Художественная галерея в Манчестере - три выставки, их сочетание и влияние
Отвлечемся на время от нелицеприятных городов Израиля и вернемся к высокому искусству. На этот раз мы с вами отправимся в Манчестерскую художественную галерею и бегло осмотрим коллекцию этого, как выяснилось, богатого на шедевры музея. Конечно осмотреть все три тысячи произведений искусства у нас нет никаких шансов, поэтому я решил выделить три аспекта из коллекции:
1) Очень удачное и оригинальное сочетание шедеров старых мастеров и современных художников и произведений искусства
2) Выставку "фигуративных" художников во главе с Френсисом Бэконом, Люсьеном Фрейдом и Дэйвидом Хокни
3) Выставку французских импрессионистов и пост-импрессионистов и их влияние на ведущих английских и шотландских живописцев
Начнем мы именно с сочетания "классических" картин старых мастеров и современных произведений, которое, как можно судить по фотографии сверху, очень притягивают глаз.
Как мы видим, в правом углу "классические" картины, а слева - "современное" искусство. Очень любопытно
Над творением в центре я просто завис
Еще несколько примеров
Опять - сверху "классическая" работа, снизу граффити самого Бэнкси, наверное самого популярного художника современности
Еще одно сочетание "традиционное-современное"
Теперь просто немного современных творений, развешенных по залам
Это чертово советское воспитание. Кроме как "Романенко нарисовал лошадь" ничего в голову не лезет)
Еще одно сочетание нового и старого - картина Уильяма Холлмана Ханта и современное искусство
Здесь мы сделаем плавный переход, и расскажем о картине, да и о художнике поподробнее. Называется полонто Тень Смерти. Здесь Хант соединяет повседневные детали с религиозным символизмом, с целью создать богатое смыслом полотно. Вымышленный момент из жизни Христа отражает всю его жизнь и страдания.
Тень от рук Христа предсказывает его будущее распятие. Вставшая на колени дева Мария открывает ящик с подарками от волхвов - намек на рождение Иисуса. Арочное окно позади Христа создает своего рода "нимб".
Хант всегда пытался добиться максимального реализма в своих картинах. Поставив перед собой цель изобразить библейский пейзаж с максимальной аккуратностью, художник много раз ездил в Иерусалим, о чем я уже неоднократно рассказывал. Особенно художник любил сидеть у монастыря Мар Элиас, где даже сохранилась его "скамеечка" - http://lorien22.livejournal.com/142977.html. А жил он на улице ха-Невиим, в том самом доме, где потом жила поэтесса Рахель - http://lorien22.livejournal.com/245271.html. Отметим, что несмотря на это, изображение "библейских" ландшафтов давалось художнику с большим трудом и стоил ему немало мук. Насчет конкретно этой кратины - многим критикам не понравилось изображение Христа простым рабочим, но картина практически моментально стала популярной, и с нее было сделано более 4000 литографий.
Уильям Холлман Хант - Свет Мира
Еще одна картина Ханта, перекликающаяся с предыдущей. Дверь, в которую стучит Иисус - это человеческая душа. Обратите внимание, что она вся заросла сорняками. Художник рисовал картину ночью при лунном свете с целью сделать ее более убедительной. Но он по-прежнему хотел, чтобы фигура Иисуса выглядела сверхестественной. Поэтому он играет с разными вариациями света. Нимб, фонарь, символический рассвет - все это напоминает нам, что Иисус несет свет в окружающую мир тьму. Есть три вариации этой картины. Как и прошлая картина, она разошлась по всему миру огромным количеством литографий, и это один из самых популярных имаджей христианского мира.
И еще одна картина Ханта - Козел отпущения. Это, кстати, любимая картина Генри Мортона, знаменитого английского журналиста, который наверное лучше всех пишет о путешествиях по миру. Про нее и про Свет мира Мортон пространно рассказывает в своей книге о путешествии по Святой земле. Возвращаясь к Ханту - его картины я показывал уже не раз. Вот пример его работ из Музея искусств в Бирмингеме - http://lorien22.livejournal.com/262128.html (заодно полюбуйтесь на прекрасную японскую коллекцию Нэцке и Укиё-э). Кроме этого я рассказывал про него в ходе посещения Национального музея в Кардиффе - http://lorien22.livejournal.com/255303.html и галереи Уокер в Ливерпуле - http://lorien22.livejournal.com/256798.html. Кстати, если вы спрашиваете меня, какой из всех этих музеев самый "лучший" мне будет тяжело вам ответить. Скажу только, что как выяснилось далеко не только Лондону в Великобритании есть чем похвастаться в смысле искусства - если вы любите музеи, вам очень стоит поездить по всей стране. А мы пока отправимся дальше.
Томас Гейнсборо - девушка, собирающая вязанки
Ни один рассказ о Британских музеях не может обойтись без как минимум одной работы ведущего английского художника Томаса Гейнсборо. Эта работа - хороший пример полотна эпохи позднего Гейнсборо, которые первый президент королевской академии искусств сэр Джошуа Рейнольдс называл «изящными картинами». Здесь хорошо заметно сочетание умения рисовать фигуры (пока еще в классическом стиле, но позднее именно с этой школы выйдут новые "фигуративисты") и интереса к пейзажам.
Обычно это были случайные «анонимные» люди на вымышленном фоне. Настроение покорности и благодарности, которыое хорошо выражено на лице девочки нравилось богатым землевладельцам-покупателям картин. Новые законы тех времен сделали бедных еще более бедными и попавших в полную зависимость от прихоти их работодателей. Однако художник не решается выйти за пределы традиционного изображения, чтобы не злить своих патронов - кушать всем хотелось всегда, и хорошую спокойную жизнь никто не отменял.
Работа не закончена - художник не успел нарисовать полностью руки и ноги. Заметно влияние голландских, французских и испанских мастеров. При жизни художника эта картина не выставлялась, и на момент его смерти она находилась в его студии. К слову - 15 лет своей жизни Гейнсборо провел в Бате - http://lorien22.livejournal.com/266595.html, про музеи которого я пока не писал, но если спрос будет еще напишу)
Уильям Блейк - Портрет Гомера
Более известный своей поэзией, Блейк был еще и неплохим художником. Эта картина - из серии портретов голов 18 поэтов для своего патрона Уильяма Хейли, в стиле литературных традиций изображения голов поэтов и литераторов, украшавших дома в древнем Риме. Серия была размещена в библиотеке дома Хейли в Фелхаме, графство Сассекс. Склонный к оригинальности Блейк и здесь решил проявить себя, окружив Гомера персонажами из поэмы «Битва лягушек и мышей» - пародии на "Илиаду" и "Одиссею", выполненную неизвестным писателем.
Уильям Этти - Сирены и Улисс (Одиссей)
Раз уж мы о Гомере - плавный переход к следующему полотну. Этти выбрал для картины знаменитый фрагмент «Одиссеи» Гомера, когда Улисс ведет своих людей мимо сирен, которые заманивают их своими волшебными песнями, слыша которые люди теряют разум и погибают.
Одиссей спасается от сирен при помощи веревок, которыми он привязывает себя к кораблю. Своим людям он отдает указание залепить уши воском, чтобы не слышать смертельных песен. Художник рисовал трупы на картине с настоящих трупов, которые он видел в морге.
Этти считал эту картину одной из своих главных работ. Необычайно большая, она отражает его любимый подход: большая тема совместно с портретами чувственных фигур. Художник пытался подчеркнуть как сексуальное так и музыкальное притяжение, исходящее от сирен.
Художника часто критиковали за изображение обнаженных фигур. Эта картина подверглась еще большему остракизму, так как кроме обнаженной натуры здесь еще очень ярко выражена тема смерти. Что не помешало владельцу фабрики по обработке хлопка Даниэлю Гранту купить полотно.
Женская обнаженная фигура волновала не только Этти, но и многих других художников задолго до эпохи Модильяни и французских импрессионистов. Здесь например мы видим как обнаженные сирены заманивают в болото Нарцисса. А на следующей картине, помоему кисти Данте Габриэля Россети (тоже поэта по совместитетльству) - как дьявол соблазняет обнаженную Еву.
Тему обнаженки можно развивать вечно, благо она почти такая же популярная как котики, но поскольку все-таки речь не о ней, еще несколько интересных картин, прежде чем мы перейдем к фигуративистам.
Уильям Марлоу - Вид Лиона
Марлоу путешествовал по Франции и Италии в конце шестидесятых годов XVIII века, делая наброски городов, деревушек и исторических достопримечательностей. Потом дома в Англии он рисовал с набросков картины маслом, которые продавал как сувениры с «Большого Путешествия». Его работы пользовались большим успехом, поэтому зачастую он рисовал много версиё одной и той же темы. Этот вид на реку Саон и дворец Пьера Шиза был особенно популярен.
Марлоу преклонялся перед Каналетто, и, наподобие знаменитого итальянского живописца соединял в своих работах аккуратность отображения архитекутры и пейзажа, делая этой с яркостью, которая возбуждала человеческий интерес. Лодочник и супружеская пара на переднем плане оживляют набережную и создают правдивую сцену, которую турист мог бы увидеть в ходе своих путешествий.
Форд Мэддокс Браун - сон Байрона
Лорд Байрон был любимым поэтом Форда Мэддокса Брауна. Эта картина изображает частично автобиографическую поэму "Сон" - о неразделенной любви и ее влиянии на поэта. На ней изображен сам Байрон и его первая любовь Мэри Чавортс, сидящие на горе возле дома. Байрон использовал в поэме мотивы «Ромео и Джульетты», так как их семьи тоже не одобряли этот союз.
Байрон смотри на Мэри, но глаза девушки устремлены вдаль - на своего любовника Джека Мастерса, который скачет по долине, приближаясь к сидящим. Он подает девушке сигнал платком, что спрячет письмо для нее в секретном месте, о котором известно только им двоим.
Байрон никогда не простил Мэри, и говорил о ней даже на смертном одре, как о девушке, которая смогла бы придать смысл всему его существованию, сложись судьба немного иначе.
Питер Де Хох - Веселая компания из мужчины и двух женщин
Питер де Хох очень любил рисовать «веселые компании» людей, одетых в красивые одежды, и при красочных интерьерах. Здесь мы видим большой камин, мраморный пол и люстру, которые создают атмосферу богатого и благоустроенного дома. Однако такие украшения в то время можно было увидеть только в Ратушах и других общественных домах. Мрамор стоил очень дорого и крайне редко встречался в частных домах.
Темный интерьер был типичен для голландских домов, поскольку в то время окна были только спереди и сзади здания. Хох использует солнечный свет, струяющийся из открытой двери и разноцветный пол, чтобы добавить картине глубины и перспективы.
Хох переехал в Дельфт из Амстердама в 1661 году. Его картины очень похожи на полотна Вермеера - его современника. Оба рисовали домашние сцены из жизни среднего класса в пространных, заполненных светом интерьерах.
О Вермеере я вообще могу говорить вечно - когда-то я дал клятву увидеть все его 37 существующих картин. Ту же клятву я дал насчет увидеть 21 чудо света, и с картинами Вермеера дело обстоит чуть лучше. Год назад я увидел 28-ю по счету картину голландского живописца в Дублине - http://lorien22.livejournal.com/224721.html. Год до этого я специально поехал в Музей искусства Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне, только чтобы узнать, что картину Вермеера... украли - http://lorien22.livejournal.com/227998.html. Еще я как-то писал о стихитворении, которое посвятила Вермееру и культуре вообще моя любимая польская поэтесса Вислава Шимборска - http://lorien22.livejournal.com/177316.html
Давид Тенирс Младший - коттедж и пейзаж
Тенирс очень старательно выписывал все детали этой очень на первый взгляд простой картины. Две фигуры около коттеджа. Художник вообще известен своей аккуратностью и пристрастием к деталям. В нижнем правом углу мы видим бронзовое ведро, блестящее от света. Еще одна любопытная деталь - улыбающийся человек, выглядывающий из дверного проема. Мы также видим свинью, выглядывающий из своей хижины, и жующую морковку, и эта параллель заставляет нас задуматься о том, что именно хотел нам сказать художник.
Еше одна любопытная деталь - Тенирс был женат на дочери знаменитого художника Яна Брейгеля Старшего. Брак принёс ему солидное приданое, а также дружбу и покровительство Рубенса. О дружбе двух этих великих художников я писал в посте про Институт искусства Курто в Сомерсет-Хаусе в Лондоне - http://lorien22.livejournal.com/272138.html
Ян ван дер Хейден - улица в Кельне с недостроенным Собором в центре
Необычное чудо на вершине Кельнского собора - подъемный кран, установленный в середине XIV века. Собор строили много веков, и кран простоял на этом месте около 400 лет, став достопримечательностью сам по себе.
Ян ван дер Хейден базировался в Амстердаме, но зачастую путешествовал по Фландрии и Германии. Он очень любил рисовать городские пейзажи, и в особенности Кельн.
Как и Тенирс, Хейден очень скрупуплезно выписывал детали, испытывая особое пристрастие к кирпичам. Один из историков искусства был настолько впечатлен этим фактом, что написал в своей биографии про Хейдена: «можно увидеть даже строительный раствор в желобах между кирпичами - это потрясающе!»
О Кельнском соборе я тоже могу говорить вечно - http://lorien22.livejournal.com/269584.html.
Это - просто понравившаяся мне картина, которая послужит переходным звеном ко второй части моего поста:
Выставка фигуративных художников
Выставка картин Френсиса Бэкона, Люсьена Фрейда и Дэйвида Хокни собрана из коллекций Манчестерского музея искусств, галереи искусств Whitworth, и лондонской Arts Council Collection. В пост-военной Великобритании радикальное искусство подверглось современным влияниям Парижа и Нью-Йорка. В те годы главными веяниями в искусстве были сюрреализм, абстрактное искусство и уже входил в моду поп-арт. Параллельно им развивалась группа художников, впоследствии назвавших себя «Лондонская школа». У них была общая вера в то, что они могут найти новые возможности отображения реализма, и изобрести заново пути репрезентации человеческой фигуры - чтобы таким образом она лучше отражала пост-военную реальность и все ужасы Второй мировой войны.
«Фигуративные» художники Лондонской школы проводили все свое время в Национальной галерее, где изучали искусство Ренессанса и импрессионизм, видя в этих мастерах прошлого своих учителей. Они также подверглись местному влиянию довоенных британских художников - Уолтера Сикерта, Дэйвида Бомберга и реалистов школы Юстон-Роуд.
В 1970-х и 1980-х работы фигуративных художников наконец-то постигла заслуженная слава, и их картины возвели в ранг важнейших работ своего поколения. Насчет многих представителей этого течения по-прежнему ведутся горячие споры и дебаты, но уже нет сомнений что Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд, Франк Ауэрбах, Майкл Эндрюс, Леон Коссоф, Иэн Углоу и Дэйвид Хокни находятся в ранге классиков. Они нашли новый способ взгляда на мир - более напряженный, соединяющий в цвете то, что видели художники с тем, что они чувствовали.
Френсис Бэкон - портрет Люсьена Фрейда
Это - первый из серии портретов Фрейда, сделанных его другом Фрэнсисом Бэйконом. Фигура Люсиана занимает темное пространство, четко ограниченное типичными для Бэйкона "коробками" (линиями, создающими трехмерные квадраты). Френсис рисовал портрет по памяти используя фотографию Франца Кафки, опирающегося на колонну.
Френсис Бэкон - портрет Генриетты Мораес
Еще одна, более "типичная" работа Бэкона. Это второй портрет подруги Бэкона Генриетты Мораес из трех, сделанных художником. Мораес, как и Бэкон постоянно посещала «Колони-Рум», ночной клуб в лондонском Сохо. Бэкон предпочитал рисовать портреты вдалеке от своих натурщиков, используя фотографии как вспомогательный фактор. По его собственным словам, это помогало воображению «плыть более свободно». Для портрета выше он использовал фотографию Мораес из журнала «Vogue». Художник планировал сделать серию портретов с этой фотографии, но в итоге сделал только один, который перед нами.
Бэкон рисовал ночью используя электрические лампочки - лейтмотив, часто встречающийся в его работах. Начиная с холста, наполненного разреженными «худыми» красками, Бэкон потом «наполнял» холст рандомальными толстыми мазками, выплескивая краску на холст с кисточки или используя руки и даже рукава. Поэтому его фигуры выглядят выпотрошенными, освеженными, с содранной кожей, выставленными на свет в почти клиническом виде. Художник отмечал, что именно поэтому не рисует с натуры, так как «не хочет практиковать перед ними ту рану, которую наносит им в своих работах».
Люсьен Фрейд - Девушка в берете
На первых портретах Фрейда чувствуется сильное влияние Северного Ренессанса, в особенности таких художников как Ян ван Эйк, картины которых Люсьен старательно изучал в Национальной Галерее - та же интенсивность и работа с цветом. Вдобавок Фрейд использовал те же классические линии и внимательность к малейшим деталям, что и главный мастер классицизма XIX века Жан-Доминик Ингр.
Отметим внимание, которое Фрейд уделял изучению своих моделей - для того, чтобы нарисовать портрет, натурщик работал с ним более 150 часов. В итоге это придавало модели вид затравленного зверя, которое можно наблюдать и на этой картине неизвестной девочки. Это привело к тому, что один из критиков охарактеризовал технику Фрейда как «особый вид вдумчивого изучения натуры, который включает в себя долгое и медленное подкрадывание к тому самому главному, что нужно разглядеть».
Дэйвид Хокни - Петер К.
В ранних работах Хокни можно заметить использование трафаретной типографию и символизма (например красное сердце на этом портрете) совместно с более традиционными методами изображения поретов. Хокни был безответно влюблен в своего коллегу с Королевского колледжа искусств Питера Кратча. На портрете Кратч одет в модные брюки и тонкий галстук.
В оригинале Хокни планировал нарисовать два отдельных портрета Питера, но по его словам «Он стоял так красиво, что я соединил две картину в одно полноценное полотно».
Леон Коссоф - портрет Джорджа Томпсона
Коссоф рисовал портреты только самых близких своих друзей и членов семьи. Джорджа Томпсона он всегда называл просто «друг». "Дрожащая" линия и тяжелые, преувеличенные черты лица придают фигуре ритм жизни, но также намекают и на быстротекущее время и эффект старения тела. В этом портрете чувствуется нежность с одной стороны, и покорность с другой - Коссоф пытается сохранить своего друга в вечности, в застывшем моменте, но он понимает, что ничего не может поделать с течением жизни и времени.
Леон Коссоф - Железнодорожная дорога Йорк с Каледонской дороги, ненастный день
Из редких примеров того факта, что "фигуративисты" рисовали не только портреты. Железнодорожные пути возле перекрестка Уиллсден были постоянной темой для Коссофа - наверное потому, что находились недалеко от его студии. Массивные толстые мазки краски идут вразрез с воздушным эффектом света, созданного почти с имперссионистской легкостью при помощи использования белого и серого. Вместе с этим осязаемое присутствие краски и ее использование создает также ощущение сильного ветра, ударяющего по деревьям, и двигующим облака.
Коссоф так описывал свои впечатления от рабочего Лондона: "Странный, постоянно меняющийся свет, бесконечные улицы, содрагающее чувство расползающегося города задерживается у меня в голове бледно меркающее воспоминание давно забытого детства - которого может быть и не было вообще. Но если его обнаружить вновь и осветить, то оно улучшит боль от настоящего".
Небольшой экскурс к теме №1 - современные украшения в коридорах галерей Манчестерского музея.
И переходим вкратце к теме №3:
Выставка французских импрессионистов в художественной галерее Манчестера
Эта выставка отображает то волнение, которое вызвало новое французское искусство у поколения английских и шотландских художников, выросших из ужасов клаустрофобии, порожденной викторианской эпохой в искусстве.
Художники, раздвинувшие классические границы Академии и Салона, которых потом назвали "импрессионистами" рисовали быстрыми и свободными мазками, используя светлые краски там, где раньше использовали черный и коричневый. Они изучали деревенские пейзажи и восхищались ими, увлекались течением времен года и неулвимым моментом их смены. Британские художники, регулярно посещавшие Париж были в восторге от нового течения в искусстве, и они применяли этот новый метод, рисуя английские пейзажи, натюрморты, портреты и интерьеры.
Художники нового английского клуба искусств Георг Клаузен, Джон Сингер Сарджент и Филипп Уилсон Стиер соединяли в своих картиных стиль поздней викторианской эпохи и новые влияния, тем самы став претечей для нового поколения художников, уже полностью принявших импрессионизм: Юджин-Луи Боден, Чарльз Добиньи и Иона Йонгкинд.
Ну а пока английские художники ездили в Париж, француские мастера и их торговцы бежали от фрако-прусской войны в Лондон. Их картины увидело много людей в Англии и манчестерские коллекционеры даже купили несколько полотен. Именно их мы и видим на этой выставке.
П.С. В Эдвардианскую эпоху новые течения в французском искусстве тоже повлияли на английских и шотландских художников. В особенности это заметно в пост-импрессионистких работах Поля Гогена и Винсента Ван-Гога, в подражание которым в Лондоне создалась новая школа Camden Town Group, из которых вышли Гарольд Гильман и Чарльз Гиннер. Потом самое сильное влияние на английских живописцев, в том числе на Маттью Смита оказал французский экспрессионист Анри Матисс. Здесь можно видеть выставку его работ в Копенгагене - http://lorien22.livejournal.com/196998.html
Ренуар - Сидящая обнаженная
Этот портрет - типичная работа Ренуара с ее теплыми и светлыми тонами и своего рода поклон Рубенсу. Голландский мастер очень любил рисовать «мясистые», мягко говоря, фигуры. Удивительно, но эти картины очень нравились представителям буржуазного класса того времени (эталон женской красоты явно отличался от современного).
Поль Гоген - Порт в Дьеппе
Вначале Гоген был художником-любителем, коллекционирующим картины других импрессионистов. В 1875 году он встретился с Камиллем Писарро, который разглядел талант в молодом художнике, и попытался вдохновить его писать картины "на полную ставку". После того, как Гоген потерял работу (он работал брокером в Копенгагене), он решил стать полноценным художником. Эта картина - один из ярких примеров работы Поля в его короткий период увлечения импрессионизмом.
В 1885 году Гоген написал Писарро о том, что он находится в Дьеппе, и готовит картины к выставке импрессионистов 1886 года. Дьепп уже долгие годы привлекал своими пейзажами таких маститых художников как Коро и Боден, а в 1885 году Гоген очутился в Дьеппе в компании Дега, Ренуара, Моне, Уистлера и Сикерта. В итоге эту картину не выставляли в Салоне - ее купил парижский коллекционер, и долгие годы она была в частных коллекциях.
Пару лет спустя Гоген начал работать с Ван-Гогом в Арле, и очень быстро он начал рисовать очень колоритные и наполненные религиозным символизмом картины, которые вышли далеко за пределы импрессионизма и пост-импрессионизма.
Камиль Писарро - Улица в Лувесьене
Ну а вот и сам маэстро. Писарро родился на острове Сент-Томас в наполовину еврейской, наполовину креольской семье. Он был большим поклонником таланта Коро и его учеником. А так как он был на несколько лет старше Моне, Ренуара и Дега, то импрессионисты видели в нем своего рода «вдохновителя-первопроходца», отца-основателя стиля.
Писарро переехал в Лувесьен в 1869 году, но был вынужден практически сразу покинуть деревню из-за начала Франко-Прусской войны (1870-1871 гг), и сбежать в Англию. После того как он вернулся, вид улиц деревни в различные времена года стали для него постоянным мотивом для картин. На этом полотне изображена поздняя осень - ранний утренний свет, отбрасывающий тень сквозь деревья на крыши и мощеные камнем улочки. Художник использовал быстрые, легкие и светлые мазки, и счиатется, что это одна из его первых «настоящих» картин в стиле импрессионизма.
Сама картина долгие годы находилась и выставлялась в Лондоне. Потом ее купил коллекционер из Манчестера, и это первое импрессионистское полотно в английской коллекции! От себя добавлю, что в последнее время мне все больше и больше нравятся "умиротворяющие" пейзажи Писарро.
Яков Эпштейн - Больной ребенок (12 портрет Пегги Джин)
Эпштейн сделал целую серию изображений своей дочери Пегги, начиная с момента, когда ей было три месяца. Эта скульптура изображает ребенка в десять лет в интроспективном состоянии духа из-за болезни. Она наклоняется вперед, поддерживая себя руками - частью тела, обычно не отображающейся в традиционных скульптурных бюстах. Поза добавляет к интимному настроению, веющему от изображения.
Эпштейн часто чувствовал, что детей бросают на произвол судьбы, и что это - благодатная почва для изображения. Позднее он написал:
«Мы не любим изображать детей, поскольку они не могут усидеть на месте, и следовательно являются плохими натурщиками. А если мы заставим их сидеть тихо и не двигаться, мы разрушаем особый шарм и непосредственность, окружающие ребенка. Он становится ненатуральным. Тем не менее я раз за разом пытался передать эту тему в скульптуре.
Это - коллекция эмалей Гарольда Рэйби, о которой я уже подробно рассказывать не буду, так как ни у меня, ни чувствую у вас уже не хватит на это сил) Так, покажу несколько понравившихся мне экземпляров.
Будучи ребенком Гарольд Руби унаследовал маленькую расколотую коробочку из эмали, которая настолько поразила его воображение, что он начал коллекционировать предметы из английской эмали, собрав более 400 экземпляров входе первой середины XX века. В основном предметы были сделаны в Стаффордшире, и датировались 1750-1820 годами. Для Руби они симвозилировали последнюю эпоху элегантности, и давали некий внутренний взгляд на социальные обычаи давно ушедшего прошлого.
Руби был простым банковским служащим, поэтому не имел лишних средств для покупки предметов в свою коллекцию. Поэтому он старался покупать по одному из каждого вида эмалей, появлявшихся на рынке: коробки для ниток, для нюхательного табака, для свечей, чайницы, парфюмерные бутылочки...
В годы войны Гарольд даже рисковал жизнью, и посещал распродажи во время воздушных бомбежек Лондона.
Напоследок чуть-чуть себя любимого "а-ля Хичкок"
И уходим из музея
Всем спасибо за внимание. Ну а тем, кто дочитал и усвоил (а также откомментирует и поблагодарит автора сего поста за сизифов труд) - главный приз: Мороженое!!
1) Очень удачное и оригинальное сочетание шедеров старых мастеров и современных художников и произведений искусства
2) Выставку "фигуративных" художников во главе с Френсисом Бэконом, Люсьеном Фрейдом и Дэйвидом Хокни
3) Выставку французских импрессионистов и пост-импрессионистов и их влияние на ведущих английских и шотландских живописцев
Начнем мы именно с сочетания "классических" картин старых мастеров и современных произведений, которое, как можно судить по фотографии сверху, очень притягивают глаз.
Как мы видим, в правом углу "классические" картины, а слева - "современное" искусство. Очень любопытно
Над творением в центре я просто завис
Еще несколько примеров
Опять - сверху "классическая" работа, снизу граффити самого Бэнкси, наверное самого популярного художника современности
Еще одно сочетание "традиционное-современное"
Теперь просто немного современных творений, развешенных по залам
Это чертово советское воспитание. Кроме как "Романенко нарисовал лошадь" ничего в голову не лезет)
Еще одно сочетание нового и старого - картина Уильяма Холлмана Ханта и современное искусство
Здесь мы сделаем плавный переход, и расскажем о картине, да и о художнике поподробнее. Называется полонто Тень Смерти. Здесь Хант соединяет повседневные детали с религиозным символизмом, с целью создать богатое смыслом полотно. Вымышленный момент из жизни Христа отражает всю его жизнь и страдания.
Тень от рук Христа предсказывает его будущее распятие. Вставшая на колени дева Мария открывает ящик с подарками от волхвов - намек на рождение Иисуса. Арочное окно позади Христа создает своего рода "нимб".
Хант всегда пытался добиться максимального реализма в своих картинах. Поставив перед собой цель изобразить библейский пейзаж с максимальной аккуратностью, художник много раз ездил в Иерусалим, о чем я уже неоднократно рассказывал. Особенно художник любил сидеть у монастыря Мар Элиас, где даже сохранилась его "скамеечка" - http://lorien22.livejournal.com/142977.html. А жил он на улице ха-Невиим, в том самом доме, где потом жила поэтесса Рахель - http://lorien22.livejournal.com/245271.html. Отметим, что несмотря на это, изображение "библейских" ландшафтов давалось художнику с большим трудом и стоил ему немало мук. Насчет конкретно этой кратины - многим критикам не понравилось изображение Христа простым рабочим, но картина практически моментально стала популярной, и с нее было сделано более 4000 литографий.
Уильям Холлман Хант - Свет Мира
Еще одна картина Ханта, перекликающаяся с предыдущей. Дверь, в которую стучит Иисус - это человеческая душа. Обратите внимание, что она вся заросла сорняками. Художник рисовал картину ночью при лунном свете с целью сделать ее более убедительной. Но он по-прежнему хотел, чтобы фигура Иисуса выглядела сверхестественной. Поэтому он играет с разными вариациями света. Нимб, фонарь, символический рассвет - все это напоминает нам, что Иисус несет свет в окружающую мир тьму. Есть три вариации этой картины. Как и прошлая картина, она разошлась по всему миру огромным количеством литографий, и это один из самых популярных имаджей христианского мира.
И еще одна картина Ханта - Козел отпущения. Это, кстати, любимая картина Генри Мортона, знаменитого английского журналиста, который наверное лучше всех пишет о путешествиях по миру. Про нее и про Свет мира Мортон пространно рассказывает в своей книге о путешествии по Святой земле. Возвращаясь к Ханту - его картины я показывал уже не раз. Вот пример его работ из Музея искусств в Бирмингеме - http://lorien22.livejournal.com/262128.html (заодно полюбуйтесь на прекрасную японскую коллекцию Нэцке и Укиё-э). Кроме этого я рассказывал про него в ходе посещения Национального музея в Кардиффе - http://lorien22.livejournal.com/255303.html и галереи Уокер в Ливерпуле - http://lorien22.livejournal.com/256798.html. Кстати, если вы спрашиваете меня, какой из всех этих музеев самый "лучший" мне будет тяжело вам ответить. Скажу только, что как выяснилось далеко не только Лондону в Великобритании есть чем похвастаться в смысле искусства - если вы любите музеи, вам очень стоит поездить по всей стране. А мы пока отправимся дальше.
Томас Гейнсборо - девушка, собирающая вязанки
Ни один рассказ о Британских музеях не может обойтись без как минимум одной работы ведущего английского художника Томаса Гейнсборо. Эта работа - хороший пример полотна эпохи позднего Гейнсборо, которые первый президент королевской академии искусств сэр Джошуа Рейнольдс называл «изящными картинами». Здесь хорошо заметно сочетание умения рисовать фигуры (пока еще в классическом стиле, но позднее именно с этой школы выйдут новые "фигуративисты") и интереса к пейзажам.
Обычно это были случайные «анонимные» люди на вымышленном фоне. Настроение покорности и благодарности, которыое хорошо выражено на лице девочки нравилось богатым землевладельцам-покупателям картин. Новые законы тех времен сделали бедных еще более бедными и попавших в полную зависимость от прихоти их работодателей. Однако художник не решается выйти за пределы традиционного изображения, чтобы не злить своих патронов - кушать всем хотелось всегда, и хорошую спокойную жизнь никто не отменял.
Работа не закончена - художник не успел нарисовать полностью руки и ноги. Заметно влияние голландских, французских и испанских мастеров. При жизни художника эта картина не выставлялась, и на момент его смерти она находилась в его студии. К слову - 15 лет своей жизни Гейнсборо провел в Бате - http://lorien22.livejournal.com/266595.html, про музеи которого я пока не писал, но если спрос будет еще напишу)
Уильям Блейк - Портрет Гомера
Более известный своей поэзией, Блейк был еще и неплохим художником. Эта картина - из серии портретов голов 18 поэтов для своего патрона Уильяма Хейли, в стиле литературных традиций изображения голов поэтов и литераторов, украшавших дома в древнем Риме. Серия была размещена в библиотеке дома Хейли в Фелхаме, графство Сассекс. Склонный к оригинальности Блейк и здесь решил проявить себя, окружив Гомера персонажами из поэмы «Битва лягушек и мышей» - пародии на "Илиаду" и "Одиссею", выполненную неизвестным писателем.
Уильям Этти - Сирены и Улисс (Одиссей)
Раз уж мы о Гомере - плавный переход к следующему полотну. Этти выбрал для картины знаменитый фрагмент «Одиссеи» Гомера, когда Улисс ведет своих людей мимо сирен, которые заманивают их своими волшебными песнями, слыша которые люди теряют разум и погибают.
Одиссей спасается от сирен при помощи веревок, которыми он привязывает себя к кораблю. Своим людям он отдает указание залепить уши воском, чтобы не слышать смертельных песен. Художник рисовал трупы на картине с настоящих трупов, которые он видел в морге.
Этти считал эту картину одной из своих главных работ. Необычайно большая, она отражает его любимый подход: большая тема совместно с портретами чувственных фигур. Художник пытался подчеркнуть как сексуальное так и музыкальное притяжение, исходящее от сирен.
Художника часто критиковали за изображение обнаженных фигур. Эта картина подверглась еще большему остракизму, так как кроме обнаженной натуры здесь еще очень ярко выражена тема смерти. Что не помешало владельцу фабрики по обработке хлопка Даниэлю Гранту купить полотно.
Женская обнаженная фигура волновала не только Этти, но и многих других художников задолго до эпохи Модильяни и французских импрессионистов. Здесь например мы видим как обнаженные сирены заманивают в болото Нарцисса. А на следующей картине, помоему кисти Данте Габриэля Россети (тоже поэта по совместитетльству) - как дьявол соблазняет обнаженную Еву.
Тему обнаженки можно развивать вечно, благо она почти такая же популярная как котики, но поскольку все-таки речь не о ней, еще несколько интересных картин, прежде чем мы перейдем к фигуративистам.
Уильям Марлоу - Вид Лиона
Марлоу путешествовал по Франции и Италии в конце шестидесятых годов XVIII века, делая наброски городов, деревушек и исторических достопримечательностей. Потом дома в Англии он рисовал с набросков картины маслом, которые продавал как сувениры с «Большого Путешествия». Его работы пользовались большим успехом, поэтому зачастую он рисовал много версиё одной и той же темы. Этот вид на реку Саон и дворец Пьера Шиза был особенно популярен.
Марлоу преклонялся перед Каналетто, и, наподобие знаменитого итальянского живописца соединял в своих работах аккуратность отображения архитекутры и пейзажа, делая этой с яркостью, которая возбуждала человеческий интерес. Лодочник и супружеская пара на переднем плане оживляют набережную и создают правдивую сцену, которую турист мог бы увидеть в ходе своих путешествий.
Форд Мэддокс Браун - сон Байрона
Лорд Байрон был любимым поэтом Форда Мэддокса Брауна. Эта картина изображает частично автобиографическую поэму "Сон" - о неразделенной любви и ее влиянии на поэта. На ней изображен сам Байрон и его первая любовь Мэри Чавортс, сидящие на горе возле дома. Байрон использовал в поэме мотивы «Ромео и Джульетты», так как их семьи тоже не одобряли этот союз.
Байрон смотри на Мэри, но глаза девушки устремлены вдаль - на своего любовника Джека Мастерса, который скачет по долине, приближаясь к сидящим. Он подает девушке сигнал платком, что спрячет письмо для нее в секретном месте, о котором известно только им двоим.
Байрон никогда не простил Мэри, и говорил о ней даже на смертном одре, как о девушке, которая смогла бы придать смысл всему его существованию, сложись судьба немного иначе.
Питер Де Хох - Веселая компания из мужчины и двух женщин
Питер де Хох очень любил рисовать «веселые компании» людей, одетых в красивые одежды, и при красочных интерьерах. Здесь мы видим большой камин, мраморный пол и люстру, которые создают атмосферу богатого и благоустроенного дома. Однако такие украшения в то время можно было увидеть только в Ратушах и других общественных домах. Мрамор стоил очень дорого и крайне редко встречался в частных домах.
Темный интерьер был типичен для голландских домов, поскольку в то время окна были только спереди и сзади здания. Хох использует солнечный свет, струяющийся из открытой двери и разноцветный пол, чтобы добавить картине глубины и перспективы.
Хох переехал в Дельфт из Амстердама в 1661 году. Его картины очень похожи на полотна Вермеера - его современника. Оба рисовали домашние сцены из жизни среднего класса в пространных, заполненных светом интерьерах.
О Вермеере я вообще могу говорить вечно - когда-то я дал клятву увидеть все его 37 существующих картин. Ту же клятву я дал насчет увидеть 21 чудо света, и с картинами Вермеера дело обстоит чуть лучше. Год назад я увидел 28-ю по счету картину голландского живописца в Дублине - http://lorien22.livejournal.com/224721.html. Год до этого я специально поехал в Музей искусства Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне, только чтобы узнать, что картину Вермеера... украли - http://lorien22.livejournal.com/227998.html. Еще я как-то писал о стихитворении, которое посвятила Вермееру и культуре вообще моя любимая польская поэтесса Вислава Шимборска - http://lorien22.livejournal.com/177316.html
Давид Тенирс Младший - коттедж и пейзаж
Тенирс очень старательно выписывал все детали этой очень на первый взгляд простой картины. Две фигуры около коттеджа. Художник вообще известен своей аккуратностью и пристрастием к деталям. В нижнем правом углу мы видим бронзовое ведро, блестящее от света. Еще одна любопытная деталь - улыбающийся человек, выглядывающий из дверного проема. Мы также видим свинью, выглядывающий из своей хижины, и жующую морковку, и эта параллель заставляет нас задуматься о том, что именно хотел нам сказать художник.
Еше одна любопытная деталь - Тенирс был женат на дочери знаменитого художника Яна Брейгеля Старшего. Брак принёс ему солидное приданое, а также дружбу и покровительство Рубенса. О дружбе двух этих великих художников я писал в посте про Институт искусства Курто в Сомерсет-Хаусе в Лондоне - http://lorien22.livejournal.com/272138.html
Ян ван дер Хейден - улица в Кельне с недостроенным Собором в центре
Необычное чудо на вершине Кельнского собора - подъемный кран, установленный в середине XIV века. Собор строили много веков, и кран простоял на этом месте около 400 лет, став достопримечательностью сам по себе.
Ян ван дер Хейден базировался в Амстердаме, но зачастую путешествовал по Фландрии и Германии. Он очень любил рисовать городские пейзажи, и в особенности Кельн.
Как и Тенирс, Хейден очень скрупуплезно выписывал детали, испытывая особое пристрастие к кирпичам. Один из историков искусства был настолько впечатлен этим фактом, что написал в своей биографии про Хейдена: «можно увидеть даже строительный раствор в желобах между кирпичами - это потрясающе!»
О Кельнском соборе я тоже могу говорить вечно - http://lorien22.livejournal.com/269584.html.
Это - просто понравившаяся мне картина, которая послужит переходным звеном ко второй части моего поста:
Выставка фигуративных художников
Выставка картин Френсиса Бэкона, Люсьена Фрейда и Дэйвида Хокни собрана из коллекций Манчестерского музея искусств, галереи искусств Whitworth, и лондонской Arts Council Collection. В пост-военной Великобритании радикальное искусство подверглось современным влияниям Парижа и Нью-Йорка. В те годы главными веяниями в искусстве были сюрреализм, абстрактное искусство и уже входил в моду поп-арт. Параллельно им развивалась группа художников, впоследствии назвавших себя «Лондонская школа». У них была общая вера в то, что они могут найти новые возможности отображения реализма, и изобрести заново пути репрезентации человеческой фигуры - чтобы таким образом она лучше отражала пост-военную реальность и все ужасы Второй мировой войны.
«Фигуративные» художники Лондонской школы проводили все свое время в Национальной галерее, где изучали искусство Ренессанса и импрессионизм, видя в этих мастерах прошлого своих учителей. Они также подверглись местному влиянию довоенных британских художников - Уолтера Сикерта, Дэйвида Бомберга и реалистов школы Юстон-Роуд.
В 1970-х и 1980-х работы фигуративных художников наконец-то постигла заслуженная слава, и их картины возвели в ранг важнейших работ своего поколения. Насчет многих представителей этого течения по-прежнему ведутся горячие споры и дебаты, но уже нет сомнений что Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд, Франк Ауэрбах, Майкл Эндрюс, Леон Коссоф, Иэн Углоу и Дэйвид Хокни находятся в ранге классиков. Они нашли новый способ взгляда на мир - более напряженный, соединяющий в цвете то, что видели художники с тем, что они чувствовали.
Френсис Бэкон - портрет Люсьена Фрейда
Это - первый из серии портретов Фрейда, сделанных его другом Фрэнсисом Бэйконом. Фигура Люсиана занимает темное пространство, четко ограниченное типичными для Бэйкона "коробками" (линиями, создающими трехмерные квадраты). Френсис рисовал портрет по памяти используя фотографию Франца Кафки, опирающегося на колонну.
Френсис Бэкон - портрет Генриетты Мораес
Еще одна, более "типичная" работа Бэкона. Это второй портрет подруги Бэкона Генриетты Мораес из трех, сделанных художником. Мораес, как и Бэкон постоянно посещала «Колони-Рум», ночной клуб в лондонском Сохо. Бэкон предпочитал рисовать портреты вдалеке от своих натурщиков, используя фотографии как вспомогательный фактор. По его собственным словам, это помогало воображению «плыть более свободно». Для портрета выше он использовал фотографию Мораес из журнала «Vogue». Художник планировал сделать серию портретов с этой фотографии, но в итоге сделал только один, который перед нами.
Бэкон рисовал ночью используя электрические лампочки - лейтмотив, часто встречающийся в его работах. Начиная с холста, наполненного разреженными «худыми» красками, Бэкон потом «наполнял» холст рандомальными толстыми мазками, выплескивая краску на холст с кисточки или используя руки и даже рукава. Поэтому его фигуры выглядят выпотрошенными, освеженными, с содранной кожей, выставленными на свет в почти клиническом виде. Художник отмечал, что именно поэтому не рисует с натуры, так как «не хочет практиковать перед ними ту рану, которую наносит им в своих работах».
Люсьен Фрейд - Девушка в берете
На первых портретах Фрейда чувствуется сильное влияние Северного Ренессанса, в особенности таких художников как Ян ван Эйк, картины которых Люсьен старательно изучал в Национальной Галерее - та же интенсивность и работа с цветом. Вдобавок Фрейд использовал те же классические линии и внимательность к малейшим деталям, что и главный мастер классицизма XIX века Жан-Доминик Ингр.
Отметим внимание, которое Фрейд уделял изучению своих моделей - для того, чтобы нарисовать портрет, натурщик работал с ним более 150 часов. В итоге это придавало модели вид затравленного зверя, которое можно наблюдать и на этой картине неизвестной девочки. Это привело к тому, что один из критиков охарактеризовал технику Фрейда как «особый вид вдумчивого изучения натуры, который включает в себя долгое и медленное подкрадывание к тому самому главному, что нужно разглядеть».
Дэйвид Хокни - Петер К.
В ранних работах Хокни можно заметить использование трафаретной типографию и символизма (например красное сердце на этом портрете) совместно с более традиционными методами изображения поретов. Хокни был безответно влюблен в своего коллегу с Королевского колледжа искусств Питера Кратча. На портрете Кратч одет в модные брюки и тонкий галстук.
В оригинале Хокни планировал нарисовать два отдельных портрета Питера, но по его словам «Он стоял так красиво, что я соединил две картину в одно полноценное полотно».
Леон Коссоф - портрет Джорджа Томпсона
Коссоф рисовал портреты только самых близких своих друзей и членов семьи. Джорджа Томпсона он всегда называл просто «друг». "Дрожащая" линия и тяжелые, преувеличенные черты лица придают фигуре ритм жизни, но также намекают и на быстротекущее время и эффект старения тела. В этом портрете чувствуется нежность с одной стороны, и покорность с другой - Коссоф пытается сохранить своего друга в вечности, в застывшем моменте, но он понимает, что ничего не может поделать с течением жизни и времени.
Леон Коссоф - Железнодорожная дорога Йорк с Каледонской дороги, ненастный день
Из редких примеров того факта, что "фигуративисты" рисовали не только портреты. Железнодорожные пути возле перекрестка Уиллсден были постоянной темой для Коссофа - наверное потому, что находились недалеко от его студии. Массивные толстые мазки краски идут вразрез с воздушным эффектом света, созданного почти с имперссионистской легкостью при помощи использования белого и серого. Вместе с этим осязаемое присутствие краски и ее использование создает также ощущение сильного ветра, ударяющего по деревьям, и двигующим облака.
Коссоф так описывал свои впечатления от рабочего Лондона: "Странный, постоянно меняющийся свет, бесконечные улицы, содрагающее чувство расползающегося города задерживается у меня в голове бледно меркающее воспоминание давно забытого детства - которого может быть и не было вообще. Но если его обнаружить вновь и осветить, то оно улучшит боль от настоящего".
Небольшой экскурс к теме №1 - современные украшения в коридорах галерей Манчестерского музея.
И переходим вкратце к теме №3:
Выставка французских импрессионистов в художественной галерее Манчестера
Эта выставка отображает то волнение, которое вызвало новое французское искусство у поколения английских и шотландских художников, выросших из ужасов клаустрофобии, порожденной викторианской эпохой в искусстве.
Художники, раздвинувшие классические границы Академии и Салона, которых потом назвали "импрессионистами" рисовали быстрыми и свободными мазками, используя светлые краски там, где раньше использовали черный и коричневый. Они изучали деревенские пейзажи и восхищались ими, увлекались течением времен года и неулвимым моментом их смены. Британские художники, регулярно посещавшие Париж были в восторге от нового течения в искусстве, и они применяли этот новый метод, рисуя английские пейзажи, натюрморты, портреты и интерьеры.
Художники нового английского клуба искусств Георг Клаузен, Джон Сингер Сарджент и Филипп Уилсон Стиер соединяли в своих картиных стиль поздней викторианской эпохи и новые влияния, тем самы став претечей для нового поколения художников, уже полностью принявших импрессионизм: Юджин-Луи Боден, Чарльз Добиньи и Иона Йонгкинд.
Ну а пока английские художники ездили в Париж, француские мастера и их торговцы бежали от фрако-прусской войны в Лондон. Их картины увидело много людей в Англии и манчестерские коллекционеры даже купили несколько полотен. Именно их мы и видим на этой выставке.
П.С. В Эдвардианскую эпоху новые течения в французском искусстве тоже повлияли на английских и шотландских художников. В особенности это заметно в пост-импрессионистких работах Поля Гогена и Винсента Ван-Гога, в подражание которым в Лондоне создалась новая школа Camden Town Group, из которых вышли Гарольд Гильман и Чарльз Гиннер. Потом самое сильное влияние на английских живописцев, в том числе на Маттью Смита оказал французский экспрессионист Анри Матисс. Здесь можно видеть выставку его работ в Копенгагене - http://lorien22.livejournal.com/196998.html
Ренуар - Сидящая обнаженная
Этот портрет - типичная работа Ренуара с ее теплыми и светлыми тонами и своего рода поклон Рубенсу. Голландский мастер очень любил рисовать «мясистые», мягко говоря, фигуры. Удивительно, но эти картины очень нравились представителям буржуазного класса того времени (эталон женской красоты явно отличался от современного).
Поль Гоген - Порт в Дьеппе
Вначале Гоген был художником-любителем, коллекционирующим картины других импрессионистов. В 1875 году он встретился с Камиллем Писарро, который разглядел талант в молодом художнике, и попытался вдохновить его писать картины "на полную ставку". После того, как Гоген потерял работу (он работал брокером в Копенгагене), он решил стать полноценным художником. Эта картина - один из ярких примеров работы Поля в его короткий период увлечения импрессионизмом.
В 1885 году Гоген написал Писарро о том, что он находится в Дьеппе, и готовит картины к выставке импрессионистов 1886 года. Дьепп уже долгие годы привлекал своими пейзажами таких маститых художников как Коро и Боден, а в 1885 году Гоген очутился в Дьеппе в компании Дега, Ренуара, Моне, Уистлера и Сикерта. В итоге эту картину не выставляли в Салоне - ее купил парижский коллекционер, и долгие годы она была в частных коллекциях.
Пару лет спустя Гоген начал работать с Ван-Гогом в Арле, и очень быстро он начал рисовать очень колоритные и наполненные религиозным символизмом картины, которые вышли далеко за пределы импрессионизма и пост-импрессионизма.
Камиль Писарро - Улица в Лувесьене
Ну а вот и сам маэстро. Писарро родился на острове Сент-Томас в наполовину еврейской, наполовину креольской семье. Он был большим поклонником таланта Коро и его учеником. А так как он был на несколько лет старше Моне, Ренуара и Дега, то импрессионисты видели в нем своего рода «вдохновителя-первопроходца», отца-основателя стиля.
Писарро переехал в Лувесьен в 1869 году, но был вынужден практически сразу покинуть деревню из-за начала Франко-Прусской войны (1870-1871 гг), и сбежать в Англию. После того как он вернулся, вид улиц деревни в различные времена года стали для него постоянным мотивом для картин. На этом полотне изображена поздняя осень - ранний утренний свет, отбрасывающий тень сквозь деревья на крыши и мощеные камнем улочки. Художник использовал быстрые, легкие и светлые мазки, и счиатется, что это одна из его первых «настоящих» картин в стиле импрессионизма.
Сама картина долгие годы находилась и выставлялась в Лондоне. Потом ее купил коллекционер из Манчестера, и это первое импрессионистское полотно в английской коллекции! От себя добавлю, что в последнее время мне все больше и больше нравятся "умиротворяющие" пейзажи Писарро.
Яков Эпштейн - Больной ребенок (12 портрет Пегги Джин)
Эпштейн сделал целую серию изображений своей дочери Пегги, начиная с момента, когда ей было три месяца. Эта скульптура изображает ребенка в десять лет в интроспективном состоянии духа из-за болезни. Она наклоняется вперед, поддерживая себя руками - частью тела, обычно не отображающейся в традиционных скульптурных бюстах. Поза добавляет к интимному настроению, веющему от изображения.
Эпштейн часто чувствовал, что детей бросают на произвол судьбы, и что это - благодатная почва для изображения. Позднее он написал:
«Мы не любим изображать детей, поскольку они не могут усидеть на месте, и следовательно являются плохими натурщиками. А если мы заставим их сидеть тихо и не двигаться, мы разрушаем особый шарм и непосредственность, окружающие ребенка. Он становится ненатуральным. Тем не менее я раз за разом пытался передать эту тему в скульптуре.
Это - коллекция эмалей Гарольда Рэйби, о которой я уже подробно рассказывать не буду, так как ни у меня, ни чувствую у вас уже не хватит на это сил) Так, покажу несколько понравившихся мне экземпляров.
Будучи ребенком Гарольд Руби унаследовал маленькую расколотую коробочку из эмали, которая настолько поразила его воображение, что он начал коллекционировать предметы из английской эмали, собрав более 400 экземпляров входе первой середины XX века. В основном предметы были сделаны в Стаффордшире, и датировались 1750-1820 годами. Для Руби они симвозилировали последнюю эпоху элегантности, и давали некий внутренний взгляд на социальные обычаи давно ушедшего прошлого.
Руби был простым банковским служащим, поэтому не имел лишних средств для покупки предметов в свою коллекцию. Поэтому он старался покупать по одному из каждого вида эмалей, появлявшихся на рынке: коробки для ниток, для нюхательного табака, для свечей, чайницы, парфюмерные бутылочки...
В годы войны Гарольд даже рисковал жизнью, и посещал распродажи во время воздушных бомбежек Лондона.
Напоследок чуть-чуть себя любимого "а-ля Хичкок"
И уходим из музея
Всем спасибо за внимание. Ну а тем, кто дочитал и усвоил (а также откомментирует и поблагодарит автора сего поста за сизифов труд) - главный приз: Мороженое!!