Галерея Тейт Модерн. Часть 3.
Классическое искусство прекрасно, оно несет идею красоты и гармонии и хранит идеалы прошлого. Художники-классики пытались запечатлеть на холсте увиденное с детальной точностью, это объединяет все классическое искусство. Классическое искусство пало, когда появилась фотография, как когда-то пал древний Рим под натиском варваров.
Художники это быстро поняли и стали искать новые формы для своего выражения. Современное искусство - это постоянные эксперименты. Тейт Модерн - хранилище этих экспериментов, которые часто представляют из себя головоломки, - как, например, эта фраза, которая встречает посетителей Тейт Модерн.
Эта работа была создана современным британским художником Мартином Кридом в 2000 году. Крид считается художником-постконцептуалистом. Его работам присущи минимализм и юмор. Фраза the whole word + the work = the whole world смещает акцент с буквального значения в область абстрактной философии. Смысл фразы зациклен, он возвращается сам в себя и искать в этой фразе смысл (хотя критики пытаются выстраивать свои концепции) бессмысленно, это уравнение, которое невозможно решить.
Tate Modern - один из крупнейших музеев современного искусства в мире. Здание, в котором расположен музей, когда-то было электростанцией Бэнксайд. Электростанция была построена в 1891 году и работала до 1981 года. После закрытия электростанции здание реконструировали, и в 2000 году галерея Тейт Модерн была открыта королевой.
В первый раз мы были в Тейт Модерн в 2008 году.
В Турбинном зале галереи в то время экспонировалась огромная паучиха "Маман", созданная американским скульптором французского происхождения Луизой Жозефиной Буржуа. Сейчас копии пауков Луизы расползлись по всему миру, но когда в 2000 году перед зданием Тейт Модерн была поставлена огромная металлическая статуя паучихи с мешком, в котором находилось 26 мраморных яиц, она вызвала настоящий шок у жителей Лондона и была демонтирована по их просьбе после окончания прошедшей в галерее выставки. В 2008 году, когда мы были в галерее, паучиха поражала своими размерами, но шок уже у посетителей не вызывала. "Маман" была выкуплена канадцами и сейчас находится на площади перед Национальной галереей Канады.
В здании 11 этажей, пронумерованных от 0 до 10. Турбинный зал - единое большое помещение, занимающее всю длину здания между котельной и распределительной. Его пересекают мосты между котельной и распределительной на уровнях 1 и 4 этажей, но в остальном пространство не разделено. Восточный конец представляет собой очень большое пространство, которое можно использовать для демонстрации исключительно больших произведений искусства из-за его необычной высоты.
Высотой Турбинный зал с шестиэтажное здание.
В Турбинном зале обычно демонстрируются самые крупные экспонаты выставок. В этот раз в Турбинном зале открылась выставка знаменитого южнокорейского художника Хэге Янга под названием "Странные аттракторы".
Поскольку это термин научный, а я ни разу не математик и не физик, то объяснить что это такое не могу. Большая Российская энциклопедия сообщает, что "странные аттракторы - это притягивающее множество целых неустойчивых траекторий в фазовом пространстве динамической системы".
В Тейт Модерн находится реплика (оригинал утерян) самого влиятельного произведения искусства двадцатого века, которое опередило "Авиньонских девиц" Пикассо 1907 года и "Мэрилин" Энди Уорхола 1962 года.
Марсель Дюшан. "Фонтан". Реплика 1964 года с оригинала 1917 года.
Фонтан - наиболее известный реди-мейд, представленный Марселем Дюшаном в 1917 году, который является обыкновенным писсуаром с подписью "R.Mutt" (Р. Дурак).
Реди-мейд - одно из видов авангардного искусства, когда предметы, созданные не с художественными целями, преобразуются автором в собственное произведение посредством помещения в новый, неожиданный контекст (Википедия).
Ценность "Фонтана" не столько в оригинальной идее, сколько в последствиях этого акта. Дело вот в чем.
Идея "Фонтана" возникла в результате дискуссии Дюшана с коллекционером Вальтером Аренсбергом и художником Джозефом Стеллой в Нью-Йорке. Дюшан купил писсуар у поставщика сантехники и представил его как произведение искусства "R.Mutt" недавно созданному Обществу независимых художников, которое сам Дюшан помог основать.
Вокруг "Фонтана" разгорелись горячие споры, так как остальные члены не знали, кто был автором. В результате было решено не допускать произведение до выставки. Аренсберг и Дюшан подали в отставку в знак протеста против того, что правление взяло на себя право налагать вето и подвергать цензуре работы художника. Это было, по сути, революцией. Идея проведения выставок современных художников без участия жюри, вкусы которых были субъективны, было мечтой многих художников (принцип "есть жюри - есть известность" они считали порочным).
После демонстрации "Фонтана", писсуар пропал, но бурление в художественном сообществе продолжалось. "Фонтан" стал пользоваться огромной популярностью, и Дюшан сделал восемь реплик, подписав их так же, как пропавший оригинал. Одна из таких реплик и находится в Тейт Модерн (на аукционе Сотбис одна из реплик была продана за 1,7 миллиона долларов).
Сам Дюшан свой "Фонтан" не считал произведением искусства, а скорее, насмешкой над искусством, и в ответ на то, что его произведение стало пользоваться большой популярностью, через много лет ответил следующим образом: "Я швырнул им в лицо полку с писсуаром, и теперь они восхищаются его эстетическим совершенством".
Журнал The Independent в 2008 году написал, что Дюшан изобрел концептуальное искусство и "навсегда разорвал традиционную связь между трудом художника и заслугами за работу".
В своих работах современные скульпторы и художники, создающие перфомансы, используют самые разные материалы: от традиционных материалов (мрамор, бронза) до еды, мыла и светодиодов. Процессы изготовления, в основном, включают в себя резьбу, моделирование, литье, конструирование. Среди экспонатов есть работы, как широко известных скульпторов (например, Родена), так и известных только в узких кругах.
Жоан Миро. "Канатоходец". 1970 год.
Жоан Миро - один из самых известных современных художников Испании. Музей его творчества есть в Барселоне.
В этой скульптуре Миро использовал материалы, выброшенные в литейном цехе. Его целью было создать то, что он назвал "маловероятным браком узнаваемых форм". Тело канатоходца изготовлено из детской куклы, отлито из бронзы. Основанием, на котором она стоит, является конус, через который заливалась бронза, а изначально форму скрепляли гвозди. Пятнистая и текстурированная поверхность возникла в результате кислотных отложений, оставшихся в процессе литья. Большая часть работ Миро содержит юмор.
Чильдо Мейрелеш, бразильский художник. "Вавилон". 2001 год.
Инсталляция в форме круглой башни сделана из сотен бывших в употреблении аналоговых радиоприемников, которые художник уложил слоями. Радиоприемники настроены на множество различных станций и включены на минимальную громкость, при которой они слышны. Тем не менее, они конкурируют друг с другом и создают какофонию низких, непрерывных звуков, в результате чего становится недоступной информация, голоса или музыка. На то, чтобы собрать эту Вавилонскую башню и настроить все приемники, у художника ушло более 10 лет.
Смысл этой инсталляции понятен: человечество до сих пор не может найти общий язык.
Джимми Дарем. "Альпийский козерог". 2017 год.
Скульптура включает в себя настоящий череп и рога горного козла. Череп раскрашен зеленой краской, в глазницы вставлены стеклянные глаза. Голова закреплена на деревянных деталях мебели и прикручена куском металла к деревянному бруску, образующему шею животного. Туловище представляет собой перевернутый белый лакированный сундук, задние ноги заменяет спинка стула, а передние ноги сделаны из более коротких старых ножек стола, орнамент которых напоминает суставчатые ноги животного.
Объединение настоящего черепа и мебели художник объяснил так: "У меня такое ощущение, что использовании настоящих костей животного было бы слишком неуважительно". Дарем создал серию животных под названием "Европа", в их числе есть волк, кабан, рысь, медведь и другие животные. Материалы, в основном, художник закупает на блошиных рынках и в магазинах секонд-хенд, а также собирает обрезки и брак из стекольных студий и мебельных мастерских в Европе.
Джимми Дарем - американец индейского происхождения, живущий в Европе. Дарем создает животных с "человеческой" точки зрения, пытаясь опровергнуть идею о том, что человек - высшее существо. Именно поэтому он использует настоящие черепа, чтобы показать, что мы относимся к одной семье.
Джузеппе Пеноне, итальянский скульптор и художник. "Дыхание 5". 1978 год.
Большая глиняная скульптура высотой более 1,5 м, имеет форму вазы. На лицевой поверхности "вазы" имеется узкий вертикальный проход с волнистым отпечатком и округлыми скоплениями глины по краям. Этот проход расширяется у шеи скульптуры, и в самом верху произведения видна небольшая ротообразная полость. Проход представляет собой отпечаток одетого тела художника. Пеноне сначала сделал слепок самого себя, на который уложил катушки глины. Затем он снял гипс, оставив после себя отпечаток своего тела, а затем вылепил из глины закрученные формы по его краям. К верхней части скульптуры был добавлен глиняный слепок внутренней части его рта. Общий эффект, как следует из названия работы, заключается в том, чтобы предположить, что эта скульптура представляет собой "дыхание", сделанное художником.
Сам художник объясняет свою работу так: "Когда мы дышим, в пространство возвращается объем воздуха, который отличается от объема воздуха вокруг нас, и этот объем воздуха представляет собой скульптуру - скульптуру, которая длится мгновение, но уже является скульптурой".
Жилберто Зорио, итальянский художник. "Терракотовый круг". 1969 год.
"Терракотовый круг" восходит к древнегреческим и римским представлениям о пропорциях человека. Диаметр зависит от размаха рук художника. Круг образовался, когда он двигался на уровне пола. В работе также обозначена высота тела: на высоте головы висит стеклянная платформа с тонким слоем свинца.
В своих ранних работах художник увлекался естественными процессами, алхимической трансформацией и высвобождением энергии. Его скульптуры, картины и перформансы часто воспринимаются как метафоры революционных человеческих действий, трансформации и творчества.
Леонардо Дрю. "Номер 185". 2016 год. Дерево, акриловые краски и пастель
"Номер 185" входит в серию абстрактных настенных работ художника из Бруклина, Нью-Йорк. Эта серия работ показывает "циклическую природу существования, реальность, раскрывающую резонанс жизни, природу природы".
Искусствоведы интерпретируют эти работы, как "апокалиптическое послание, как зловещие тени над луной или предвестники времени бурных потрясений".
Ито Баррада. "Пальмовый знак" (Palm Sign). 2010 год.
Большая расписная металлическая скульптура пальмы, подсвеченная цветными лампочками, выглядит обшарпанной, с царапинами на краске и пустыми патронами для лампочек, что придает ей вид старого или заброшенного предмета. Однако художник специально создал ее так, чтобы она выглядело именно так.
Цвет пальмы (кремовый) - это цвет такси в родном городе Баррады Танжере в Марокко. Пальма часто используется в маркетинговых кампаниях, касающихся Марокко, и стала символом местной экзотики. По иронии судьбы это дерево не является родным для Марокко, а изначально было импортировано. Изношенный и обветшавший внешний вид Palm Sign напоминает некогда популярные места отдыха, а теперь заброшенные, подчеркивая циклический характер модернизации и упадка.
Своим проектом "Пальма" Баррада высмеивает лицемерие нынешней модернизации. "С замечательной дальновидностью наше правительство работает над достижением великой цели, поставленной десять лет назад: увеличить число иностранных туристов с нынешних двух миллионов иностранных посетителей в год до 10 миллионов. Но куда мы их поместим? Ответ: новое поколение прибрежных курортов и комплексов недвижимости, где пустыри и заброшенные леса превращаются в виллы и отели, бассейны и поля для гольфа; где бесплодные сельскохозяйственные угодья и бесполезные прибрежные водно-болотные угодья превращаются в аккуратные торговые районы, обслуживаемые высокоскоростными железнодорожными линиями, а прибрежные набережные усажены всемирно известными аккуратно подстриженными пальмами". - Пишет он с иронией.
Дальше в тексте художник рассуждает о различиях и неравенстве между коренными народами Марокко - "маврами" - и марокканцами первого поколения французского происхождения, которых в тексте он называет "образованными". Он иронично обрисовывается план по медленному искоренению "мавров" и тщательному отбору тех, кто должен остаться, чтобы "рыть наши канавы, заправлять наши кровати, начищать нашу обувь, ремонтировать наши машины и строить наши виллы".
Наири Баграмян, немецкая художница армяно-иранского происхождения. Scruff of the Neck (Загривок).
Работы художницы связаны с архитектурой и человеческим телом. Scruff of the Neck похожи на зубные брикеты. Баграмян поясняет, что отправной точкой выставки было представить себе, что вы перемещаетесь по пространству так, как если бы вы могли войти в него через затылок, отсюда такое идиоматическое название.
Йозеф Бойс. "Молния с оленем в бликах" (Lightning with Stag in its Glare). 1983-1985 годы.
Йозеф Бойс - немецкий художник, один из главных теоретиков постмодернизма.
Инсталляция Бойса занимает целое помещение и состоит из пяти наборов скульптур, которые называются Молния, Бутия Феликс (полуостров в канадской Арктике), Коза, Олень и Первобытные животные.
По словам искусствоведов "Молния с оленем в бликах" передает "образы ожидаемой смерти, распада, разложения и разрушения... поскольку следы всей преходящей жизни уступают место в этой среде проекции непрозрачно сияющего мира холода, необратимой судьбы". Но более точно выразился один из посетителей галереи - "кусок обгорелой пиццы и какашки на полу", что вполне соответствует концепции распада и разложения.
С некоторыми произведениями происходила удивительная трансформация.
Марио Мерц, итальянский художник. "Коно". 1966-1968 годы.
Марио Мерц создал три почти одинаковых произведения искусства. Сохранились только два. Коно представляет собой высокую почти коническую постройку из ивы с открытой вершиной. Коно (конусы) были сплетены не самим художником, а ремесленниками по его заказу. Коно достаточно большое, чтобы внутри мог поместиться взрослый мужчина. Он несет в себе оттенок деревенской сельской жизни, традиционных методов ведения сельского хозяйства. Он выглядит одновременно функциональным и бесполезным, ремесленным и художественным.
Эта работа, которая сейчас называется "Коно", в 1960-ые годы выставлялась под названием "Cestone di vimini" (ивовая корзина) с подзаголовком "con acqua all'interno in ebollizione" (с кипящей водой внутри).
Конус выставлялся с кастрюлей с кипящей фасолью внутри, и зрителям разрешили забраться внутрь. Эта экспозиция демонстрировала функциональность и полезность "корзины", как временного жилища, в отличие от произведения искусства, которое демонстрируется сейчас. Буквально на наших глазах утилитарный предмет, созданный ремесленниками и выставленный за загородки в музее, превратился в произведение искусства, реди-мейд, хотя первоначально им не задумывался.
Марио Мерц демонстрирует свой экспонат.
P.S. Современное искусство настолько разнообразное, что оценить его однозначно невозможно, но оно живое, изменяющееся и поэтому интересное.
Художники это быстро поняли и стали искать новые формы для своего выражения. Современное искусство - это постоянные эксперименты. Тейт Модерн - хранилище этих экспериментов, которые часто представляют из себя головоломки, - как, например, эта фраза, которая встречает посетителей Тейт Модерн.
Эта работа была создана современным британским художником Мартином Кридом в 2000 году. Крид считается художником-постконцептуалистом. Его работам присущи минимализм и юмор. Фраза the whole word + the work = the whole world смещает акцент с буквального значения в область абстрактной философии. Смысл фразы зациклен, он возвращается сам в себя и искать в этой фразе смысл (хотя критики пытаются выстраивать свои концепции) бессмысленно, это уравнение, которое невозможно решить.
Tate Modern - один из крупнейших музеев современного искусства в мире. Здание, в котором расположен музей, когда-то было электростанцией Бэнксайд. Электростанция была построена в 1891 году и работала до 1981 года. После закрытия электростанции здание реконструировали, и в 2000 году галерея Тейт Модерн была открыта королевой.
В первый раз мы были в Тейт Модерн в 2008 году.
В Турбинном зале галереи в то время экспонировалась огромная паучиха "Маман", созданная американским скульптором французского происхождения Луизой Жозефиной Буржуа. Сейчас копии пауков Луизы расползлись по всему миру, но когда в 2000 году перед зданием Тейт Модерн была поставлена огромная металлическая статуя паучихи с мешком, в котором находилось 26 мраморных яиц, она вызвала настоящий шок у жителей Лондона и была демонтирована по их просьбе после окончания прошедшей в галерее выставки. В 2008 году, когда мы были в галерее, паучиха поражала своими размерами, но шок уже у посетителей не вызывала. "Маман" была выкуплена канадцами и сейчас находится на площади перед Национальной галереей Канады.
В здании 11 этажей, пронумерованных от 0 до 10. Турбинный зал - единое большое помещение, занимающее всю длину здания между котельной и распределительной. Его пересекают мосты между котельной и распределительной на уровнях 1 и 4 этажей, но в остальном пространство не разделено. Восточный конец представляет собой очень большое пространство, которое можно использовать для демонстрации исключительно больших произведений искусства из-за его необычной высоты.
Высотой Турбинный зал с шестиэтажное здание.
В Турбинном зале обычно демонстрируются самые крупные экспонаты выставок. В этот раз в Турбинном зале открылась выставка знаменитого южнокорейского художника Хэге Янга под названием "Странные аттракторы".
Поскольку это термин научный, а я ни разу не математик и не физик, то объяснить что это такое не могу. Большая Российская энциклопедия сообщает, что "странные аттракторы - это притягивающее множество целых неустойчивых траекторий в фазовом пространстве динамической системы".
Click to viewВ Тейт Модерн находится реплика (оригинал утерян) самого влиятельного произведения искусства двадцатого века, которое опередило "Авиньонских девиц" Пикассо 1907 года и "Мэрилин" Энди Уорхола 1962 года.
Марсель Дюшан. "Фонтан". Реплика 1964 года с оригинала 1917 года.
Фонтан - наиболее известный реди-мейд, представленный Марселем Дюшаном в 1917 году, который является обыкновенным писсуаром с подписью "R.Mutt" (Р. Дурак).
Реди-мейд - одно из видов авангардного искусства, когда предметы, созданные не с художественными целями, преобразуются автором в собственное произведение посредством помещения в новый, неожиданный контекст (Википедия).
Ценность "Фонтана" не столько в оригинальной идее, сколько в последствиях этого акта. Дело вот в чем.
Идея "Фонтана" возникла в результате дискуссии Дюшана с коллекционером Вальтером Аренсбергом и художником Джозефом Стеллой в Нью-Йорке. Дюшан купил писсуар у поставщика сантехники и представил его как произведение искусства "R.Mutt" недавно созданному Обществу независимых художников, которое сам Дюшан помог основать.
Вокруг "Фонтана" разгорелись горячие споры, так как остальные члены не знали, кто был автором. В результате было решено не допускать произведение до выставки. Аренсберг и Дюшан подали в отставку в знак протеста против того, что правление взяло на себя право налагать вето и подвергать цензуре работы художника. Это было, по сути, революцией. Идея проведения выставок современных художников без участия жюри, вкусы которых были субъективны, было мечтой многих художников (принцип "есть жюри - есть известность" они считали порочным).
После демонстрации "Фонтана", писсуар пропал, но бурление в художественном сообществе продолжалось. "Фонтан" стал пользоваться огромной популярностью, и Дюшан сделал восемь реплик, подписав их так же, как пропавший оригинал. Одна из таких реплик и находится в Тейт Модерн (на аукционе Сотбис одна из реплик была продана за 1,7 миллиона долларов).
Сам Дюшан свой "Фонтан" не считал произведением искусства, а скорее, насмешкой над искусством, и в ответ на то, что его произведение стало пользоваться большой популярностью, через много лет ответил следующим образом: "Я швырнул им в лицо полку с писсуаром, и теперь они восхищаются его эстетическим совершенством".
Журнал The Independent в 2008 году написал, что Дюшан изобрел концептуальное искусство и "навсегда разорвал традиционную связь между трудом художника и заслугами за работу".
В своих работах современные скульпторы и художники, создающие перфомансы, используют самые разные материалы: от традиционных материалов (мрамор, бронза) до еды, мыла и светодиодов. Процессы изготовления, в основном, включают в себя резьбу, моделирование, литье, конструирование. Среди экспонатов есть работы, как широко известных скульпторов (например, Родена), так и известных только в узких кругах.
Жоан Миро. "Канатоходец". 1970 год.
Жоан Миро - один из самых известных современных художников Испании. Музей его творчества есть в Барселоне.
В этой скульптуре Миро использовал материалы, выброшенные в литейном цехе. Его целью было создать то, что он назвал "маловероятным браком узнаваемых форм". Тело канатоходца изготовлено из детской куклы, отлито из бронзы. Основанием, на котором она стоит, является конус, через который заливалась бронза, а изначально форму скрепляли гвозди. Пятнистая и текстурированная поверхность возникла в результате кислотных отложений, оставшихся в процессе литья. Большая часть работ Миро содержит юмор.
Чильдо Мейрелеш, бразильский художник. "Вавилон". 2001 год.
Инсталляция в форме круглой башни сделана из сотен бывших в употреблении аналоговых радиоприемников, которые художник уложил слоями. Радиоприемники настроены на множество различных станций и включены на минимальную громкость, при которой они слышны. Тем не менее, они конкурируют друг с другом и создают какофонию низких, непрерывных звуков, в результате чего становится недоступной информация, голоса или музыка. На то, чтобы собрать эту Вавилонскую башню и настроить все приемники, у художника ушло более 10 лет.
Смысл этой инсталляции понятен: человечество до сих пор не может найти общий язык.
Джимми Дарем. "Альпийский козерог". 2017 год.
Скульптура включает в себя настоящий череп и рога горного козла. Череп раскрашен зеленой краской, в глазницы вставлены стеклянные глаза. Голова закреплена на деревянных деталях мебели и прикручена куском металла к деревянному бруску, образующему шею животного. Туловище представляет собой перевернутый белый лакированный сундук, задние ноги заменяет спинка стула, а передние ноги сделаны из более коротких старых ножек стола, орнамент которых напоминает суставчатые ноги животного.
Объединение настоящего черепа и мебели художник объяснил так: "У меня такое ощущение, что использовании настоящих костей животного было бы слишком неуважительно". Дарем создал серию животных под названием "Европа", в их числе есть волк, кабан, рысь, медведь и другие животные. Материалы, в основном, художник закупает на блошиных рынках и в магазинах секонд-хенд, а также собирает обрезки и брак из стекольных студий и мебельных мастерских в Европе.
Джимми Дарем - американец индейского происхождения, живущий в Европе. Дарем создает животных с "человеческой" точки зрения, пытаясь опровергнуть идею о том, что человек - высшее существо. Именно поэтому он использует настоящие черепа, чтобы показать, что мы относимся к одной семье.
Джузеппе Пеноне, итальянский скульптор и художник. "Дыхание 5". 1978 год.
Большая глиняная скульптура высотой более 1,5 м, имеет форму вазы. На лицевой поверхности "вазы" имеется узкий вертикальный проход с волнистым отпечатком и округлыми скоплениями глины по краям. Этот проход расширяется у шеи скульптуры, и в самом верху произведения видна небольшая ротообразная полость. Проход представляет собой отпечаток одетого тела художника. Пеноне сначала сделал слепок самого себя, на который уложил катушки глины. Затем он снял гипс, оставив после себя отпечаток своего тела, а затем вылепил из глины закрученные формы по его краям. К верхней части скульптуры был добавлен глиняный слепок внутренней части его рта. Общий эффект, как следует из названия работы, заключается в том, чтобы предположить, что эта скульптура представляет собой "дыхание", сделанное художником.
Сам художник объясняет свою работу так: "Когда мы дышим, в пространство возвращается объем воздуха, который отличается от объема воздуха вокруг нас, и этот объем воздуха представляет собой скульптуру - скульптуру, которая длится мгновение, но уже является скульптурой".
Жилберто Зорио, итальянский художник. "Терракотовый круг". 1969 год.
"Терракотовый круг" восходит к древнегреческим и римским представлениям о пропорциях человека. Диаметр зависит от размаха рук художника. Круг образовался, когда он двигался на уровне пола. В работе также обозначена высота тела: на высоте головы висит стеклянная платформа с тонким слоем свинца.
В своих ранних работах художник увлекался естественными процессами, алхимической трансформацией и высвобождением энергии. Его скульптуры, картины и перформансы часто воспринимаются как метафоры революционных человеческих действий, трансформации и творчества.
Леонардо Дрю. "Номер 185". 2016 год. Дерево, акриловые краски и пастель
"Номер 185" входит в серию абстрактных настенных работ художника из Бруклина, Нью-Йорк. Эта серия работ показывает "циклическую природу существования, реальность, раскрывающую резонанс жизни, природу природы".
Искусствоведы интерпретируют эти работы, как "апокалиптическое послание, как зловещие тени над луной или предвестники времени бурных потрясений".
Ито Баррада. "Пальмовый знак" (Palm Sign). 2010 год.
Большая расписная металлическая скульптура пальмы, подсвеченная цветными лампочками, выглядит обшарпанной, с царапинами на краске и пустыми патронами для лампочек, что придает ей вид старого или заброшенного предмета. Однако художник специально создал ее так, чтобы она выглядело именно так.
Цвет пальмы (кремовый) - это цвет такси в родном городе Баррады Танжере в Марокко. Пальма часто используется в маркетинговых кампаниях, касающихся Марокко, и стала символом местной экзотики. По иронии судьбы это дерево не является родным для Марокко, а изначально было импортировано. Изношенный и обветшавший внешний вид Palm Sign напоминает некогда популярные места отдыха, а теперь заброшенные, подчеркивая циклический характер модернизации и упадка.
Своим проектом "Пальма" Баррада высмеивает лицемерие нынешней модернизации. "С замечательной дальновидностью наше правительство работает над достижением великой цели, поставленной десять лет назад: увеличить число иностранных туристов с нынешних двух миллионов иностранных посетителей в год до 10 миллионов. Но куда мы их поместим? Ответ: новое поколение прибрежных курортов и комплексов недвижимости, где пустыри и заброшенные леса превращаются в виллы и отели, бассейны и поля для гольфа; где бесплодные сельскохозяйственные угодья и бесполезные прибрежные водно-болотные угодья превращаются в аккуратные торговые районы, обслуживаемые высокоскоростными железнодорожными линиями, а прибрежные набережные усажены всемирно известными аккуратно подстриженными пальмами". - Пишет он с иронией.
Дальше в тексте художник рассуждает о различиях и неравенстве между коренными народами Марокко - "маврами" - и марокканцами первого поколения французского происхождения, которых в тексте он называет "образованными". Он иронично обрисовывается план по медленному искоренению "мавров" и тщательному отбору тех, кто должен остаться, чтобы "рыть наши канавы, заправлять наши кровати, начищать нашу обувь, ремонтировать наши машины и строить наши виллы".
Наири Баграмян, немецкая художница армяно-иранского происхождения. Scruff of the Neck (Загривок).
Работы художницы связаны с архитектурой и человеческим телом. Scruff of the Neck похожи на зубные брикеты. Баграмян поясняет, что отправной точкой выставки было представить себе, что вы перемещаетесь по пространству так, как если бы вы могли войти в него через затылок, отсюда такое идиоматическое название.
Йозеф Бойс. "Молния с оленем в бликах" (Lightning with Stag in its Glare). 1983-1985 годы.
Йозеф Бойс - немецкий художник, один из главных теоретиков постмодернизма.
Инсталляция Бойса занимает целое помещение и состоит из пяти наборов скульптур, которые называются Молния, Бутия Феликс (полуостров в канадской Арктике), Коза, Олень и Первобытные животные.
По словам искусствоведов "Молния с оленем в бликах" передает "образы ожидаемой смерти, распада, разложения и разрушения... поскольку следы всей преходящей жизни уступают место в этой среде проекции непрозрачно сияющего мира холода, необратимой судьбы". Но более точно выразился один из посетителей галереи - "кусок обгорелой пиццы и какашки на полу", что вполне соответствует концепции распада и разложения.
С некоторыми произведениями происходила удивительная трансформация.
Марио Мерц, итальянский художник. "Коно". 1966-1968 годы.
Марио Мерц создал три почти одинаковых произведения искусства. Сохранились только два. Коно представляет собой высокую почти коническую постройку из ивы с открытой вершиной. Коно (конусы) были сплетены не самим художником, а ремесленниками по его заказу. Коно достаточно большое, чтобы внутри мог поместиться взрослый мужчина. Он несет в себе оттенок деревенской сельской жизни, традиционных методов ведения сельского хозяйства. Он выглядит одновременно функциональным и бесполезным, ремесленным и художественным.
Эта работа, которая сейчас называется "Коно", в 1960-ые годы выставлялась под названием "Cestone di vimini" (ивовая корзина) с подзаголовком "con acqua all'interno in ebollizione" (с кипящей водой внутри).
Конус выставлялся с кастрюлей с кипящей фасолью внутри, и зрителям разрешили забраться внутрь. Эта экспозиция демонстрировала функциональность и полезность "корзины", как временного жилища, в отличие от произведения искусства, которое демонстрируется сейчас. Буквально на наших глазах утилитарный предмет, созданный ремесленниками и выставленный за загородки в музее, превратился в произведение искусства, реди-мейд, хотя первоначально им не задумывался.
Марио Мерц демонстрирует свой экспонат.
P.S. Современное искусство настолько разнообразное, что оценить его однозначно невозможно, но оно живое, изменяющееся и поэтому интересное.