ЕВРЕЙСКИЙ АКЦЕНТ В РУССКОМ АВАНГАРДЕ. Часть 2.
Оригинал взят у vanatik05 в ЕВРЕЙСКИЙ АКЦЕНТ В РУССКОМ АВАНГАРДЕ. Часть 2.
И завыли по-волчьи запасники:
«Мы - не частники. Мы не участники
в гнусной краже искусства России.
В склады краденого нас превратили…
Чем вас живопись так испугала,
если прячут в подвалах Шагала?..
И устои Кремля исполинского
рухнут,если покажут Кандинского?»
Евгений Евтушенко. 1971.
Как мы уже говорили в первой части, в СССР еврейство не было поставлено перед выбором между интернационализмом и поиском культурной идентичности, но это справедливо только вплоть до возникновения Государства Израиль. Во время же сталинской кампании по борьбе с космополитизмом и после ее прекращения евреи оказались под подозрением в скрытой лояльности Израилю. А после разрешения евреям выезжать в Израиль каждый из них стал автоматически рассматриваться властями и окружающими как потенциальный эмигрант. Это отталкивало еврейских художников в сторону нонконформизма, приводило их к внутренней эмиграции, и часто - к вынужденному отъезду из страны. Полуофициальный статус евреев как потенциальных эмигрантов создал психологическую дистанцию между ними и остальным советским населением. Они оказались, по меткому определению Бориса Гройса, "на краю или в углу", это положение дистанцирования от советской действительности приводило к появлению двух направлений в еврейской культурной среде: к поискам еврейской национальной идентичности, что наблюдалось у многих художников 60-70 годов, и к выходу в "универсальное", к насмешливой игре с символикой и идеологией социализма, к неприятию массовой культуры и к уходу в нонконформизм у большинства художников 70-80 годов.
Художник Михаил Гробман говорит о "втором русском авангарде так: "Нас называли диссидентами, нонконформистами, давали самые нелепые названия, в основном придуманные западными журналистами. Я ввел термин «второй русский авангард», и долгое время его никто не принимал, предпочитая другие названия. Теперь все пользуются этим термином..." Началом второго авангарда можно считать 1957 год, когда в Москве в во время международного фестиваля молодежи и студентов прошла выставка произведений современного западного искусства. Знакомство с этим искусством оказало огромное влияние на творчество многих советских художников: идеи европейских и американских художников оказались толчком к созданию своей новой эстетики. По мнению Гробмана, только они, а не просто подражатнли западным образцам имеют право называться настоящими авангардистами.
Михаил Шварцман (1926-1997), представитель второй волны русского авангарда, художник-монументалист, мистик и философ, педагог, великолепный график, родился в семье нэпмана. После окончания эпохи НЭПа семья вынуждена была скрываться от преследований власти, отца репрессировали и он вскоре погиб в лагере, мать сослали в Сибирь, а мальчика отдали в интернат, откуда он прямиком ушел в армию в 1944 году.
Демобилизовавшись в 1950 году, Шварцман учился в Строгановском училище, после блестящего окончания которого занимался оформлением книг, промышленным дизайном, рисовал плакаты. У него сложился свой стиль «другого искусства», не похожий ни на один из существовавших в то время.
Свои произведения художник стал называть «иературами», а свою концепцию - «иератизмом», производя этот термин от древнегреческого hieros - «священный», «знаковый» - и считая ее «языком третьего тысячелетия». «Это Структурный Закон Универсума, первопринцип, по которому строится многоуровневая иерархия космогонических сил и начал. Иература проявляется визуально как система кодов, определяя взаимодействия пространства-формы-света-поверхности..."
( если честно, я ничего не поняла ни в определении, ни в самих работах, видно, мне не дано). При жизни Шварцман почти не продавал своих картин, только после его смерти в 1997 году его работы вошли в наиболее значительные, в основном частные, собрания «неофициального» искусства,
а в России первая персональная выставка шварцмановских иератур состоялась в 1994 году.
Оскар Яковлевич Рабин (рожд.1928), знаковая фигура советской независимой культуры, возникшей в эпоху «оттепели», родился в Москве в семье врачей, рано остался сиротой, учился в студии Е.Кропивницкого, который в годы войны заменил ему родителей. Затем учился в Рижской Академии художеств, в эти юношеские годы увлекался романтизмом.
В 1948 Рабин поступает сразу на 2 курс Суриковского училища в мастерскую Сергея Герасимова, но уже через год его исключают за "формализм" и он возвращается к Кропивнцкому, вокруг которого создается "Лианозовская группа". Лагерный барак, в котором жили в Лианозово Оскар с женой, Вылентиной Кропивницкой, становится центром притяжения творчесой интеллигенции, очагом неофициального искусства, как позже и их квартира в Москве, где устраиваются выставки, вечера поэзии, получившие известность на Западе.
Рабин, продолжая традиции европейского импрессионизма 20-х годов и желая отразить абсурдность, антигуманность среды обитания советского человека, использует в своих работах искажение перспективы, деформацию предметов, нарушения масштаба. Они производят мрачное, гнетущее впечатление, недаром на Западе его называли "Солженициным в живописи". Пресса критикует Рабина за "очернение Советского Союза, депрессивность картин, подыгрывание буржуазным критикам социализма".
"Смутный, перепуганный, неврастенический мирок встаёт в холстах художника. Скособоченные дома, кривые окна, селёдочные головы, измызганные стены бараков - всё это выглядело бы заурядной предвзятостью обывателя, если бы не было перемножено с многозначительной символикой бессмысленности."- «Советская культура» 14 июня 1966 года.
После того, как в 1974 году Рабин был инициатором и участником "Бульдозерной" и "Измайловской" выставок, он был обвинен в тунеядстве, постоянно подвергался нападкам, а после санкционированной властями поездки во Францию в 1978 году, был лишен гражданства и вынужден был остаться в Париже. Только в 1991 году, после возвращения ему годом раньше гражданства, состоялась его первая выставка в Москве, в Третьяковской галерее. ( Просто к сведению, как пример: в 2007 году продано 28 работ Оскара Рабина на общую сумму 1.339.106 евро.)
Жутовский, Борис Иосифович (рожд.1932) родился и живет в Москве. Закончил факультет художников книги Полиграфического института. "Человек широкой культуры, поистине безграничных интересов, веселый остроумец, на долю которого судьбой была отпущена полная мера болей и трагедий, байдарочник-путешественник и альпинист, философ и литератор, живописец и график, иллюстратор.... Он - профессионал, для которого «святое Ремесло» всегда с большой буквы..."(Нина Геташвили).
Сам он рассказывает о себе: "Мой отчим - из дворянской семьи на Тамбовщине. Когда ему был 21 год, случилась революция. Трижды он поступал в университеты, но его выгоняли, потому что он не был пролетарием."
"У одного прадеда было 15 детей, все работали в Белоруссии на железной дороге. Другой прадед по дедовой линии жил в деревне под Ржевом и занимал лапти, чтобы пойти на свадьбу в церковь. Как страна жила, так и семья жила. Молчали. Жить было страшно. Страх - доминанта жизни Советского Союза. Страх немного отступил, когда умер Сталин."
Знаменитая Выставка в Манеже в декабре 1962 года и личный скандал с Н. С. Хрущевым: «А кого изобразил Б. Жутовский? Урода! Посмотрите на его автопортрет. Напугаться можно. Как только не совестно человеку тратить свои силы на такое безобразие..." Н.С.Хрущев.
"Когда мы вышли из Манежа, у нас было ощущение, что стоят воронки и нас сейчас заберут. Страх. Но за этим ничего толком не последовало. Уже не сажали.Но два года я был без официальной работы." И 17 лет в СССР не выставлялся, но триумфально был экспонирован во многих городах мира.
"Через 8 лет Хрущев вдруг пригласил меня на свой день рождения (оказалось - последний) и сказал мне: "Ты на меня зла не держи; кто меня в Манеж завел - не помню". И добавил: "кто-то из больших художников сказал мне "Сталина на них нет", я так разозлился на него, а стал кричать на вас". Лукавство. Политики - это отдельные животные."
"Первая персональная выставка у меня была в 58 лет. Это было в 90-м году в Доме художника. За два года до выхода на законную пенсию. Такая страна! Но я, между прочим, иногда жалею о переменах. Потому что в то время я имел сопротивление. Было через что пробиваться! У меня были враги. А теперь я сам по себе."
Его серия "Последние люди империи" содержит более двух сотен графических портретов видных деятелей второй половины 20 столетия, писанных с натуры. Со многими из них художник Борис Жутовский был в хороших личных и даже дружеских отношениях.
"...На стене прозвенела гитара,
Зацвели на обоях цветы.
Одиночество Божьего дара -
Как прекрасно и горестно ты!"
Александр Галич.
"Живопись - это же любимая игра! Она должна доставлять удовольствие и мне, и тому, кто на это будет смотреть. Я не хочу быть лучше кого-то, это само по себе должно быть вкусно. Живопись должна источать энергию. А иначе - зачем?"
Эдуард Штейнберг (рожд.1937) родился в Москве, учился рисованию только в детском художественном кружке, а затем у своего отца, выпускника ВХУТЕМАСа, который и передал сыну традиции русского авангарда, эстетику и идеи русского супрематизма.
Главный французский эксперт по русскому искусству Жан-Клод Маркадэ пишет о нем: «Абсолютная оригинальность Штейнберга состоит в том, что он создает картины-иконы, изобразительные элементы которых приобретают аспект сверхчувственного. Во многом он развивает идеи Казимира Малевича..." Но по мнению самого художника его программа - "синтез супрематических форм и мистических идей русского символизма 10-х годов".
Ирина Кулик так пишет о его творчестве: "Он отказывается видеть в пересечении линий простую геометрическую форму и обязательно усматривает в ней христианский крест. Но и сам этот слегка покосившийся крест уже не хочет быть религиозным символом, а обязательно предполагает погост, вслед за которым в абстрактное полотно просачиваются избы, вороны, силуэты баб в платках и мужичков в картузах."
Язык геометрической абстракции оказался актуальным для мирового культурного контекста, но мне не дано понять этого вида искусства, я допускаю, что это может нравиться, что некоторые понимают глубинный скрытый смысл изображаемого, но...
Янкилевский Владимир Борисович (рожд.1938) родился в Москве, начинал обучение живописи у отца - художника, затем в художественной школе при институте Сурикова и в Полиграфическом институте. В 1962 году, вместе с другими художниками - нонконформистами участвовал в знаменитой выставке "30 лет МОСХа" в Манеже, где его картины раскритиковал Хрущев.
С тех пор и до 1978 года, когда состоялась его первая выставка в Москве, он работает в разных издательствах как художник-дизайнер. Сам он называет свое творчество "эпической экспрессией", когда "чувственность и эротизм соединяются с высочайшим уровнем концептуализации действительности". Главная тема его творчества - Человек на фоне Вечности, взаимодействие женского и мужского начала в мире, которое "очеловечивает" мировую гармонию.
Сегодня работы Владимира Янкилевского представлены в главных российских музеях и ведущих музеях мира, с 1989 года он живет и работает в Нью Йорке и Париже, иногда - в Москве.
Илья Кабаков (рожд.1933) родился в Днепропетровске в семье слесаря и бухгалтера. С началом войны эвакуировался с матерью в Самарканд, учился там в московской художественной школе, затем был переведен в Москву и после ее окончания учился в Суриковском институте на отделении графики. Начинал свою художественную карьеру молодой Кабаков иллюстратором детских книг.
С конца 50-х он стал заниматься живописью для себя, а в 60-х - стал активно участвовать в нонконформистских выставках в СССР и уже с 1965 года некоторые его работы экспонировались на выставках неофициального искусства в Европе. В 80-х годах Кабаков меньше занимается графикой, увлекается инсталляцией и начинает одну из своих самых известных работ - «Человек, который улетел в космос из своей комнаты», над которой работал 4 года.
В 1987 году он получает первый зарубежный грант от австрийского культурного фонда, а в 1989 после получения немецкой стипендии по академическому обмену переезжает в Берлин, а затем в США. Тогда же он начинает работать и выставляться вместе со своей женой Эмилией, тоже художницей. У Кабакова с тех пор прошло большое количество выставок в знаменитых музеях мира, в том числе в МоМА, Центре Помпиду, на Венецианской биеннале и других. В России начал выставляться с 2000 года, является почётным членом Российской академии художеств. После большой выставки «Russia!» в 2006 году музее Гуггенхайма, когда его инсталляция экспонировалась рядом с иконами Рублева, картинами Репина, Брюллова, Малевича и других "великих", он стал считаться зарубежом одним из самых известных русских художников конца 20 века. Для примера: работа Кабакова "Жук" была продана на аукционе в 2008 году за 5,84 миллиона долларов.
"Жук" в русском советском языке того времени - это не только визуальная метафора драгоценного камня в красивой оправе, но и обозначение хитрого человека, умеющего делать деньги. Серия «глянцевых» картин, к которой принадлежит «Жук», позволила Кабакову интегрировать в свое искусство умение соблазнять и удерживать зрителя иллюзорностью, что он позже использовал в своих проектах инсталляций." ( Екатерина ДЁГОТЬ).
В сентябре 2013 года в Москве состоялось открытие на Пионерском пруду Парка Горького художественного проекта Ильи и Эмилии Кабаковых «Корабль толерантности», более 300 школьников Москвы приняли участие в создании паруса для него.
«Художественный проект “Корабль толерантности” - это диалог, образец современного паблик-арта. “Корабль толерантности” обращен ко всем, а не к избранному кругу интеллектуалов, - считает Илья Кабаков. - Главное здесь - тема толерантности: не показать самого себя, чего хочет каждый взрослый или ребенок, а показать, что другой точно такой же, как и ты.».
Олег Целков (рожд.1934), родился в Москве в семье экономистов. "Отец у меня - из подмосковных крестьян, а мама из евреев, из Белоруссии. Я - живое воплощение могучего русско - еврейского единства. Время было гадкое," - говорит он о тех послевоенных годах. Неожиданно для себя самого юный Целков был принят в художественную школу для одаренных детей. "Таких школ было всего три на весь Союз. В Москве, Питере и Киеве. Сорок девятый год. Только что разогнали безродных космополитов. И тут появляюсь я…", - рассказывал он позже.
Потом Целков учился в Минском художественном институте и в Академии художеств имени Репина в Москве, был исключен, но закончил образование в Институте театра и кино.
Первая его "квартирная выставка" состоялась в 1956 году, а начиная с 1960 года он нашел и остался навсегда верен своей главной теме - лица-личины-маски. Олег Целков говорит: «...В живописи я подкидыш, бастард, сирота. Для меня не было и нет ни учителей, ни правил. Единственный закон - это я. Я и начало, и конец бытия. Главный судия это тоже я. Когда я в шестидесятом году написал впервые своего Морда - так я назвал потом этого странного героя, - то обалдел. Это был не портрет отдельно взятого субъекта, а портрет всеобщий, всех вместе в одной роже - и до ужаса знакомой. То есть я, сам того не ведая, случайно стянул маску со всех лиц сразу".
Первая официальная персональная выставка Олега Целкова прошла в 1965 году в Институте им. Курчатова и продержалась 2 дня, вторая в Доме Архитектора была закрыта через 15 минут после открытия, но с 70-х годов его работы выставляются и продаются в Европе и США.
В 1977 году он покидает СССР (по настойчивому "ппредложению" властей), живет в Париже, так и не приняв французского гражданства. Только в 2004 году впервые в России прошли его выставки, а в 2014 году - большая юбилейная выставка Олега Целкова «Бубновый туз».
"Я не могу иметь конкретных претензий ни к одному человеку, но я имею более чем конкретную претензию к массе людей, которые друг друга унижают, мучают, отправляют на тот свет.Эти претензии я вправе иметь и к прошлому, и к настоящему, и к будущему." - Олег Целков.
Виталий Комар (рожд.1943) родился в Москве в семье военных юристов. После детской художественной школы учился Строгановском училище. Там он познакомился с Александром Меламидом (рожд.1945), родившимся тоже в Москве в семье историка и публицистки. Уже с конца 60-х годов они начали работать вместе, и вскоре стали известны как основатели художественного течния "соц-арт", параллельного западному "поп-арту", некий синтез соцреализма и дадаизма, пародия на официальное советское искусство, его идеологию и образы современной массовой культуры.в СССР.
Художественный язык этого направления - ирония, гротеск, эпатаж, игра с символами и образами советской политической агитации. «Если поп-арт был порожден перепроизводством вещей и их рекламы, то соц-арт был порожден перепроизводством идеологии и ее пропаганды, включая пропаганду визуальную…»-Виталий Комар. В 1974 году Комар и Меламид были участниками знаменитой "Бульдозерной" выставки, а в 1978 году эмигрировали в Израиль, а уже оттуда в США.
В 1982 году состоялась их первая успешная выставка соц-арта в США, а в 1983 году МоМА и Метрополитен купили несколько их картин, они участвовали в концептульных проектах, сочетающих скульптуру, музыку, живопись и поэзию, стали первыми русскими художниками, получившими финансирование от Национального фонда искусств.
У них было множество различных проектов, иногда экзотических, как обучение рисованию слонов в Тайланде, организация исследований процесса избирательных кампаний или создание оперы "Голая револоюция" о Вашингтоне, Ленине и Дюшане. В 2004 году после того, как у них было 60 персональных и примерно 70 групповых выставок, они прекратили сотрудничество, каждый пошел своей дорогой. «Комар и Меламид заимствовали элементы официального мифа, переосмыслили его и предложили новый набор культурных парадигм». Маргарита Тупицына.
Михаил Гробман (рожд.1939) родился в Москве, заканчивал вечернюю школу, работая каменщиком на стройке, учился в Мухинском художественном училище, там же прошла в 1959 году его первая персональная выставка. Тогда же появилось выражение «к Мише Гробману в Текстильщики» - этот адрес был известен в широких кругах поклонников неофициального искусства 1960‑х и в КГБ.
Там в деревянном бараке, где он жил с женой и двумя детьми, был центр тогдашнего современного искусства, сюда приходили художники и поэты, здесь читали стихи, пили чай и кое-что покрепче. Сюда приходили коллекционеры, западные журналисты, русские эмигранты и зарубежные искусствоведы. Кабаков говорил о художниках этой группы так: «Самоубийственность удара, гладиаторство, риск, умирание в акте свойственны работам этой группы. Окончательно бескомпромиссные - вот главное впечатление от их работ. Подозревать, что они были сделаны для покупателей, тут невозможно».
Многие из них занимались саморазрушением, ходили "по краю", Гробмана удерживала от этого любимая жена и дети, он был для остальных «отцом и матерью и коллекционером». Он имел дар оценить качество работ, сумел увидеть их место в исторической перспективе, он дал определение направлению этой группы художников как «второй русский авангард".
К концу 60- годов, после Новочеркасска, Берлинской стены и танков в Праге перед многими евреями оставался только один выбор - национальное самоопределение. И Гробман, который и до этого жил в пространстве еврейской культуры, его сделал, одним из первых, уехав в 1971‑м в Израиль. Уже в Израиле он создал художественную группу "Левиафан", в основании которой лежали три главных "камня" - примитив, символ и буква.
в Израиле он ничуть не утратил своей бескомпромиссности и страстности. Гробман пишет: «Народность и религиозность - две колеи нашей дороги. Дороги к новому еврейскому искусству, достойному чуда возрождения Израиля».
Гриша Брускин (рожд.1945), родился в Москве, в большой семье (пять детей), учился в Текстильном институте и уже в 24 года был принят в Союз художников, но выставки его запрещались (например, в 1984 выставка Гриши Брускина в Центральном Доме работников искусств закрывают на следующий день , он практически не был известен публике.
Но в 1988 году на московском аукционе «Сотби» его работа «Фундаментальный лексикон» продана за рекордно высокую цену (930.000 долларов).
Он становится сразу знаменит, получает несколько зарубежных предложений и уже через неделю уезжает по культурному обмену в США, где и остается. У Брускина две основные темы творчества, первая - Книга (ТАНАХ и Каббала),он создает огромный 11-метровый гобелен, на котором вытканы 160 фигур еврейского фольклора, библейской и каббалистической мифологии.
и вторая тема - социальная мифология советского времени, закат империи. «Брускин рассматривает процесс заката советской империи в перспективе Ветхого Завета, обещающей закат и падение всех империй. Но в то же время его увлекает прежде всего эстетическая сторона этого упадка - эстетика упадка как таковая.» - Борис Гройс. Сам Брускин говорит о своем творчестве так: "То искусство, которым я занимаюсь, родилось в большой степени из чтения книг. Я считаю, что это - еврейский способ обращения к искусству..."
Живет Брускин сегодня в Америке, произведения его находятся в крупнейших музеях мира, а сам он считается одним из наиболее известных русских художников на Западе.
Заканчивая этот небольшой обзор русского авангарда и вклада в него художников еврейского происхождения, можно с некоторой долей юмора сказать, что в свое время евреи хотели походить на всех остальных, но все‑таки дождались времени, в котором все остальные начали походить на евреев.
И еще пару слов о музыке, которая сопровождает оба мои видеоклипа к теме. Она принадлежит не очень известному в наше время композитору Артуру Лурье (1892-1966), хотя когда-то В.Маяковский провозгласил:"Тот дурьё, кто не знает Лурьё!". В начале века имя этого композитора и музыканта гремело не меньше, чем имена Прокофьева или Стравинского. Но известен он был не только своей музыкой и исполнительским мастерством, но и своим романом с Анной Ахматовой. Они прожили вместе всего несколько лет, пока композитор не принял решение уехать на Запад. Списаться снова они смогли почти через полвека...
Итак, вы можете посмотреть тут видеоклип ко второй части
Ссылки:
http://www.eleven.co.il/categ/2300
http://www.evrey.com/index.php3
http://artandyou.ru/category/history
http://cultobzor.ru/ -
http://www.lechaim.ru/4470
http://www.kommersant.ru/doc/2684435
И завыли по-волчьи запасники:
«Мы - не частники. Мы не участники
в гнусной краже искусства России.
В склады краденого нас превратили…
Чем вас живопись так испугала,
если прячут в подвалах Шагала?..
И устои Кремля исполинского
рухнут,если покажут Кандинского?»
Евгений Евтушенко. 1971.
Как мы уже говорили в первой части, в СССР еврейство не было поставлено перед выбором между интернационализмом и поиском культурной идентичности, но это справедливо только вплоть до возникновения Государства Израиль. Во время же сталинской кампании по борьбе с космополитизмом и после ее прекращения евреи оказались под подозрением в скрытой лояльности Израилю. А после разрешения евреям выезжать в Израиль каждый из них стал автоматически рассматриваться властями и окружающими как потенциальный эмигрант. Это отталкивало еврейских художников в сторону нонконформизма, приводило их к внутренней эмиграции, и часто - к вынужденному отъезду из страны. Полуофициальный статус евреев как потенциальных эмигрантов создал психологическую дистанцию между ними и остальным советским населением. Они оказались, по меткому определению Бориса Гройса, "на краю или в углу", это положение дистанцирования от советской действительности приводило к появлению двух направлений в еврейской культурной среде: к поискам еврейской национальной идентичности, что наблюдалось у многих художников 60-70 годов, и к выходу в "универсальное", к насмешливой игре с символикой и идеологией социализма, к неприятию массовой культуры и к уходу в нонконформизм у большинства художников 70-80 годов.
Художник Михаил Гробман говорит о "втором русском авангарде так: "Нас называли диссидентами, нонконформистами, давали самые нелепые названия, в основном придуманные западными журналистами. Я ввел термин «второй русский авангард», и долгое время его никто не принимал, предпочитая другие названия. Теперь все пользуются этим термином..." Началом второго авангарда можно считать 1957 год, когда в Москве в во время международного фестиваля молодежи и студентов прошла выставка произведений современного западного искусства. Знакомство с этим искусством оказало огромное влияние на творчество многих советских художников: идеи европейских и американских художников оказались толчком к созданию своей новой эстетики. По мнению Гробмана, только они, а не просто подражатнли западным образцам имеют право называться настоящими авангардистами.
Михаил Шварцман (1926-1997), представитель второй волны русского авангарда, художник-монументалист, мистик и философ, педагог, великолепный график, родился в семье нэпмана. После окончания эпохи НЭПа семья вынуждена была скрываться от преследований власти, отца репрессировали и он вскоре погиб в лагере, мать сослали в Сибирь, а мальчика отдали в интернат, откуда он прямиком ушел в армию в 1944 году.
Демобилизовавшись в 1950 году, Шварцман учился в Строгановском училище, после блестящего окончания которого занимался оформлением книг, промышленным дизайном, рисовал плакаты. У него сложился свой стиль «другого искусства», не похожий ни на один из существовавших в то время.
Свои произведения художник стал называть «иературами», а свою концепцию - «иератизмом», производя этот термин от древнегреческого hieros - «священный», «знаковый» - и считая ее «языком третьего тысячелетия». «Это Структурный Закон Универсума, первопринцип, по которому строится многоуровневая иерархия космогонических сил и начал. Иература проявляется визуально как система кодов, определяя взаимодействия пространства-формы-света-поверхности..."
( если честно, я ничего не поняла ни в определении, ни в самих работах, видно, мне не дано). При жизни Шварцман почти не продавал своих картин, только после его смерти в 1997 году его работы вошли в наиболее значительные, в основном частные, собрания «неофициального» искусства,
а в России первая персональная выставка шварцмановских иератур состоялась в 1994 году.
Оскар Яковлевич Рабин (рожд.1928), знаковая фигура советской независимой культуры, возникшей в эпоху «оттепели», родился в Москве в семье врачей, рано остался сиротой, учился в студии Е.Кропивницкого, который в годы войны заменил ему родителей. Затем учился в Рижской Академии художеств, в эти юношеские годы увлекался романтизмом.
В 1948 Рабин поступает сразу на 2 курс Суриковского училища в мастерскую Сергея Герасимова, но уже через год его исключают за "формализм" и он возвращается к Кропивнцкому, вокруг которого создается "Лианозовская группа". Лагерный барак, в котором жили в Лианозово Оскар с женой, Вылентиной Кропивницкой, становится центром притяжения творчесой интеллигенции, очагом неофициального искусства, как позже и их квартира в Москве, где устраиваются выставки, вечера поэзии, получившие известность на Западе.
Рабин, продолжая традиции европейского импрессионизма 20-х годов и желая отразить абсурдность, антигуманность среды обитания советского человека, использует в своих работах искажение перспективы, деформацию предметов, нарушения масштаба. Они производят мрачное, гнетущее впечатление, недаром на Западе его называли "Солженициным в живописи". Пресса критикует Рабина за "очернение Советского Союза, депрессивность картин, подыгрывание буржуазным критикам социализма".
"Смутный, перепуганный, неврастенический мирок встаёт в холстах художника. Скособоченные дома, кривые окна, селёдочные головы, измызганные стены бараков - всё это выглядело бы заурядной предвзятостью обывателя, если бы не было перемножено с многозначительной символикой бессмысленности."- «Советская культура» 14 июня 1966 года.
После того, как в 1974 году Рабин был инициатором и участником "Бульдозерной" и "Измайловской" выставок, он был обвинен в тунеядстве, постоянно подвергался нападкам, а после санкционированной властями поездки во Францию в 1978 году, был лишен гражданства и вынужден был остаться в Париже. Только в 1991 году, после возвращения ему годом раньше гражданства, состоялась его первая выставка в Москве, в Третьяковской галерее. ( Просто к сведению, как пример: в 2007 году продано 28 работ Оскара Рабина на общую сумму 1.339.106 евро.)
Жутовский, Борис Иосифович (рожд.1932) родился и живет в Москве. Закончил факультет художников книги Полиграфического института. "Человек широкой культуры, поистине безграничных интересов, веселый остроумец, на долю которого судьбой была отпущена полная мера болей и трагедий, байдарочник-путешественник и альпинист, философ и литератор, живописец и график, иллюстратор.... Он - профессионал, для которого «святое Ремесло» всегда с большой буквы..."(Нина Геташвили).
Сам он рассказывает о себе: "Мой отчим - из дворянской семьи на Тамбовщине. Когда ему был 21 год, случилась революция. Трижды он поступал в университеты, но его выгоняли, потому что он не был пролетарием."
"У одного прадеда было 15 детей, все работали в Белоруссии на железной дороге. Другой прадед по дедовой линии жил в деревне под Ржевом и занимал лапти, чтобы пойти на свадьбу в церковь. Как страна жила, так и семья жила. Молчали. Жить было страшно. Страх - доминанта жизни Советского Союза. Страх немного отступил, когда умер Сталин."
Знаменитая Выставка в Манеже в декабре 1962 года и личный скандал с Н. С. Хрущевым: «А кого изобразил Б. Жутовский? Урода! Посмотрите на его автопортрет. Напугаться можно. Как только не совестно человеку тратить свои силы на такое безобразие..." Н.С.Хрущев.
"Когда мы вышли из Манежа, у нас было ощущение, что стоят воронки и нас сейчас заберут. Страх. Но за этим ничего толком не последовало. Уже не сажали.Но два года я был без официальной работы." И 17 лет в СССР не выставлялся, но триумфально был экспонирован во многих городах мира.
"Через 8 лет Хрущев вдруг пригласил меня на свой день рождения (оказалось - последний) и сказал мне: "Ты на меня зла не держи; кто меня в Манеж завел - не помню". И добавил: "кто-то из больших художников сказал мне "Сталина на них нет", я так разозлился на него, а стал кричать на вас". Лукавство. Политики - это отдельные животные."
"Первая персональная выставка у меня была в 58 лет. Это было в 90-м году в Доме художника. За два года до выхода на законную пенсию. Такая страна! Но я, между прочим, иногда жалею о переменах. Потому что в то время я имел сопротивление. Было через что пробиваться! У меня были враги. А теперь я сам по себе."
Его серия "Последние люди империи" содержит более двух сотен графических портретов видных деятелей второй половины 20 столетия, писанных с натуры. Со многими из них художник Борис Жутовский был в хороших личных и даже дружеских отношениях.
"...На стене прозвенела гитара,
Зацвели на обоях цветы.
Одиночество Божьего дара -
Как прекрасно и горестно ты!"
Александр Галич.
"Живопись - это же любимая игра! Она должна доставлять удовольствие и мне, и тому, кто на это будет смотреть. Я не хочу быть лучше кого-то, это само по себе должно быть вкусно. Живопись должна источать энергию. А иначе - зачем?"
Эдуард Штейнберг (рожд.1937) родился в Москве, учился рисованию только в детском художественном кружке, а затем у своего отца, выпускника ВХУТЕМАСа, который и передал сыну традиции русского авангарда, эстетику и идеи русского супрематизма.
Главный французский эксперт по русскому искусству Жан-Клод Маркадэ пишет о нем: «Абсолютная оригинальность Штейнберга состоит в том, что он создает картины-иконы, изобразительные элементы которых приобретают аспект сверхчувственного. Во многом он развивает идеи Казимира Малевича..." Но по мнению самого художника его программа - "синтез супрематических форм и мистических идей русского символизма 10-х годов".
Ирина Кулик так пишет о его творчестве: "Он отказывается видеть в пересечении линий простую геометрическую форму и обязательно усматривает в ней христианский крест. Но и сам этот слегка покосившийся крест уже не хочет быть религиозным символом, а обязательно предполагает погост, вслед за которым в абстрактное полотно просачиваются избы, вороны, силуэты баб в платках и мужичков в картузах."
Язык геометрической абстракции оказался актуальным для мирового культурного контекста, но мне не дано понять этого вида искусства, я допускаю, что это может нравиться, что некоторые понимают глубинный скрытый смысл изображаемого, но...
Янкилевский Владимир Борисович (рожд.1938) родился в Москве, начинал обучение живописи у отца - художника, затем в художественной школе при институте Сурикова и в Полиграфическом институте. В 1962 году, вместе с другими художниками - нонконформистами участвовал в знаменитой выставке "30 лет МОСХа" в Манеже, где его картины раскритиковал Хрущев.
С тех пор и до 1978 года, когда состоялась его первая выставка в Москве, он работает в разных издательствах как художник-дизайнер. Сам он называет свое творчество "эпической экспрессией", когда "чувственность и эротизм соединяются с высочайшим уровнем концептуализации действительности". Главная тема его творчества - Человек на фоне Вечности, взаимодействие женского и мужского начала в мире, которое "очеловечивает" мировую гармонию.
Сегодня работы Владимира Янкилевского представлены в главных российских музеях и ведущих музеях мира, с 1989 года он живет и работает в Нью Йорке и Париже, иногда - в Москве.
Илья Кабаков (рожд.1933) родился в Днепропетровске в семье слесаря и бухгалтера. С началом войны эвакуировался с матерью в Самарканд, учился там в московской художественной школе, затем был переведен в Москву и после ее окончания учился в Суриковском институте на отделении графики. Начинал свою художественную карьеру молодой Кабаков иллюстратором детских книг.
С конца 50-х он стал заниматься живописью для себя, а в 60-х - стал активно участвовать в нонконформистских выставках в СССР и уже с 1965 года некоторые его работы экспонировались на выставках неофициального искусства в Европе. В 80-х годах Кабаков меньше занимается графикой, увлекается инсталляцией и начинает одну из своих самых известных работ - «Человек, который улетел в космос из своей комнаты», над которой работал 4 года.
В 1987 году он получает первый зарубежный грант от австрийского культурного фонда, а в 1989 после получения немецкой стипендии по академическому обмену переезжает в Берлин, а затем в США. Тогда же он начинает работать и выставляться вместе со своей женой Эмилией, тоже художницей. У Кабакова с тех пор прошло большое количество выставок в знаменитых музеях мира, в том числе в МоМА, Центре Помпиду, на Венецианской биеннале и других. В России начал выставляться с 2000 года, является почётным членом Российской академии художеств. После большой выставки «Russia!» в 2006 году музее Гуггенхайма, когда его инсталляция экспонировалась рядом с иконами Рублева, картинами Репина, Брюллова, Малевича и других "великих", он стал считаться зарубежом одним из самых известных русских художников конца 20 века. Для примера: работа Кабакова "Жук" была продана на аукционе в 2008 году за 5,84 миллиона долларов.
"Жук" в русском советском языке того времени - это не только визуальная метафора драгоценного камня в красивой оправе, но и обозначение хитрого человека, умеющего делать деньги. Серия «глянцевых» картин, к которой принадлежит «Жук», позволила Кабакову интегрировать в свое искусство умение соблазнять и удерживать зрителя иллюзорностью, что он позже использовал в своих проектах инсталляций." ( Екатерина ДЁГОТЬ).
В сентябре 2013 года в Москве состоялось открытие на Пионерском пруду Парка Горького художественного проекта Ильи и Эмилии Кабаковых «Корабль толерантности», более 300 школьников Москвы приняли участие в создании паруса для него.
«Художественный проект “Корабль толерантности” - это диалог, образец современного паблик-арта. “Корабль толерантности” обращен ко всем, а не к избранному кругу интеллектуалов, - считает Илья Кабаков. - Главное здесь - тема толерантности: не показать самого себя, чего хочет каждый взрослый или ребенок, а показать, что другой точно такой же, как и ты.».
Олег Целков (рожд.1934), родился в Москве в семье экономистов. "Отец у меня - из подмосковных крестьян, а мама из евреев, из Белоруссии. Я - живое воплощение могучего русско - еврейского единства. Время было гадкое," - говорит он о тех послевоенных годах. Неожиданно для себя самого юный Целков был принят в художественную школу для одаренных детей. "Таких школ было всего три на весь Союз. В Москве, Питере и Киеве. Сорок девятый год. Только что разогнали безродных космополитов. И тут появляюсь я…", - рассказывал он позже.
Потом Целков учился в Минском художественном институте и в Академии художеств имени Репина в Москве, был исключен, но закончил образование в Институте театра и кино.
Первая его "квартирная выставка" состоялась в 1956 году, а начиная с 1960 года он нашел и остался навсегда верен своей главной теме - лица-личины-маски. Олег Целков говорит: «...В живописи я подкидыш, бастард, сирота. Для меня не было и нет ни учителей, ни правил. Единственный закон - это я. Я и начало, и конец бытия. Главный судия это тоже я. Когда я в шестидесятом году написал впервые своего Морда - так я назвал потом этого странного героя, - то обалдел. Это был не портрет отдельно взятого субъекта, а портрет всеобщий, всех вместе в одной роже - и до ужаса знакомой. То есть я, сам того не ведая, случайно стянул маску со всех лиц сразу".
Первая официальная персональная выставка Олега Целкова прошла в 1965 году в Институте им. Курчатова и продержалась 2 дня, вторая в Доме Архитектора была закрыта через 15 минут после открытия, но с 70-х годов его работы выставляются и продаются в Европе и США.
В 1977 году он покидает СССР (по настойчивому "ппредложению" властей), живет в Париже, так и не приняв французского гражданства. Только в 2004 году впервые в России прошли его выставки, а в 2014 году - большая юбилейная выставка Олега Целкова «Бубновый туз».
"Я не могу иметь конкретных претензий ни к одному человеку, но я имею более чем конкретную претензию к массе людей, которые друг друга унижают, мучают, отправляют на тот свет.Эти претензии я вправе иметь и к прошлому, и к настоящему, и к будущему." - Олег Целков.
Виталий Комар (рожд.1943) родился в Москве в семье военных юристов. После детской художественной школы учился Строгановском училище. Там он познакомился с Александром Меламидом (рожд.1945), родившимся тоже в Москве в семье историка и публицистки. Уже с конца 60-х годов они начали работать вместе, и вскоре стали известны как основатели художественного течния "соц-арт", параллельного западному "поп-арту", некий синтез соцреализма и дадаизма, пародия на официальное советское искусство, его идеологию и образы современной массовой культуры.в СССР.
Художественный язык этого направления - ирония, гротеск, эпатаж, игра с символами и образами советской политической агитации. «Если поп-арт был порожден перепроизводством вещей и их рекламы, то соц-арт был порожден перепроизводством идеологии и ее пропаганды, включая пропаганду визуальную…»-Виталий Комар. В 1974 году Комар и Меламид были участниками знаменитой "Бульдозерной" выставки, а в 1978 году эмигрировали в Израиль, а уже оттуда в США.
В 1982 году состоялась их первая успешная выставка соц-арта в США, а в 1983 году МоМА и Метрополитен купили несколько их картин, они участвовали в концептульных проектах, сочетающих скульптуру, музыку, живопись и поэзию, стали первыми русскими художниками, получившими финансирование от Национального фонда искусств.
У них было множество различных проектов, иногда экзотических, как обучение рисованию слонов в Тайланде, организация исследований процесса избирательных кампаний или создание оперы "Голая револоюция" о Вашингтоне, Ленине и Дюшане. В 2004 году после того, как у них было 60 персональных и примерно 70 групповых выставок, они прекратили сотрудничество, каждый пошел своей дорогой. «Комар и Меламид заимствовали элементы официального мифа, переосмыслили его и предложили новый набор культурных парадигм». Маргарита Тупицына.
Михаил Гробман (рожд.1939) родился в Москве, заканчивал вечернюю школу, работая каменщиком на стройке, учился в Мухинском художественном училище, там же прошла в 1959 году его первая персональная выставка. Тогда же появилось выражение «к Мише Гробману в Текстильщики» - этот адрес был известен в широких кругах поклонников неофициального искусства 1960‑х и в КГБ.
Там в деревянном бараке, где он жил с женой и двумя детьми, был центр тогдашнего современного искусства, сюда приходили художники и поэты, здесь читали стихи, пили чай и кое-что покрепче. Сюда приходили коллекционеры, западные журналисты, русские эмигранты и зарубежные искусствоведы. Кабаков говорил о художниках этой группы так: «Самоубийственность удара, гладиаторство, риск, умирание в акте свойственны работам этой группы. Окончательно бескомпромиссные - вот главное впечатление от их работ. Подозревать, что они были сделаны для покупателей, тут невозможно».
Многие из них занимались саморазрушением, ходили "по краю", Гробмана удерживала от этого любимая жена и дети, он был для остальных «отцом и матерью и коллекционером». Он имел дар оценить качество работ, сумел увидеть их место в исторической перспективе, он дал определение направлению этой группы художников как «второй русский авангард".
К концу 60- годов, после Новочеркасска, Берлинской стены и танков в Праге перед многими евреями оставался только один выбор - национальное самоопределение. И Гробман, который и до этого жил в пространстве еврейской культуры, его сделал, одним из первых, уехав в 1971‑м в Израиль. Уже в Израиле он создал художественную группу "Левиафан", в основании которой лежали три главных "камня" - примитив, символ и буква.
в Израиле он ничуть не утратил своей бескомпромиссности и страстности. Гробман пишет: «Народность и религиозность - две колеи нашей дороги. Дороги к новому еврейскому искусству, достойному чуда возрождения Израиля».
Гриша Брускин (рожд.1945), родился в Москве, в большой семье (пять детей), учился в Текстильном институте и уже в 24 года был принят в Союз художников, но выставки его запрещались (например, в 1984 выставка Гриши Брускина в Центральном Доме работников искусств закрывают на следующий день , он практически не был известен публике.
Но в 1988 году на московском аукционе «Сотби» его работа «Фундаментальный лексикон» продана за рекордно высокую цену (930.000 долларов).
Он становится сразу знаменит, получает несколько зарубежных предложений и уже через неделю уезжает по культурному обмену в США, где и остается. У Брускина две основные темы творчества, первая - Книга (ТАНАХ и Каббала),он создает огромный 11-метровый гобелен, на котором вытканы 160 фигур еврейского фольклора, библейской и каббалистической мифологии.
и вторая тема - социальная мифология советского времени, закат империи. «Брускин рассматривает процесс заката советской империи в перспективе Ветхого Завета, обещающей закат и падение всех империй. Но в то же время его увлекает прежде всего эстетическая сторона этого упадка - эстетика упадка как таковая.» - Борис Гройс. Сам Брускин говорит о своем творчестве так: "То искусство, которым я занимаюсь, родилось в большой степени из чтения книг. Я считаю, что это - еврейский способ обращения к искусству..."
Живет Брускин сегодня в Америке, произведения его находятся в крупнейших музеях мира, а сам он считается одним из наиболее известных русских художников на Западе.
Заканчивая этот небольшой обзор русского авангарда и вклада в него художников еврейского происхождения, можно с некоторой долей юмора сказать, что в свое время евреи хотели походить на всех остальных, но все‑таки дождались времени, в котором все остальные начали походить на евреев.
И еще пару слов о музыке, которая сопровождает оба мои видеоклипа к теме. Она принадлежит не очень известному в наше время композитору Артуру Лурье (1892-1966), хотя когда-то В.Маяковский провозгласил:"Тот дурьё, кто не знает Лурьё!". В начале века имя этого композитора и музыканта гремело не меньше, чем имена Прокофьева или Стравинского. Но известен он был не только своей музыкой и исполнительским мастерством, но и своим романом с Анной Ахматовой. Они прожили вместе всего несколько лет, пока композитор не принял решение уехать на Запад. Списаться снова они смогли почти через полвека...
Итак, вы можете посмотреть тут видеоклип ко второй части
Click to viewСсылки:
http://www.eleven.co.il/categ/2300
http://www.evrey.com/index.php3
http://artandyou.ru/category/history
http://cultobzor.ru/ -
http://www.lechaim.ru/4470
http://www.kommersant.ru/doc/2684435