Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея
«Автопортрет с палитрой» - это первый значительный автопортрет Пикассо с 1901 года. К этому времени он уже начал занимать весомое место в среде художественного авангарда Парижа. Автопортрет заявляет, по мнению искусствоведов, об уверенности в собственных силах - сбитая массивная фигура, правая рука сжата в кулак. Невозмутимое лицо выписано в суровой примитивистской стилистике, берущая начало в увлечении Пикассо иберийскими архаическими масками.
Автопортрет с палитрой Пабло Пикассо 1906, 91.9×73.3 см Местонахождение: Художественный музей Филадельфии, Филадельфия
Пикассо создал этот автопортрет в 25 лет. На подготовительных рисунках он поместил кисть в правую руку, но решил не включать её в окончательный вариант. Отсутствие этого предмета заметно; возможно художник посылает зрителю сообщение: творчество - это не просто навык, а внутреннее видение.
Голова яйцевидной формы, широко раскрытые глаза и удлинённые уши - эти элементы Пикассо позаимствовал у древних скульптур. В этой картине его лицо похоже на загадочную, словно маска, лицо резной головы. Такие фигурки находили на археологических раскопках неподалёку от Малаги, где родился художник, и потому автопортрет связан с его особым чувством к родным местам.
Эта картина относится к «розовому периоду» в творчестве Пикассо, который продолжался с 1904-го по 1906 год. В этот промежуток времени он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки - в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода».
Блок - Экваториальная Гвинея серия "ПИКАССО: Картины голубого периода" № Mi BL91 на блоке «Автопортрет с палитрой» Пабло Пикассо.
Годы «голубого периода» были тяжёлыми для Пикассо - он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это молодой художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.
В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество.
Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца.
Марка "Облокотившийся арлекин" Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея Mi:GQ 321, Sn:GQ 73-142, Yt:GQ 40-A
И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение.
В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века.
Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни.
«Мать и дитя» Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея Mi:GQ 322, Sn:GQ 73-143, Yt:GQ 40-B
Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе.
Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени - наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание.
Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая важная особенность «розового периода» Пикассо.
«Женщина с вороной» Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея Mi:GQ 327, Sn:GQ 73-148, Yt:GQ PA25-B
Прорывом этого короткого отрезка времени стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году - и она очень хорошо выражена в «Автопортрете с палитрой». Эта беглость и утончённость линии - уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм.
«Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью.
Картина "Женщина с вороной" относится к переходному этапу от "голубого" к так называемому "розовому".
Глядя на картину можно заметить, что на ней преобладают преимущественно эти два контрастных оттенка, а на смену образам измученных жизнью бедняков и уставших цирковых акробатов приходят изображения очаровательных нежных девушек.
Моделью для картины "Женщина с вороной" стала дочь владельца кафе, куда Пикассо частенько захаживал со своими друзьями и возлюбленной.
«Старый гитарист» Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея Mi:GQ 323, Sn:GQ 73-144, Yt:GQ 40-C
«Старый гитарист»
Картина написана в Париже, в период сразу после окончательного отъезда Пикассо из Испании.
Первый год жизни Пикассо в Париже тяжел в материальном смысле.
Он беден, живет в квартале нищих, проституток, уличных музыкантов, бродячих артистов и циркачей.
Прототип Старого гитариста - один из реальных персонажей окружения Пикассо в это время.
После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.
Картина «Жизнь» Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея , Mi:GQ 326, Sn:GQ 73-147, Yt:GQ PA25-A
Картина «Жизнь»
Символическое наполнение картины делает ее невероятно загадочной.
Карлос Касагемас, изображенный с прижавшейся к нему любовницей, главный герой «голубого периода» Пикассо. Что означает присутствие старой женщины с новорожденным младенцем, закутанным в складки ее покаянной ризы?
Возможно это образ матери друга художника, которая была уже мертва в момент трагических событий.
Ее взгляд сурово смотрит на пару, в то время как Касагемас с выражением вины и отчаяния указывает пальцем в небо в знак предопределенности своей судьбы.
Картина Селестина Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея, Mi:GQ 325, Sn:GQ 73-146, Yt:GQ 40E
Между двумя противостоящими фигурами расположены две композиции, символизирующие печаль и боль.
Картина «Селестина»
Характерная для голубого периода работа Пикассо.
Страждущие, больные, нищие, увечные - частые персонажи картин совсем ещё молодого, 20-летнего художника.
Среди них отдельно можно выделить группу слепых персонажей.
Физическая слепота у Пикассо, с одной стороны - метафора исключенности человека из жизни, и с другой - метафора внутреннего зрения, которым видит художник, пишущий не столько физическую реальность, сколько свое видение мира.
Картина Трагедия Пабло Пикассо Экваториальная Гвинея, Mi:GQ 324, Sn:GQ 73-145, Yt:GQ 40-D
«Трагедия»
Считается, что ощущение одиночества и отчужденности, бедности и несчастья, которое Пикассо передал в этой картине, перекликаются с его собственным самоощущением в первые годы нового века, который начался с самоубийства его близкого друга, художника Карлоса Касагемаса.
Неудачная поездка Пикассо в Париж в конце прошлого года только усугубила его депрессию. Его картины не продавались, он ютился в крайне стесненных помещениях у парижских друзей, он буквально голодал.
Он был вынужден вернуться в Барселону, где мог пользоваться поддержкой родителей. И оставался здесь последующие полтора года, в частности, весь 1903 год, когда и была написана «Трагедия».
Трагедия Пабло Пикассо 1903, 105×69 см Местонахождение: Национальная галерея искусства, Вашингтон
Этот пост был опубликован 2 года назад!