СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО.... или Гол ли король? ...
Оригинал взят у homoquadratus в СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО
Многие искусствоведы сходятся во мнении, что "современное искусство" начинается с конца 1960-х годов и продолжается по сей день.
Однако, искусствовед Эми Демпси предполагает, что понятие "современное искусство" следует относить к концу 1860-х, к началу периода
импрессионизма, то есть к моменту, когда художники впервые отошли от общепринятых в то время канонов и попробовали изменить своим
искусством окружающий мир.
Иные же искусствоведы считают, что "современное искусство" родилось в момент создания Казимиром Малевичем "Черного квадрата" - "иконы"
авангарда, положившей начало новой эры в искусстве. Все эти мнения спорны и относительны.
Для начала попытаемся лаконично определить, что такое «искусство». Единственное научное определение искусства было предложено
Аристотелем. Кратко его можно сформулировать так: искусство - это зеркало жизни. Каким же образом искусство отражает жизнь?
Искусство представляет собой своеобразную модель познания своего отношения к миру. Результатом искусства является художественное
произведение, которое - лишь след от искусства, но не само искусство. То есть произведение искусства (картина, статуя, музыкальная пьеса,
спектакль и т.д.) - это не искусство, а исполнительское мастерство, профессионализм, изобретательность, - все эти вещи тоже не являются
искусством или его признаками, они все относятся к области ремесла, владения техникой создания определенной формы.
Очевидно и то, что искусство не тождественно «красоте». Оно не обязано быть сложным в исполнении, не привязано к тем или иным
технологиям и не должно с необходимостью радовать наше эстетическое чувство. Его функция в другом - в выражении отношения художника
к миру, в котором он живет, и в побуждении зрителя к формированию (или осознанию) собственного отношения к этому миру.
Если функция выполнятся, то, нравится нам это или нет, современное искусство является именно искусством. И мы, почему то забываем о том,
что искусство каждой эпохи когда-то считалось современным. Например, импрессионисты в своё время подвергались жестокой критике и гонениям,
как и современные художники сегодня. Требует понимания, что искусство не может существовать вне контекста времени, то есть, по сути,
оно представляет собой зеркало современного ему мира. Нас смущает, что сегодня художники в своём творчестве используют компьютерные
технологии, видео и фотографию, но не смущает то, что мы уже не мыслим своего существования без них. Начало ХХ века с его технологическим
рывком поставило перед художниками сложнейшую задачу успевать за временем, отвечать его запросам.
Именно поэтому один из основоположников конструктивизма Александр Родченко утверждал, что живопись не способна передать
индустриальную поэзию современности, и новую реальность нужно провозглашать новаторскими средствами.
Джексон Поллок
Разумеется, многие заметные работы XX и начала XXI века подчеркнуто антиэстетичны. Разумеется, многие работы оскорбительны.
Конечно, многие из них вполне могут быть выполнены пятилетним ребенком. Основной вопрос в дискуссии о современном искусстве другой-
почему антиэстетическое и оскорбительное прочно вошло в современное искусство?
Ведь большинство произведений искусства стремилось к двум основным ценностям - эстетизму и самобытности.
Конечно же, в разные эпохи можно встретить произведения, которые нельзя назвать эстетическими в традиционном понимании этого слова.
Хорошим примером может послужить скульптура знаменитого Парка монстров в итальянском Бомарцо, созданная в XVI веке
(одним из самых трагичных в итальянской истории). Однако даже не укладывающиеся в рамки традиционных эстетических представлений работы
выполнялись традиционными изобразительными средствами.
Разрыв с традицией произошел на рубеже XIX-XX веков, когда первые модернисты начали свои интеллектуальные эксперименты,
развивавшиеся в двух направлениях: соответствия формы содержанию и редукционизма. Одним из первых стал Эдвард Мунк, который в своем
«Крике» (1893) смог обеспечить единства формы и содержания в передаче эмоции. Дальше по этому пути пошли Пикассо, Брак, Дали и другие.
Еще более интересная тенденция модернизма - редукционизм. В знаменитых работах XX века наибольшее значение имеет не то, что там есть,
а то, чего нет. Искусство XX века - это искусство отсутствия. Модернисты с энтузиазмом принялись удалять из своих работ познание
действительности. Например, Дали в своих работах заменяет то, что мы называем реальностью, странными психологическими состояниями.
Что еще можно удалить? Традиционная западноевропейская живопись стремится к созданию иллюзии трехмерности. Трехмерность живописи -
безусловная иллюзия, поэтому в поисках художественной истины модернисты стремятся к двухмерности. Абсолютно двухмерны работы Барнета
Ньюмана и Марка Ротко. Чтобы добиться гармонии формы и содержания в деле ликвидации трехмерности, некоторые художники не только
работают в соответствующей технике, но и в качестве объектов живописи выбирают двухмерные предметы.
Непременный элемент традиционной живописи - композиция. Значит, нужно посмотреть, что будет, если избавиться от композиции.
Мастером такой живописи является знаменитый Джексон Поллок. Еще одно признак традиционной живописи - цветовые сочетания и контрасты.
Мастерами удаления цвета и контраста стали К.Малевич («Белое на белом», 1918) и Эд Рейнхардт («Абстракция», 1960). Работа Малевича -
белый квадрат на снежно белом фоне, Рейнхардта - зеленовато-серый крест на сером фоне. Традиционно художественный объект выступал как
выдающийся, уникальный или в чем-либо особенный. Модернисты заменяли необычное банальным (писсуар М. Дюшана,
банка с супом Campbell Э. Уорхола) или тиражировали уникальное, превращая его в заурядное (уорхоловские портреты Мэрилин Монро).
Когда все присущие живописи признаки были удалены, осталось удалить саму живопись. Это было сделано концептуалистами,
которые заменили живопись концептом. Примером могут служить работы Джозефа Кошута, который черпал содержание своих работ в мире текстов
и размещал его на различном фоне. Таким образом, за несколько десятилетий модернизм прошел путь от художественного творчества
к «философскому». Впрочем, из концептуального упражнения М.Дюшана с писсуаром можно извлечь и более глубинный слой: основным мотивом
творческих усилий модернизма было не создание произведений искусства, а поиск ответа на вопрос, что такое искусство.
Мы удалили признак «А» - остается ли искусство? Удалили признак «Б» - все еще искусство? Работы модернистов - не объекты поклонения,
а вехи на творческом пути. Именно это имел в виду М.Дюшан, когда написал: «Я бросил им вызов, швырнув в лицо держатель для бутылок
и писсуар, а теперь они восхищаются их эстетическими достоинствами». Писсуар не искусство - это часть интеллектуального упражнения,
которое проделал Дюшан с целью выяснить, почему это не искусство. К сожалению, упражнение это было многими понято неправильно.
Модернизм проделал большую работу, чтобы ответить на самим же собой поставленные вопросы, однако к окончательным выводам
так и не пришел. Конец модернизма оставляет странное впечатление: будто он хочет сказать, но все-таки прямо не говорит, что в мире нет ничего
такого, о чем стоило бы говорить. В каком направлении искусство могло двинуться после эпохи модернизма? Вряд ли слишком далеко,
и совершенно точно не назад, в классику. Поскольку модернизм уничтожил сначала содержание живописи, а потом, фактически, и ее саму,
постмодернизму было не с чем работать - поэтому он вернул в искусство содержание, а также стал использовать некоторые новые формы.
Впрочем, содержание постмодернизма всегда антиреалистично и иронично. Реальность, природа - не более чем социальные конструкты,
которые не могут составить содержания искусства. Если модернизм даже в самых минималистских своих проявлениях был чувствителен
к стилевой гармонии, то постмодернизм охотно позволяет себе сочетание несочетаемого. Эклектичность достигает крайности: одни клеймят
капитализм, другие создают бриллиантовые черепа и позолоченные статуи топ-модели Кейт Мосс. Расовые, гендерные, политические,
антикапиталистические контексты постмодернизма вполне можно понять, даже если произведения принимают уродливые формы.
Хорошим примером такого искусства может служить фотография Джейн Александер «Мальчики мясника», посвященное теме расовой
дискриминации в ЮАР. Обнаженные белокожие мужчины буднично сидят на скамейке, но лица из скрыты мод масками монстров, а на груди
нарисованы шрамы, какие оставляют операции на сердце. Смысл работы вполне очевиден, но если его не знать, то фотография производит очень
странное впечатление. На одной выставке постмодернистского искусства в Дании была выставлена инсталляция Марко Эваристи:
десять блендеров с живыми золотыми рыбками. Комментарий к инсталляции предлагал желающим включить блендер.
Может ли искусство постмодернизма задеть еще более глубокие струны? Пожалуй, вряд ли. Как и модернизм, увлекшийся редукционизмом,
сумел «стереть» саму живопись, так и постмодернизм вряд ли сможет шокировать больше, чем ему это уже удалось. Для него практически
не осталось «материала», с которым он сможет работать в будущем. Поэтому не исключено, что в недалекой перспективе нас ожидает
крутой вираж в искусстве.
Джозеф Кошут
Энди Уорхол
Марсель Дюшан
Марко Эваристи
в тему---
http://a-dedushkin.livejournal.com/1023693.html
Многие искусствоведы сходятся во мнении, что "современное искусство" начинается с конца 1960-х годов и продолжается по сей день.
Однако, искусствовед Эми Демпси предполагает, что понятие "современное искусство" следует относить к концу 1860-х, к началу периода
импрессионизма, то есть к моменту, когда художники впервые отошли от общепринятых в то время канонов и попробовали изменить своим
искусством окружающий мир.
Иные же искусствоведы считают, что "современное искусство" родилось в момент создания Казимиром Малевичем "Черного квадрата" - "иконы"
авангарда, положившей начало новой эры в искусстве. Все эти мнения спорны и относительны.
Для начала попытаемся лаконично определить, что такое «искусство». Единственное научное определение искусства было предложено
Аристотелем. Кратко его можно сформулировать так: искусство - это зеркало жизни. Каким же образом искусство отражает жизнь?
Искусство представляет собой своеобразную модель познания своего отношения к миру. Результатом искусства является художественное
произведение, которое - лишь след от искусства, но не само искусство. То есть произведение искусства (картина, статуя, музыкальная пьеса,
спектакль и т.д.) - это не искусство, а исполнительское мастерство, профессионализм, изобретательность, - все эти вещи тоже не являются
искусством или его признаками, они все относятся к области ремесла, владения техникой создания определенной формы.
Очевидно и то, что искусство не тождественно «красоте». Оно не обязано быть сложным в исполнении, не привязано к тем или иным
технологиям и не должно с необходимостью радовать наше эстетическое чувство. Его функция в другом - в выражении отношения художника
к миру, в котором он живет, и в побуждении зрителя к формированию (или осознанию) собственного отношения к этому миру.
Если функция выполнятся, то, нравится нам это или нет, современное искусство является именно искусством. И мы, почему то забываем о том,
что искусство каждой эпохи когда-то считалось современным. Например, импрессионисты в своё время подвергались жестокой критике и гонениям,
как и современные художники сегодня. Требует понимания, что искусство не может существовать вне контекста времени, то есть, по сути,
оно представляет собой зеркало современного ему мира. Нас смущает, что сегодня художники в своём творчестве используют компьютерные
технологии, видео и фотографию, но не смущает то, что мы уже не мыслим своего существования без них. Начало ХХ века с его технологическим
рывком поставило перед художниками сложнейшую задачу успевать за временем, отвечать его запросам.
Именно поэтому один из основоположников конструктивизма Александр Родченко утверждал, что живопись не способна передать
индустриальную поэзию современности, и новую реальность нужно провозглашать новаторскими средствами.
Джексон Поллок
Разумеется, многие заметные работы XX и начала XXI века подчеркнуто антиэстетичны. Разумеется, многие работы оскорбительны.
Конечно, многие из них вполне могут быть выполнены пятилетним ребенком. Основной вопрос в дискуссии о современном искусстве другой-
почему антиэстетическое и оскорбительное прочно вошло в современное искусство?
Ведь большинство произведений искусства стремилось к двум основным ценностям - эстетизму и самобытности.
Конечно же, в разные эпохи можно встретить произведения, которые нельзя назвать эстетическими в традиционном понимании этого слова.
Хорошим примером может послужить скульптура знаменитого Парка монстров в итальянском Бомарцо, созданная в XVI веке
(одним из самых трагичных в итальянской истории). Однако даже не укладывающиеся в рамки традиционных эстетических представлений работы
выполнялись традиционными изобразительными средствами.
Разрыв с традицией произошел на рубеже XIX-XX веков, когда первые модернисты начали свои интеллектуальные эксперименты,
развивавшиеся в двух направлениях: соответствия формы содержанию и редукционизма. Одним из первых стал Эдвард Мунк, который в своем
«Крике» (1893) смог обеспечить единства формы и содержания в передаче эмоции. Дальше по этому пути пошли Пикассо, Брак, Дали и другие.
Еще более интересная тенденция модернизма - редукционизм. В знаменитых работах XX века наибольшее значение имеет не то, что там есть,
а то, чего нет. Искусство XX века - это искусство отсутствия. Модернисты с энтузиазмом принялись удалять из своих работ познание
действительности. Например, Дали в своих работах заменяет то, что мы называем реальностью, странными психологическими состояниями.
Что еще можно удалить? Традиционная западноевропейская живопись стремится к созданию иллюзии трехмерности. Трехмерность живописи -
безусловная иллюзия, поэтому в поисках художественной истины модернисты стремятся к двухмерности. Абсолютно двухмерны работы Барнета
Ньюмана и Марка Ротко. Чтобы добиться гармонии формы и содержания в деле ликвидации трехмерности, некоторые художники не только
работают в соответствующей технике, но и в качестве объектов живописи выбирают двухмерные предметы.
Непременный элемент традиционной живописи - композиция. Значит, нужно посмотреть, что будет, если избавиться от композиции.
Мастером такой живописи является знаменитый Джексон Поллок. Еще одно признак традиционной живописи - цветовые сочетания и контрасты.
Мастерами удаления цвета и контраста стали К.Малевич («Белое на белом», 1918) и Эд Рейнхардт («Абстракция», 1960). Работа Малевича -
белый квадрат на снежно белом фоне, Рейнхардта - зеленовато-серый крест на сером фоне. Традиционно художественный объект выступал как
выдающийся, уникальный или в чем-либо особенный. Модернисты заменяли необычное банальным (писсуар М. Дюшана,
банка с супом Campbell Э. Уорхола) или тиражировали уникальное, превращая его в заурядное (уорхоловские портреты Мэрилин Монро).
Когда все присущие живописи признаки были удалены, осталось удалить саму живопись. Это было сделано концептуалистами,
которые заменили живопись концептом. Примером могут служить работы Джозефа Кошута, который черпал содержание своих работ в мире текстов
и размещал его на различном фоне. Таким образом, за несколько десятилетий модернизм прошел путь от художественного творчества
к «философскому». Впрочем, из концептуального упражнения М.Дюшана с писсуаром можно извлечь и более глубинный слой: основным мотивом
творческих усилий модернизма было не создание произведений искусства, а поиск ответа на вопрос, что такое искусство.
Мы удалили признак «А» - остается ли искусство? Удалили признак «Б» - все еще искусство? Работы модернистов - не объекты поклонения,
а вехи на творческом пути. Именно это имел в виду М.Дюшан, когда написал: «Я бросил им вызов, швырнув в лицо держатель для бутылок
и писсуар, а теперь они восхищаются их эстетическими достоинствами». Писсуар не искусство - это часть интеллектуального упражнения,
которое проделал Дюшан с целью выяснить, почему это не искусство. К сожалению, упражнение это было многими понято неправильно.
Модернизм проделал большую работу, чтобы ответить на самим же собой поставленные вопросы, однако к окончательным выводам
так и не пришел. Конец модернизма оставляет странное впечатление: будто он хочет сказать, но все-таки прямо не говорит, что в мире нет ничего
такого, о чем стоило бы говорить. В каком направлении искусство могло двинуться после эпохи модернизма? Вряд ли слишком далеко,
и совершенно точно не назад, в классику. Поскольку модернизм уничтожил сначала содержание живописи, а потом, фактически, и ее саму,
постмодернизму было не с чем работать - поэтому он вернул в искусство содержание, а также стал использовать некоторые новые формы.
Впрочем, содержание постмодернизма всегда антиреалистично и иронично. Реальность, природа - не более чем социальные конструкты,
которые не могут составить содержания искусства. Если модернизм даже в самых минималистских своих проявлениях был чувствителен
к стилевой гармонии, то постмодернизм охотно позволяет себе сочетание несочетаемого. Эклектичность достигает крайности: одни клеймят
капитализм, другие создают бриллиантовые черепа и позолоченные статуи топ-модели Кейт Мосс. Расовые, гендерные, политические,
антикапиталистические контексты постмодернизма вполне можно понять, даже если произведения принимают уродливые формы.
Хорошим примером такого искусства может служить фотография Джейн Александер «Мальчики мясника», посвященное теме расовой
дискриминации в ЮАР. Обнаженные белокожие мужчины буднично сидят на скамейке, но лица из скрыты мод масками монстров, а на груди
нарисованы шрамы, какие оставляют операции на сердце. Смысл работы вполне очевиден, но если его не знать, то фотография производит очень
странное впечатление. На одной выставке постмодернистского искусства в Дании была выставлена инсталляция Марко Эваристи:
десять блендеров с живыми золотыми рыбками. Комментарий к инсталляции предлагал желающим включить блендер.
Может ли искусство постмодернизма задеть еще более глубокие струны? Пожалуй, вряд ли. Как и модернизм, увлекшийся редукционизмом,
сумел «стереть» саму живопись, так и постмодернизм вряд ли сможет шокировать больше, чем ему это уже удалось. Для него практически
не осталось «материала», с которым он сможет работать в будущем. Поэтому не исключено, что в недалекой перспективе нас ожидает
крутой вираж в искусстве.
Джозеф Кошут
Энди Уорхол
Марсель Дюшан
Марко Эваристи
в тему---
http://a-dedushkin.livejournal.com/1023693.html