«Среди художников нет злых людей». Интервью с психологом, арт-терапевтом Мариной Карелиной
Марина Карелина - человек разносторонних интересов: она пишет картины и сочиняет музыку, поет, танцует, ведет творческие мастер-классы, работает как коуч и арт-терапевт. По основному образованию - психолог. Каждый из ее талантов проявлен, каждый реализуется в социуме и видно, что сама она получает от этого удовольствие. По типу личности она исследователь: исследует мир с помощью живописи и называет себя проводником в мир души человека.
Марина, о каком Вашем таланте будем сегодня говорить?
Давайте поговорим о живописи, она сейчас во мне сильно звучит. Увлекаюсь я живописью давно и возвращаюсь к ней вновь и вновь, несмотря на большие перерывы. Я уже много лет принимаю участие в выставках, имею дипломы, но профессионального художественного образования при этом у меня нет. Поэтому для меня сказать: «Я - художник», - это смелое заявление. Тем не менее живопись мне очень близка, я использую многие живописные техники в своей работе. И в каждую свободную минуту тоже стараюсь заняться любимым увлечением.
Где и у кого Вы учились изобразительному искусству?
Знаковая фигура в моей жизни - это Владимир Артамонов. Художник, руководитель студии живописи для взрослых в Санкт-Петербурге. Я познакомилась с ним еще в середине 1990-х. Тогда у нас и возникла мысль о том, что стоит обучать взрослых людей рисовать, тех, кто никогда не рисовал, и делать это быстро, сохраняя интерес и мотивацию людей. Пришло общее понимание, что идти надо только от внутреннего состояния. Не от формы к содержанию, а наоборот, от содержания к форме.
Я сама училась у Владимира и с удовольствием наблюдала, как у каждого человека, пришедшего в студию, он развивал свой почерк, искал его особенный стиль, и в этом смысле он - хороший педагог. Он не просил всех нарисовать одинаковый куб. Он давал нам основы рисунка, а дальше говорил: «Рисуйте душой, так, как вы чувствуете этот предмет, постарайтесь его полюбить. Почувствуйте то, что вы рисуете». Через это и шло обучение. И на мой взгляд именно это можно назвать интуитивной живописью, а не то, что принято называть ею сейчас.
Второй значимый для меня человек это Людмила Ковалева - руководитель студии «Школа старых мастеров». Она открыла мне мир серьезной глубокой живописи, мир копиистов. Я написала несколько картин в её студии, а сейчас пишу дома самостоятельно, и когда есть время, с удовольствием приношу свои работы в студию на ее оценку.
Вы пишете картины по фотографиям?
Да, я не очень люблю пленэр. Мечтаю писать Ладогу. Но за полчаса ладожского заката свет и цвет пейзажа изменится тысячу раз! Как успеть это отобразить на картине? Тем более, во многом я педант и могу одно облачко рисовать часами. Но если при этом у меня жужжит комар над ухом, все удовольствие заканчивается.
Как долго Вы работаете над одной картиной?
Могу часа два, могу два месяца. По-разному. Это зависит и от картины, и от того, какую задачу я ставлю перед собой. Если сделать набросок, оттренировать какую-то деталь, то времени потребуется немного. А, вот если делать копию, то, конечно это совсем другой уже труд.
Из Ваших работ какая у Вас самая любимая?
Это копия работы Эмилии Прейм - натюрморт с бокалом шампанского. Ее я писала на одном дыхании и была горда собой, когда завершила.
Вы участвуете в очных или онлайн-мастер классах?
Я не люблю мастер-классы. Не успеваю на них ничего осознать. Когда мне говорят, бери кисточку и тыкай сюда, я спрашиваю себя, а чему я в данный момент учусь? Ведь так писать я могу и сама по себе. Но кое-что всё же бывает полезно, тогда это беру на вооружение и дальше пробую применять в работах. Вебинары в записи для меня предпочтительнее, их можно пересматривать, возвращаться к тем местам, которые не получаются. На вебинарах разных художников я анализирую, что мне нравится в их манере писать, что близко, что нет. Это помогает найти свой стиль, вырабатывать свой почерк.
Вы продаете свои картины?
Да. И многие дарю. Дарю в основном небольшие работы. А с любимыми большими работами пока не готова расстаться. На заказ пишу редко. Ведь живопись для меня - это возможность заняться любимым творчеством, а не способ заработать деньги, удовлетворив интерес заказчика.
Что дает Вам финансовую стабильность?
Я бизнес-тренер, сотрудничаю с крупными компаниями Санкт-Петербурга и других городов. В основном моя работа заключается в разработке систем обучения и проведении тренингов по развитию персонала компаний. Тренинги сейчас провожу в основном по скайпу. С одной стороны, это удобно. Можно, находясь в одном городе, работать со всей страной. Но, с другой стороны, при этом всё же теряется живое общение. И я с ужасом думаю, что если все обучение уйдет в онлайн, то будет беда. Проводя вебинары людей же не видишь. Это разрушает человеческие отношения. В чате не задаются открытые вопросы, только закрытые, вот и бегут потом в чате плюсы и минусы, вместо живых слов.
Я очень люблю живое общение. И пусть ко мне на занятие придет один человек, но мы с ним будем общаться и смотреть друг другу в глаза и соприкасаться душами. Мне не нужно 200-300 человек и общение с помощью плюсов и минусов. К счастью, я провожу скайп конференции, поэтому и вижу, и слышу участников своих тренингов.
Таким образом, Ваше собственное творчество и арт-терапия - это хобби?
Да, и я не хочу делать их основным источником дохода. Мне важны люди, каждый, кто хочет соприкоснуться со своей душой. Мои мастер-классы идут три-четыре часа и это небольшие группы, где мне важно с каждым лично пообщаться. Группы максимум шесть человек, чтобы я успела с каждым поработать. Я видела мастер-классы, которые проводят профессиональные художники: по пятнадцать-двадцать человек. И участник иногда ждёт по часу, пока к нему подойдёт педагог. А бывает, что художники дописывают картины за своими учениками. Я категорически против этого. Ведь человек должен научиться сам!
Какой возрасту Ваших учеников?
Самый разный! Самому юному участнику было десять лет, самому старшему - восемьдесят.
В психологии, как и в искусстве, много разных направлений. Есть гештальтпсихология, трансперсональная, разные другие. Какого направления придерживаетесь Вы?
Я работаю в рамках гуманистической психологии. Она рассматривает личность человека как уникальную целостную систему. И эта система - не что-то заранее данное и определённое навсегда. Она раскрывается и видоизменяется на всём протяжении его долгой жизни. Видимо, поэтому я и применяю в своей работе живопись. Ведь именно она позволяет человеку раскрыть себя, осознать свои чувства, погрузиться в свой внутренний мир, лучше понять себя и окружающих. Мягко исцелить свою душу.
Где Вы учились?
Первое мое специальное образование - музыкальная школа, по классу фортепиано. Затем параллельно я училась одновременно и в университете на специальности экономическая кибернетика и в музыкальном училище по классу эстрадного вокала. Так что по первому диплому я - экономист-математик. А позже, в том же университете я закончила факультет психологии, так как экономика для меня была тесна. А музыкой в 90-е годы было весьма сложно заработать себе на хлеб. В 2006 году я закончила интегральный институт психологии «Либра», который объединил в моей жизни сразу несколько направлений: и совершенствование себя, как специалиста в области психологии, и мои интересы к философии и религии. А в 2017 я закончила Международный Балтийский Институт Коучинга.
Я уже изучила Ваше портфолио и знаю, что Вы владеете разными живописными и графическими техниками. Вы умеете писать акварелью, погружены в изучение техники лессировочной живописи, которую принято называть техникой старых мастеров, создаете монотипии, рисуете маркерами, расписываете стекло.
Да, мне нравятся все эти направления. И все, чем владею сама, я готова передавать другим людям. И именно их я и использую в арт-терапии. Мой подход отличается от того, что обычно происходит на сессиях у психологов. Несмотря на то, что многие из них пользуются рисунком в своей практике, обычно рисунок применяется только как метод диагностики. При этом человеку не дается никаких техник живописи. Мне этого мало.
Профессиональные художники, наоборот, учат техникам создания изображения, но при этом не работают с состоянием человека. Я решила объединить два этих направления, заниматься сразу и внутренним миром человека, и живописью. Сама по себе психология творчества - это безумно интересная вещь: видеть и понимать, как меняется человек, когда он начинает творить, что с ним внутри происходит, какую технику живописи он выбирает и почему, какой сюжет, какие краски, какие качества при этом развивает в себе.
Вы хотите сказать, что выбор вида творчества и техник отражает определенные качества человеческой личности?
Точно. Причём очень сильно. Общаясь с человеком, наблюдя за ним, я могу сказать, что у него в живописи будет получаться хорошо, к какому материалу его будет тянуть. Какой стиль его заинтересует, а самое главное, как это связано с его характером и типом личности.
У Вас на стенах висят Ваши картины - копии в технике старых мастеров. Какие черты характерны для людей, которые этим занимаются?
Усидчивость и терпение.
Это, наверное, свойство любого творца?
Нет, не любого. Бывают люди нетерпеливые, слишком эмоциональные. Они тоже могут выбрать живопись маслом, но у них это будет пастозная живопись, мастихином, они выберут яркие краски и на картине будет экспрессия, взрыв. А в случае копирования - это кропотливая, иногда даже монотонная работа. Ведь нужно очень точно передать картину и замысел автора, особенно если делать не вольную копию, а настоящую. Даже профессиональные художники не все готовы так работать, им бывает неинтересно копировать чужие картины, они хотят творить сами.
А для чего именно Вы копируете чужие работы?
Мне это очень интересно. Ведь когда смотришь чужую работу, ты погружается в личность автора. Думаешь, а почему он поставил натюрморт именно так, почему выбрал именно эти предметы, почему выбрал такое освещение…
То есть Вам интересен этот процесс как реконструкция того, что уже сделал другой творец?
Когда копирую, я учусь у этого мастера. Пытаюсь понять, почему он именно так решил свою живописную задачу. Почему выбрал такое сочетание цветов, тонов, компоновки, даже просто мазков. Ведь все это можно решить разными вариантами, но этот автор сделал именно так, как выглядит у него на картине. Когда копируешь чужую картину и анализируешь, начинаешь понимать состояние автора, его характер. Как психологу, мне это важно и интересно: знать, что чувствовал автор при создании своего произведения.
Если продолжить эту тему, то какие люди выбирают технику монотипии?
Монотипия бывает разная. Первый тип - когда монотипия используется только как фон картины, и художник сверху дорисовывает то, что хочет. В этом случае видно желание автора внести свой труд в картину. Второй тип - когда в оттиске автор только слегка что-то усиливает и дорисовывает только это. Здесь автор играет уже меньшую роль. А, есть и третий тип, когда художник ничего не меняет в получившемся оттиске, и его роль скорее наблюдателя. Этот способ мне ближе. Как видите, даже в одной технике могут реализовать себя совершенно разные люди. Но все эти люди открыты к эксперименту, не боятся ошибок, не думают о том, что у них «не получится».
В копиях важна точность, а в монотипии - нет. Я использую монотипию как арт-терапевтическую технику, когда нужно снять излишний перфекционизм. И самые красивые монотипии получаются тогда, когда человек расслабляется, доверяет своему состоянию, миру, краскам, интуитивно их смешивает и подбирает. Когда человек напряжен, результат его часто не удовлетворяет, а когда расслабляется, то где-то на десятом оттиске получается поразительная красота!
В этом и есть суть моей авторской методики. В арт-терапии я работаю с разными техниками изобразительного искусства и предлагаю их людям для того, чтобы они стали гармоничнее. Например, человек приходит к мне с запросом натренировать свою волю, считая, что ему не хватает жесткости в характере. Я знаю, что ему поможет - графика. В графике необходима чёткость, нужна хорошая линия, и надо научиться вести линию так, чтобы с одного взмаха она шла туда, куда ты хочешь, особенно, если ты работаешь без эскиза. Если у человека чрезмерный контроль, а таких напряжённых людей сейчас очень много, то поможет акварельная техника. Позволить краске произвольно растекаться очень непросто. Так же, как и позволить себе быть не совершенным, отпустить контроль и позволить событиям просто происходить. Вот и стоит попробовать писать акварелью и от этого получить удовольствие. А со временем человеку становится понятно, что, если расслабишься и отпустишь процесс, всё получится само собой. Так, практически, в каждой технике изобразительного искусства мы прорабатываем внутренние качества. Вот в этом и есть мое ноу-хау. Я не делаю из людей художников, это слишком большая ответственность. Но и не просто диагностирую с помощью проективных рисунков. А вот помочь каждому человеку прочувствовать, что он лучший творец и художник своей собственной жизни, я могу.
Марина, а какую технику изобразительного искусства Вы предпочитаете? Или Вы - универсал?
Нет, конечно, не универсал. Универсал для меня означает, что человек достигает наивысшего мастерства во всех направлениях. Я не рискую так о себе заявить. Я действительно люблю многое и не отдаю предпочтение чему-либо одному. Мне интересно исследовать разные техники живописи. Мои любимые Вы уже знаете - масло, акварель, графика, роспись стекла. И в этих техниках тоже есть любимые темы - пейзажи, натюрморты. А, есть жанры и техники, которые я «не трогаю». Например, пастель и портрет человека. Портрет человека для меня слишком глубокое погружение, поэтому я не берусь за него. К пастели пока не тянет, хотя, с удовольствием любуюсь красивыми работами других мастеров.
Вы учите людей проявлять себя в разных видах творчества. Творческое начало присуще каждому человеку?
Да, конечно.
И каждый может петь, рисовать, танцевать, писать стихи?
Да, да, да! Только, пожалуй, про поэзию не смогу так уверенно сказать, это более сложная вещь. Я сама занималась в литературных кружках и в какой-то момент пришло понимание, что стихи тоже можно научиться писать. И всё же, нужно чувствовать ритм, а главное ценить красоту слова, любить свой язык и иметь художественный взгляд на мир. Вот в танцах все проще. Если вы можете ходить и считать до четырёх, тогда сможете и танцевать. Чувство ритма и знание фигур развивается. С вокалом точно также. Если вы можете говорить и слышите, значит сможете петь. Музыкальный слух и вокальные данные тоже развиваются. Да и с живописью, если человек различает цвета и может держать кисть в руках, то рисовать тоже сможет. Все могут. Было бы желание!
По своему опыту помню, что не все. Я своему соседу по парте все задания на уроках рисования доделывала.
В этом случае, возможно, не повезло с педагогом. Я разделяю понятия «педагог» и «учитель». Учитель - это тот, кто учит конкретным навыкам. А педагог - тот, кто помогает найти талант, вдохновляет и может зажечь так, чтобы ребенок раскрылся, полюбил то, что делает, поверил в себя. И при обучении взрослых это важно. Когда я прихожу сама на мастер-классы, для меня важен педагог, и от того насколько мне близка методика его преподавания зависит, буду ли я у него учиться. И я сама, проводя мастер-классы, тренинги, стараюсь, чтобы люди получали удовольствие от процесса обучения и творчества. Вы бы видели, с какими счастливыми лицами уходят люди после моих мастер-классов! И вот эта радость в глазах, наверное, самое дорогое, что дарит мне живопись.
Какие задачи преследует арт-терапия? Терапия - это же про лечение?
Задача арт-терапии - изменение внутреннего состояния человека. Мне ближе слова исцеление, достижение внутренней целостности. Такого состояния, при котором исчезают внутренние противоречия, конфликты. Погружаясь в творчество, человек соприкасается со своей душой. Он начинает вспоминать, чего же он на самом деле хочет? Что он хотел в детстве? Как он может выразить сейчас себя, свое состояние? Он задает себе вопросы и в ответах узнает себя. Я задаю людям вопросы о том, какую технику они хотят выбрать сейчас? Это будет графика, пастель или акварель? Какие цвета? Так шаг за шагом мы смотрим, что он за личность, что сейчас требует самовыражения, и как он, с его огромным миром, представлен в социуме? Реализует ли он себя на все сто процентов? Или мир знает только маленькую его часть, а какую-то часть и не знает? Или что-то он миру совсем не показывает и это сам не принимает и в себе? Так работа идет и вглубь и вширь.
Чаще всего ко мне люди приходят на точечную роспись мандал, выполненную на стекле. Мандала - это орнамент, символический рисунок, заключённый в круг. Круг в психологии символизирует целостность. Когда человек пишет мандалу, он рисует свой внутренний мир, гармонизируя при этом своё внутреннее состояние. На мастер-классах всегда все справляются, результат есть у всех! Ведь точку поставить несложно, так что точечную роспись все могут освоить. А дальше терпение и труд, немного настойчивости и получаются красивые, сложные работы.
Я вижу у Вас здесь много таких мандал с росписью. Каждая особенная?
Каждая мандала имеет своё значение. Ведь и каждый орнамент, который используется для росписи, несёт свой сакральный смысл. Мандалы могут служить и оберегами и талисманами. Привлекать желаемую энергию в жизнь человека, либо хранить ту, которая сейчас для него важна.
Я делаю и двусторонние мандалы, в них рисунок наносится с обеих сторон, как отражение того, что представлено внешнему миру, а что от него скрыто. При росписи я совмещаю две техники - точечную и витражную росписи. Точечная роспись - самый древний вид живописи. Ведь в начале «была точка». Из неё уже родился рисунок, из рисунка символ. А витражная роспись является для меня символом отражения живописи в духовном развитии человека. Витражные мандалы я располагаю на свету. И солнечный свет, проходя через них, играя разноцветными красками, хранит память об иных мирах.
Когда люди приходят к Вам на мастер-класс рисовать мандалы, они же не знают их символическое значение? И Вы им наверняка образцы даете?
Они приходят, и я их спрашиваю, о чем вы хотите создать свою мандалу? Чему она будет посвящена? Любви? Успеху? Благосостоянию? Какой символ мог бы выражать то, что вы хотите нарисовать? Мы всегда реализуем запрос от человека. Конечно, я показываю образцы. Не все люди сами от руки могут быстро нарисовать орнамент, как это делаю я. Бывает, что и с моей помощью вначале сложно, руки дрожат, точки не туда ставятся, линия ровная не получается, точки разного размера. Но всегда мы идём от простого к сложному. И в итоге, к концу росписи, у всех всё получается.
Вот покажу Вам мандалу с аутентичным узором саамов, я ее нарисовала после поездки на север. В краеведческом музее я сфотографировала национальную одежду, а потом узор перенесла на мандалу. При этом я ничего не меняла, ни в узорах, ни в цветах. Именного этого мне и хотелось, сохранить культуру этого народа в первозданном виде и сделать подарок в виде такого прекрасного изделия.
Вы часто ходите в музеи? Зачем вообще люди ходят в музеи?
Когда выдаётся свободная минутка, с удовольствием их посещаю. А за всех не скажу, не люблю обобщений.
Скажите за себя.
Я люблю прицельно ходить в музеи, со смыслом. Когда я приезжаю в другой город или другую страну, мне интересна культура этого места. И я смотрю, что пишут художники, какие сюжеты у картин, какие при этом используют краски, какую технику. И через картины, скульптуру, архитектуру, музыку, танцы, многое понимаю о людях этой страны. Либо иду на выставку конкретного художника, когда мне интересен его стиль написания картин.
Если человек смотрит картину, и она ему нравится, то точно что-то хорошее происходит в его душе, она становится чище, светлее, добрее. А может, он вдохновится настолько, что и сам начнёт творить. Вот если это происходит - отлично! Значит и он не зря посетил музей, и художник не зря старался. А если в музеи ходить для галочки, поселфится - то мне это не близко.
Имеет ли значение, смотрим мы на подлинник или на репродукцию? Есть ли у подлинника какое-то особенное качество?
Настоящесть. Копия тоже может быть очень хорошей. А вот репродукция - мертвая, не живая. Я категорически против постеров. Лучше потратиться, купить картину малоизвестного художника, она будет недорого стоить, но в ней будет душа человека, а не типографский оттиск бездушной машины.
Что это за чудесная эманация? Ведь мы понимаем, что картина состоит только из материальных компонентов. Что же передает «живую душу» художника?
Энергия художника. Когда человек долго пользуется предметом, он «отдаёт» ему своё состояние и предмет сохраняет в себе отпечаток его души. Это пока не доказано никакой наукой. Но я точно знаю, что это существует. Я и сама могу многое сказать о человеке, если в моих руках предмет, который тот любил и долго пользовался им. А на Тибете, откуда и пришла техника создания мандал, именно так выбирают лам. Созданная же картина несёт в себе энергию мастера, часть его души.
Душа есть у каждого человека, а есть ли она у человечества? Какая-то общая душа?
Думаю, что есть. Есть Душа Земли, планеты. И если она есть, то она сейчас тяжело болеет. Я бы сказала, онкологией, если смотреть на то, что мы делаем сейчас с природой и с другими людьми. Мы разрушаем себя изнутри сами.
У Вас пессимистичный взгляд на будущее?
Он реалистичный. Мы должны научиться договариваться и ценить каждого человека, ставить целью общее выживание и гармоничное сосуществование со всеми, несмотря на то, что мы такие разные. А если мы будем ставить в приоритет личную наживу, то конец будет печален. Это собственно происходило уже и не раз. Может быть мы всё-таки научимся уважать себя, мир, планету и не доведём её до очередного апокалипсиса?
Что такое духовность, надо ли развивать в себе это качество и зачем?
В своё время я пришла к тому, что для меня понятие духовности очень близко к понятию нравственности. Человек способен на многое в плане своего развития. Он может быть талантлив во многих областях, увлекаться эзотерическими практиками, но самое главное то, как он относится к окружающим его людям: к близким и не очень, к детям и старикам, к своей стране и к другим странам, к планете в целом.
А арт-терапия помогает «вырастить» у безнравственного человека нравственность?
Безнравственные не приходят к арт-терапевту. Поэтому вопрос, поможет ли именно арт-терапия, риторический. А вот искусство, думаю, поможет.
А кто вообще не приходит?
Тот, кто находится на другом витке развития. Это труд его души и его крест. Если человек пока в другом процессе, то для самопознания и саморазвития ему нужны другие инструменты. Как психолог я могу понимать, что кто-то «не туда идет», можно за этим наблюдать, но не более того. У психологов есть принцип: не помогай, пока не попросят. Не надо вмешиваться в чужую жизнь, если тебя не зовут. Не надо указывать, что и как делать другому. У каждой души своя задача, свой темп решения ситуаций, свои методы. Единственное исключение составляют форс-мажорные обстоятельства, когда жизни человека угрожает реальная опасность, тогда стоит вмешаться. А в остальных случаях приходят те люди, которые чувствуют душевную близость. И тогда можно им помочь, даже просто своим присутствием. Арт-терапия - тонкий инструмент, поэтому чаще к ней обращаются люди эмоциональные, художественного склада и тонкой душевной организации.
Вы принимаете участие в выставках?
Да, с большим удовольствием. Ведь это возможность показать, что написано за последнее время, услышать оценку профессионалов и любителей, посмотреть на работы других мастеров, поучиться у профессионалов. На выставки приходят интересные люди и есть возможность познакомиться с ними ближе. Осуществить потом новые совместные проекты. А, если кто-то после выставки приходит на мои мастер-классы и впервые после школы берёт в руки кисти и краски, погружаясь в прекрасный мир творчества, я очень рада.
Я верю, что среди художников нет злых людей. Конечно, художник может выплеснуть на холст свои бурные чувства, это бывает. Но так, чтобы он сознательно желал кому-то зла - нет. Мне не приходят в голову имена великих злодеев, которые бы писали прекрасные картины. Не будем говорить об Адольфе Гитлере. Если бы он продолжал заниматься живописью, то, может и не было бы этой ужасной войны.
Терапевтический аспект творчества в том и состоит, что человек может излить свои внутренние переживания на бумагу, холст, не принося вреда ни себе, ни окружающим. Не думаю, что надо такие картины продавать, потому что любая работа несет в себе эмоциональный заряд. Хотя, может, для кого-то другого и этот «отрицательный» заряд важен и принесёт пользу, как горькая таблетка. Но я так точно не сделаю. Я еще могу музыку написать в каком-то смятённом состоянии, но картину точно не стану. Живопись для меня - это нечто прекрасное, радостное, тонкое и очень светлое.
По складу ума Вы - философ, исследователь. В Вашем творчестве Ваши исследования проявляются?
Пока нет.
Почему? Это неготовность: интеллектуальная, душевная, - или Вам не хватает умения это воплотить?
Пока мои мысли и идеи я реализую в программах развития персонала, в тренингах, в коуч-сессиях. В живописи, может быть, это воплотится когда-нибудь в сюрреализме. Но не сейчас. Пока живопись для меня отдохновение от повседневных задач, переключение, расслабление. И я не хочу излишне перегружать её своими идеями.
Что Вы будете делать, когда выйдете на пенсию? Рисовать? Ведь у художников нет пенсионного возраста.
И у психологов нет. С возрастом ценность психолога только повышается, ведь у него становится все больше опыта, больше знаний и практики. Я надеюсь, что мне всегда будет интересен мир и люди. Я ведь пишу картины не для того, чтобы сделать просто что-то красивое. Природу не переплюнешь, она все равно - лучший создатель. И живопись для меня в первую очередь это общение со своей душой и с душами других людей. А если я не ослепну, не оглохну и буду продолжать двигаться в старости, значит буду петь, рисовать и танцевать! Общаться с людьми на этом прекрасном поэтичном языке цвета, света, пространства, форм. Язык искусства для меня един. Это язык любви! Я не смогу реализовать только что-то одно, жертвуя другим.
Беседу провела и записала Татьяна Княжицкая
кандидат искусствоведения