник Алонсо Санчес Коэльо. Он родился в Вальядолиде около 1553 г. и умер в Мадриде в октябре 1608 г.
Предположительно он прибыл в столицу в очень молодом возрасте и оказался в мастерской Санчеса Коэльо, с которым, как считают некоторые испанские исследователи, его могли связывать родственные узы. В период, пока Пантоха работал в мастерской своего учителя, он практически не подписывал свои работы, хотя некоторые анонимные произведения атрибутируются как принадлежащие его кисти. После смерти Санчеса Коэльо, придворного королевского художника, ситуация меняется и Пантоха становится независимым мастером.
Официальным живописцем двора Пантоха стал после вступления на трон Филиппа III в 1598 г., и с этого момента ведется детальная документация его произведений.
Характеризуя стиль его полотен, исследователи отмечают, что Пантоха достоверно писал одежду и драгоценности, вдаваясь в мелкие подробности и не избегая сухой объективности фламандской традиции. А его трактовка лиц, однако, ясно свидетельствует об изучении им венецианской портретной живописи, в особенности Тициана. Лучшими произведениями Пантохи считаются его портреты малолетних инфант, где жесткость изображения все же сочетается с заметным обаянием.
В своих портретах короля Филиппа II Пантоха отталкивался от концепции своего учителя, развивая при этом парадный портрет в сторону большей репрезентативности.
Портрет Филиппа II в старости. 1590-е гг.
Из Википедии
Творчество Пантохи - следующая ступень складывания общего типа так называемого «сословного портрета»
В последние несколько лет многие из его работ, также как и полотен Санчеса Коэльо, приписываются современными исследователями работавшей в те же годы при дворе итальянской художнице С.Ангиссоле. Тем не менее, сами эти картины не подписаны никем из художников собственноручно. Атрибуция этих портретов членов королевской семьи Санчесу Коэльо и Пантохе была проведена в 19 и 20 вв. как по стилю, так и согласно официальным платежным ведомостям двора.
«Хуан Пантоха де ла Крус» на Яндекс.Фотках
Инфанта Изабелла Клара Евгения Испанская. 1566-1633
12. Жан Оноре́ Фрагона́р (фр. Jean-Honoré Fragonard) (5 апреля 1732, Грасс - 22 августа 1806, Париж) - французский живописец и гравёр.
Автопортрет
Из Википедии
Сперва ученик Ж.-Б. Шардена, а потом Франсуа Буше. В 1752 за картину «Жертвоприношение Иеровоама» получил Большую Римскую премию и отправился в Рим. В Риме значительное влияние оказали на него итальянские мастера XVII века Бароччо, Солимена, П. да-Кортона и в особенности Тьеполо. Подружившись здесь с живописцем Гюбером Робером, он сделал вместе с ним и с талантливым любителем искусства Сен-Ноном поездку на юг Италии. Плодом этой поездки было издание увража: «Voyage de Naples et de Sicile», в котором большинство рисунков гравировано Фрагонаром. По возвращении в Париж он выставил в салоне 1765 г. картину: «Смерть Кореза» (находится в Луврском музее в Париже), за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены.
Поцелуй украдкой. Эрмитаж
Из Википедии
Однако вскоре после того он бросил исторической род живописи и, подчинившись вкусу того времени, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием. Произведения его вошли в большую моду и продавались по высокой цене, благодаря чему он успел составить себе хорошие средства. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, водворённый во французском искусстве Ж.-Л. Давидом, лишил его прежней популярности.
В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности; в его пейзажах природа является слишком переиначенною и приукрашенною; зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя умно изобретённою композициею, грациозностью рисунка, изящностью и деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще большим вкусом исполнения.
«Жан Оноре́ Фрагона́р» на Яндекс.Фотках
Девочка с собакой
13. Клод Жозе́ф Верне́ (фр. Claude Joseph Vernet) (14 августа 1714, Авиньон - 3 декабря 1789, Лувр, Париж) - французский живописец.
Портрет кисти Элизабет Виже-Лебрен
Из Википедии
Верне был сыном художника по декорациям, от которого и получил первые уроки рисования. Отец устроил его учеником художника Луиса Рене де Виали в Провансе. Там его талант заметили Маркиз де Каудон и Жозеф де Сайтрес и поддерживали, назначив более чем солидную стипендию. Поэтому Верне, не испытывающий финансовые трудности смог уехать в Италию уже в 1734 году в возрасте 20 лет и учиться у известных морских пейзажистов Бернардино Фергиони и Адриена Магларда. В 1743 году Верне становится членом Академии де сан Лука.
Через два год Верне женится в Риме на англичанке Виргинии Паркер, дочери морского капитана Папы. В 1753 году слава о Верне доходит и до Версаля и его приглашает к своему двору французский король Людвиг XV. Верне получил заказ изобразить самые важные порты Франции и тем самым составить серию из 24 картин, называемую "Морская сила Франции". Верне начал работу. До 1763 года он создает 15 картин. В этом году жизнь его в Париже идет под откос.
«Клод Жозе́ф Верне́» на Яндекс.Фотках
Шторм на море
14. Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн (нидерл. Rémbrándt Hármenszoon van Rijn) (1606-1669) - французский живописец. голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств
Карандашный автопортрет. Рембрандту 23 года
Из Википедии
Рембрандт Харменсзон («сын Харменса») ван Рейн родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы в Лейдене. Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.
В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет он был отдан учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбурху, католику по вере. Рембрандтовские работы этого периода исследователями не выявлены, и вопрос о влиянии Сваненберха на становление его творческой манеры остаётся открытым: слишком мало известно сегодня об этом лейденском художнике.
В 1623 году Рембрандт занимался в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт совместно с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он завоевал значительную известность.
Ластмановское пристрастие к пестроте и мелочности исполнения оказало огромное влияние на молодого художника. В сравнении с его зрелыми работами первые его работы необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской легенды. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности
Концерт, 1626
Из Википедии
Единственный морской пейзаж Рембрандта (ок. 1630 г.) был выкраден в 1990 году из музея Изабеллы Гарднер и до сих пор находится в розыске.
«Христос во время шторма на море Галилейском» (1633)
Из Википедии
Итоговые произведения периода - «Товит и Анна», «Валаам и ослица» - отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко, он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты, но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера - немца, работавшего в Италии.
В 1631 году Рембрандт перебрался в Амстердам, где свойственная эстетике барокко динамичность и внешняя патетика полотен сыскали ему множество состоятельных почитателей, подобно Гюйгенсу увидевших в нём нового Рубенса.
Период переезда в Амстердам ознаменовался в творческой биографии Рембрандта созданием множества этюдов мужских и женских голов, в которых он исследует своеобразие каждой модели, экспериментирует с подвижной мимикой лиц. Эти небольшие произведения, впоследствии ошибочно принимавшиеся за изображения отца и матери художника, стали настоящей школой Рембрандта-портретиста. Именно портретная живопись позволяла в то время художнику привлечь заказы состоятельных амстердамских бюргеров и тем самым добиться коммерческого успеха.
В первые амстердамские годы видное место в творчестве Рембрандта занимает жанр автопортрета; изображая себя в фантастических одеяниях и замысловатых позах, он намечает новые пути развития своего искусства. Иногда пожилые персонажи этюдов, наряженные художником в роскошные восточные костюмы, преображаются его воображением в библейских персонажей.
«Пир Валтасара» (1635)
Из Википедии
Слава о Рембрандте как о незаурядном мастере распространилась по Амстердаму после завершения им группового портрета «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632), на котором внимательные студенты-медики не были выстроены в параллельные ряды обращённых к зрителю голов, как то было принято в портретной живописи того времени, а строго распределены в пирамидальной композиции, позволившей психологически объединить всех действующих лиц в единую группу. Богатство мимики каждого лица и драматическое использование светотени подводит итог под годами экспериментирования, свидетельствуя о наступлении творческой зрелости художника.
Урок анатомии доктора Тульпа
Из Википедии
Первые годы в Амстердаме были самыми счастливыми в жизни Рембрандта. Состоявшийся в 1634 году брак с Саскией ван Эйленбюрх открывает перед художником двери особняков зажиточных бюргеров, к числу которых принадлежал её отец - бургомистр Леувардена. Заказы сыплются к нему один за другим; не менее полусотни портретов датируются именно первыми годами пребывания Рембрандта в Амстердаме. Особенно благоволили к нему консервативные меннониты* (см.сноску). Немало шума наделал его двойной портрет меннонитского проповедника Корнелиса Ансло, который воспел в стихах сам Вондель.
Материальное благосостояние Рембрандта позволило ему приобрести собственный особняк, который он наполнял скупленными им у антикваров предметами искусства. Это были не только картины итальянских мастеров и гравюры, но также античная скульптура, оружие, музыкальные инструменты. Для изучения великих предшественников ему не было нужды выезжать из Амстердама, ибо в городе тогда можно было увидеть такие шедевры, как тициановский «Ариосто» и портрет Бальтазаре Кастильоне кисти Рафаэля. Под влиянием этих работ Рембрандт переходит от двойных портретов к масштабным изображениям моделей в полный рост.
К числу наиболее значительных портретов тех лет принадлежат изображения Саскии. В 1641 году у них родился сын Титус; ещё трое детей умерли в младенчестве. Избыток жизненных сил художника в годы брака с Саскией с наибольшей бравурностью выражен в дрезденском «Автопортрете с Саскией на коленях» (1636). Иконография этой прославленной работы восходит к моралистическим изображениям разврата блудного сына из библейской притчи и тем самым предвещает неизбежность будущего раскаяния. Это предсказание сбылось - Саския умерла через год после рождения сына, и в жизни Рембрандта начался период непрерывных личных утрат.
Дрезденский автопортрет с Саскией на коленях (1636)
Из Википедии
В 1642 году Рембрандт получил заказ на один из шести групповых портретов амстердамских мушкетёров для нового здания Стрелкового общества; два других заказа достались его ученикам. При создании этой четырёхметровой картины - самого масштабного из своих произведений - Рембрандт порвал с канонами голландской портретной живописи, за два столетия предсказав художественные находки XIX века - эпохи реализма и импрессионизма. Модели были изображены весьма непосредственно, в движении, что вовсе не понравилось заказчикам, многие из которых оказались при этом задвинутыми на задний план.
Монументальное создание Рембрандта, запечатлевшее внезапное выступление в поход стрелковой роты, возглавляемой её командирами, решено им как массовая сцена, пронизанная движением толпы конкретных и безымянных персонажей и построенная на мерцающем контрасте ярко освещенных цветовых пятен и затенённых зон. Создающая впечатление разнобоя и напряжённости случайность запечатленной на полотне ситуации вместе с тем проникнута торжественностью и героическим подъёмом, сближается по своему звучанию с исторической композицией.
Столь смелое сочетание группового портрета с военными воспоминаниями Нидерландской революции отпугнуло заказчиков, которые отказались принять эту работу. Биографы Рембрандта спорят о том, насколько неуспех «Ночного дозора» (именно такое название впоследствии получила картина, до реставрации 1940-х гг. скрытая под потемневшим лаком) имел на дальнейшую карьеру художника.
«Ночной дозор» (1642)
Из Википедии
Каковы бы ни были причины охлаждения амстердамской публики к Рембрандту, результатом перемены во вкусах стало угасание его славы и постепенное обнищание. После «Ночного дозора» в мастерской Рембрандта остаются единичные ученики. Его прежние подмастерья, позаимствовав и развив какую-либо одну черту раннего Рембрандта, становятся более удачливыми и востребованными художниками, чем их учитель. Особенно характерен в этом отношении Говарт Флинк, в совершенстве освоивший внешнюю бравурность динамичных рембрандтовских полотен 1630-х гг. Лейденец Герард Доу - один из первых учеников Рембрандта - всю жизнь оставался под влиянием ластмановской эстетики полотен вроде «Концерта» 1626 года. Фабрициус, который работал в мастерской около 1640 года, охотно экспериментировал с перспективой и разрабатывал высветленные фоны, что принесло ему незаурядный успех в Делфте.
То, что в продолжение 1640-х годов от Рембрандта отворачиваются заказчики и оставляют ученики, можно объяснить не только провалом «Ночного дозора», но и общим поворотом живописной моды в сторону скрупулёзной детализации, к которой сам Рембрандт был наиболее склонен в ранние годы. Логика творческого развития вела художника в прямо противоположном направлении. С годами он стал отдавать предпочтение смелым мазкам кисти и резким контрастам света и тени, скрадывающей почти все фоновые детали.
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е гг. в документах сохранилось мало. Из учеников этого периода известен только Николас Маес из Дордрехта. Видимо, художник продолжал жить на широкую ногу, как прежде. Семейство покойной Саскии высказывало озабоченность тем, как он распорядился её приданым. Няня Титуса, Гертье Диркс, подала на него в суд за нарушение обещания жениться; ради улаживания этого инцидента художнику пришлось раскошелиться.
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во многих портретных работах этого периода. Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство», когда в 1654 году у неё с художником родилась дочь Корнелия. В эти годы Рембрандт отходит от тем, имеющих грандиозное национальное либо общечеловеческое звучание. Живописные работы этого периода немногочисленны; автопортреты и вовсе неизвестны.
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Молитва
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Распятие
«Ре́мбра́ндт Ха́рменс ван Рейн» на Яндекс.Фотках
Снятие с креста
В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После распродажи в 1657-58 гг. дома и имущества художник перебрался на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни. Самым близким к нему человеком в те годы, по-видимому, оставался Титус; именно его изображения наиболее многочисленны. На одних он предстаёт принцем из волшебной сказки, на других - сотканным из солнечных лучей ангелом. Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже.
Здесь художник изобразил себя в виде апостола Матфея, а сына - как вдохновляющего его ангела
Из Википедии
Отличительная черта рембрандтовского творчества 1650-х - ясность и монументальность крупнофигурных композиций. Характерна в этом отношении работа «Аристотель перед бюстом Гомера», исполненная в 1653 году для сицилийского аристократа Антонио Руффо и проданная в 1960 году его наследниками американскому музею за рекордную на тот момент сумму в два с лишним миллиона долларов. Аристотель погружён в глубокое раздумье; внутренний свет, кажется, исходит от его лица и от бюста Гомера, на который он возложил свою руку.
Из Интернета
* Меннони́ты - одна из протестантских деноминаций, получившая название от своего основателя, Симониса Меннона (1496-1561), голландца по происхождению.
С. Меннон был сельским католическим священником. О воспитании его сведений не сохранилось. По собственному его признанию (в автобиографии), не отличался благочестием и любил светские развлечения. Он не был учёным богословом, но свободно писал на латинском языке. Во время Реформации он читал произведения многих реформаторов, в том числе, М. Лютера.
В 1531 г. в Леенвардене он увидел как казнили анабаптистов, и его это потрясло. Постепенно, от сострадания к ним он перешёл к убеждению в их правоте, ссылаясь при этом на Библию. К анабаптистам примкнул его брат. В 1535 г. при взятии войсками монастыря близ Доккума, которым завладели анабаптисты, был убит его брат. Меннон, после мучительной внутренней борьбы, открыто отрекся от католичества и в 1536 году вступил в секту анабаптистов.
Меннон принял главные пункты их анабаптистского вероучения. Однако, он отверг политическое, воинствующее в мире назначение церкви, которое проповедовали проповедники анабаптизма Мюнстер и Иоанн Лейденский. Меннон даже написал резкое сочинение против Иоанна Лейденского и его притязаний на «царство».
Приняв перекрещение и «рукоположение» от одного из анабаптистских «апостолов», Оббона Филиппа, Меннон выступил в качестве «странствующего проповедника». Вскоре он организовал обширные общины в Фрисландии, Кельне, южной Германии, Мекленбурге, а в 1543 г. принял на себя звание «епископа» всех меннонитов. Пять лет он провел в прибалтийских провинциях Польско-литовского государства, проповедуя меннонитские идеи.
После богословского состязания с одним из учеников Лютера, Иоанном Лоска, Меннон издал два сочинения: «О вочеловечении Спасителя» и «О крещении».
Результаты собора, созванного им для рассуждения о церковной дисциплине меннонитов, Меннон изложил в сочинении: «Об отлучении от церкви Христовой».
В Прибалтике Меннон написал главное догматическое сочинение - «О Троице» (против унитариев), в котором утверждает, что взаимное отношение лиц Св. Троицы составляет тайну, предмет верования, а не рассуждения.
Характерные черты вероучения меннонитов:
1. Ожидаемое восстановление в мире царства Божия через основание и распространение на земле церкви чистой и святой.
2. Безусловная вера в Библию, и буквальное толкование Её.
3. Свобода личного понимания в области верования.
4. Евхаристия трактуется символически, как благоговейное воспоминание события из жизни Иисуса Христа, способствующее возвышению и укреплению чувства веры, а не как таинство (как в кальвинизме).
5. Крещение совершается только над взрослыми (как в баптизме).
6. Судебные тяжбы, присяга и воинская служба отрицаются. Меннонитство отличается «миролюбивым и умеренным» характером. Никогда не призывает к насилию и злу. Заставляет задуматься о смысле всей жизни вообще, о самосовершенствовании и развитии своей души.
Остальную информацию о меннонитах при желании читайте по ссылке.