Топ-10 самых дорогих произведений искусства, проданных с аукционных торгов в 2017 году
«Деньгами искусство не измеряется», «И я так могу», «Куда катится мир» - такими будут скорее всего первые комментарии. Постараюсь реагировать на них сдержанно, ведь каждый человек имеет право понять, что мир уже давно укатился под диван и никак не реагирует на пульт от телевизора. Тем более, что представленным ниже произведениям все эти потуги будут до задней стороны холста. В историю искусств они уже вписаны, а потому факт остаётся фактом - на подобных аукционах, помимо денег и тщеславия, представлены имена и полотна художников «первого ряда», и вместе с демонстрацией экономического капитала здесь определяются тренды капитала культурного. Они как раз базируются не на количестве денег, а на значимости художественного произведения для человечества. И эта значимость вовсе не заканчивается уверенностью, что единственная практическая функция натюрморта - висеть на кухне, она вбирает в себя сложные социальные, культурные, политические, общественные и даже технологические процессы, происходившие с миром в тот или иной период. Другими словами, это способ вложения денег не в курс биткоина, а в художественные завоевания человечества. При этом, пожалуйста, не надо думать, что Ларри Гагосян настолько невежественен, что может потратить на живописное письмо Сая Твомбли 50 миллионов долларов, не понимая, что он только что сотворил. Поверьте, он в курсе на что и почему он тратит такие деньги. Аукцион всегда работает как лакмус, в том числе и для тех, кто видит в нём лишь способ наживы и оболванивания масс (каких при этом масс, не уточняется). Да! Скандал, игра и стремление заработать - неотъемлемые составляющие этого действа, но при этом любые изменения в мире обязательно сказываются как на выборе самих произведений, так и на окончательных ценниках для них. Тем интереснее наблюдать за процессом.
1. Леонардо да Винчи. Спаситель мира. 1506-1513. $450,312,500
15 ноября на вечерних торгах послевоенным и современным искусством Christie’s был поставлен новый абсолютный рекорд. Никто и никогда с аукционных торгов не продавал произведение искусства за $450,3 млн. Именно столько стоит сегодня «Спаситель мира» Леонардо да Винчи. Именно с такой баснословной суммой расстался Департамент по культуре и туризму Абу-Даби (ОАЭ), приобретя картину для своего Лувра, где она вскоре будет доступна для общественного просмотра.
«Спаситель мира» был написан Леонардо да Винчи предположительно для французской королевской семьи и в 1625 году был привезён в Англию королевой Генриеттой Марией, когда она выходила замуж за короля Чарльза I. Позднее её владельцами были английские короли Карл I и Карл II, а в 1763 году картина пропала почти на 150 лет, всплыв во второй половине XIX века в коллекции сэра Фрэнсиса Кука, наследники которого ошибочно атрибутировали картину в 1958 году как копию, написанную с картины Джованни Больтраффио, ученика Леонардо. Они продали её на аукционе Sotheby's за 45 фунтов стерлингов, после чего она снова исчезла на 50 лет, возникнув на арт-горизонте лишь в 2005 году с чеком в 10 000 долларов уже как копия одного из учеников да Винчи.
Причина такой низкой оценки была ещё и в том, что за долгое время своих путешествий картина много раз дорисовывалась, закрашивалась и реставрировалась, поэтому её вид сильно отличался даже от первоначального эскиза и был больше похож действительно на копию, чем на оригинал, что и ввело в заблуждение тех же потомков английского коллекционера. Чудо возвращения случилось в 2011 году. Реставраторы под лишними слоями краски обнаружили последний шедевр мастера. Его подлинность после шестилетнего кропотливого исследования подтвердили крупнейшие независимые специалисты по творчеству Леонардо.
2. Жан-Мишель Баския. Без названия. 1982. $110,486,500
Безымянную работу американского неоэкспрессиониста, созданную в 1982 году, приобрёл основатель крупнейшего в Японии интернет-магазина дизайнерской одежды, японский миллиардер Юсаку Маэдзава. В чём-то создание этого полотна стало переломным для Баскии, своеобразным символом его окончательного восхождения на олимп. Именно после его создания в жизни художника случился судьбоносный ряд событий, который и вывел его на первые места арт-рейтингов.
Персональные выставки в знаковых американских галереях, а также приглашения на «Документу-7» и ряд других значительных вернисажей внезапно сменились грандиозным скандалом. Баския послал куда подальше своего дилера Аннину Носей, уничтожив начатые работы, которые он по договору с ней должен был создать в количестве 10 штук ровно за один месяц. Обменявшись публичными «любезностями», эта дуэль поставила профессиональное сообщество на сторону Баскии. Журналисты тут же объявили его «Лу Ридом живописи», после чего на него обратил внимания сам Энди Уорхол. Он прочитал статью о скандале в итальянском журнале и захотел познакомиться с юным бунтарём. С этого момента Баския стал настоящей звездой арт-сцены, заставив всех ценителей искусства покупать его картины, едва только на них высохнет краска.
Отбросив ложную скромность, скажу, что работа «Без названия» 1982 года - это подлинный шедевр, воплощающий в себе первозданную, дерзкую и неуёмную страсть художника. Как говорится в каталоге, «работа воплощает непобедимую силу творческого мятежа Баскии, который разрастающимся пламенем из слова, цвета и знака зажёг центр Манхэттена в начале 1980-х годов». В общем, всё так и было!
3. Винсент Ван Гог. Вспаханное поле и пахарь. 1889. $81,312,500
Первая картина, написанная Винсентом Ван Гогом в 1889 году, когда он находился в Сен-Поль-де-Мозоль, лечебнице для душевнобольных. Упоминание о ней есть в письме к брату Тео от 2 сентября: «Вчера опять помаленьку принялся за работу. Пишу то, что вижу из своего окна, - распашку жёлтого жнивья, контраст фиолетовой земли с кучками жёлтой соломы, на заднем плане холмы. Работа развлекает меня бесконечно больше, чем любое другое занятие, и, если бы я мог отдаться ей со всей моей энергией, она стала бы для меня наилучшим лекарством».
«Вспаханное поле и пахарь» - знаковая для художника картина, в мазках которой специалисты видят неконтролируемые силы, оказавшие разрушительное действие на его разум. Пришли в движение эти силы после ссоры с Гогеном в «Жёлтом доме» Арля. Она настолько потрясла художника, что он отрезал себе часть левого уха. С тех пор Винсент не брал в руки кисти девять месяцев. И вот...
В фигуре пахаря Винсент увидел параллели с собственной миссией художника, которая была для него постоянной борьбой. «Турбулентность земли», - так описывает впечатление от полотна Конор Джордан, заместитель председателя аукционного дома Christie’s из нью-йоркского отдела импрессионистов и модернистов. И здесь он, как никогда, прав...
4. Фернан Леже. Контраст форм. 1913. $70,062,500
И вновь «самая важная картина художника», Это был период увлечения кубизмом, когда собственный художественный язык Фернана Леже, построенный на чёткой и конструктивной манере письма, лишённой психологизма, проявил себя в полной мере. Другими словами, реальные наблюдения художник трансформировал в декоративные образы, очищенные от непосредственного изображения человека, но настойчиво сообщающие о его взаимодействии с новой цивилизацией.
Леже считал, что в мире господствует геометрический порядок, который подчиняет себе весь предметный мир и человеку всё сложнее и сложнее ему сопротивляться. Это подчинение «единому геометрическому закону» как раз и отражает полотно «Контраст форм», где стремительность изменений выражена через идею колеса, олицетворяющую бешеную скорость, с какой они происходят, а контрастные цвета должны были вызывать ощущение беспокойного движения.
В этом он как раз разительно отличался от других футуристов, которые предпочитали видеть в машине новое божество, на поклонение которому были брошены все творческие силы. Но Леже рассматривал механизм иначе, он видел в нём лишь орудие производства в руках человека и поэтому его монументальность считывалась не как поклонение бездушному металлу, а как человеческий эпос, в котором главными движущими силами были действие и сопротивление материала, будь то деталь из стали или сам человек.
5. Густав Климт. Цветущий сад. 1907. $64,460,000
Шедевр венского декаданса, сочетающий в себе с одной стороны символический, декоративный орнамент, а с другой - естественный, природный мир. Эта двойственность простого пейзажа вызвала сенсацию на венской выставке «Кунстшау» в 1908 году, где «Цветущий сад» был выставлен вместе с известным на весь мир «Поцелуем». Жители Вены, которые знали и любили художника как портретиста, были настолько поражены увиденным, что сразу же признали Климта выдающимся художником современности. Наши современники в свою очередь тоже не остались в долгу, и сегодня пейзажи Климта ценятся много выше его портретов.
«Множественность в простоте», - так определяют содержание этого полотна критики и искусствоведы. Одни видят здесь тайны мироздания и даже звёздное небо, другие необработанную, естественную силу и мощь природы, а третьи вообще находят в нём почти божественный промысел: «Его полотна правдивы в том, что он видел, но в то же время они выходят за пределы видимой реальности. Используя дизайн и текстуру, узор и цвет, они превращают временное в постоянное, запечатлевают мимолётное, преображая и восстанавливая мир, который постоянно меняется и распадается на незыблемую благодать». (Френк Уитфорд)
Но лучше всех сказал Йозеф Аугуст Люкс, пришедший на выставку 1908 года: «Цветочные луга стали ещё красивее, с тех пор как Климт нарисовал их. Художник, открыв нам глаза, показывает всё великолепие их цветов. Мы никогда не научимся захватывать природу в её магической красоте, кроме как через искусство, которое постоянно обновляет её проявление». Магия, одним словом. А теперь ещё и очень дорогая магия.
6. Энди Уорхол. Шестьдесят «Тайных вечерь». 1986. $63,312,500
История создания этого полотна настолько примечательна сама по себе, что тянет если не на описание принципа всего направления поп-арта, то, как минимум, на причастие эпохи постмодерна.
В 1985 году парижский друг Уорхола, арт-дилер и галерист Александр Иолас, заказал художнику для выставки в Милане серию работ, которые были бы основаны на «Тайной вечере» Леонардо да Винчи и выполнены в излюбленной технике художника - шелкографии. Идея была заманчивой, поскольку знаковое для итальянского Возрождения полотно уже давно стало частью популярной культуры. А это как раз то, что было нужно. Уорхол приступил к работе и провозился над проектом около года. Дело осложнилось тем, что он никак не мог получить нужную ему фотографию картины - все изображения оказывались настолько тёмными, что с ними невозможно было работать дальше. И тогда его осенила идея использовать для работы не оригинал, а подделки. В дело пошло всё: репродукции из книг, копии и даже скульптурные группы, одну из которых он случайно обнаружил на какой-то заправке в Нью-Джерси, заплатив за неё 13 долларов. Уорхол придирчиво искал подходящее изображение. В конечном итоге основой для полотна стала репродукция, купленная в корейском религиозном магазине, недалеко от его Фабрики.
Когда заказ был выполнен, картины развесили в новом офисе банка «Credito-Valtellinese», прямо напротив церкви Санта-Мария-делле-Грацие, где висит благородный оригинал кисти Леонардо да Винчи. Так один мастер встретился с другим. Ирония и поклонение в одном жесте. Это была последняя работа короля поп-арта. Спустя месяц Энди Уорхола не стало.
7. Константин Бранкузи. Спящая муза. 1910. $57,367,500
«Спящая муза» стала первой работой Бранкузи, положившей начало серии яйцевидных скульптур, которые впоследствии стали визитной карточкой художника и ключевым образом его абстрактной скульптуры. «С помощью этой формы я могу перемещать вселенную». Так заявил Бранкузи и оказался прав.
Приехав в Париж из Румынии в 1904 году, он в марте 1907 уже работал в мастерской Родена, перенося из глины в камень композиции мастера. Однако этот опыт длился совсем недолго. Смело заявив, что «ничего не растёт под большими деревьями», Бранкузи покинул Родена и отправился на поиски своего скульптурного стиля, всё больше и больше уходя от индивидуальности модели в сторону очищенной формы, которая способна была выразить превосходство духа над материей. Результат был потрясающим. Получившийся в итоге творческих исканий объект не был маской. В нём по-прежнему ощущалась внутренняя жизнь, доставшаяся ему от модели, баронессы Рене Ираны Франшон.
Метаморфоза произошла. Алхимик Бранкузи нашёл идеальную форму для выражения своей максимы: «Жизнь есть брожение и должна меняться, чтобы оставаться живой». Все шесть бронзовых версий были отлиты в 1910 году. Впервые «Спящая муза», правда в мраморной версии, была представлена публике спустя два года на ежегодном Салоне Независимых в Париже и вызвала восторг самого Аполлинера, назвавшего работы скульптора «одними из самых изысканных». В 1913 году на Оружейной выставке в Нью-Йорке его уже ждал бешеный триумф, открывший миру безграничные возможности элементарной формы, уходящей корнями к первообразу. «Скульптура Бранкузи - это возвращение к первобытному элементу, первичной молекуле, зародышу всей жизни». (Барбу Брезиану)
8. Сай Твомбли. Леда и лебедь. 1962. $52,887,500
Наследник живописи действия Поллока, Сай Твомбли в последнее десятилетие прочно прописался в подобных хит-парадах, что не может не радовать истинных любителей искусства, которые меряют живопись не реалистической, а метафизической линейкой, способной на измерения куда более сложные, чем простая «похожесть» на реальный мир. Этот год не исключение. Известный нью-йоркский галерист Ларри Гагосян раскошелился на приличную сумму, чтобы приобрести римское полотно одного из самых неоднозначных художников XX века.
В начале 60-х, после того как Сай Твомбли переехал из Нью-Йрка в Рим, у него возник замысел цикла работ на основе мифа о Леде, изнасилованной богом Зевсом, представшим перед ней в виде лебедя. Было создано шесть полотен, которые по своей образности, обращению с краской и предметом были чувственными, эротическими и даже наглыми, словно воплощали в себе физическое высвобождение мифологической страсти. Характерное для Твомбли живописное письмо буквально взрывало холст изнутри, оставаясь при этом строчками и мазками, держащимися внутри художественной логики, устраняющей барьеры между тактильным прикосновением к холсту и чувственностью самого мифа.
Более того, в этих работах Сай Твомбли наследует итальянскому Возрождению, в котором миф о Леде и лебеде был самой популярной историей, несмотря на то, что сравнительно немногие оригинальные шедевры сохранились до нашего времени. Наиболее заметными среди них являются, конечно, одноимённые произведения Леонардо да Винчи (1508) и Микеланджело (1529). К сожалению, оба полотна ныне считаются утраченными (говорю это с осторожностью, поскольку недавняя «находка», описанная выше, всё-таки позволяет надеяться на чудо). Как полагают искусствоведы, они были намеренно уничтожены в XVII веке, когда античный сюжет считался слишком пошлым для того, чтобы быть изображённым на холсте. Сегодня мы знаем о них лишь по сохранившимся копиям, которые и изучал Сай Твомбли перед тем, как создать свою версию мифологического сюжета.
9. Фрэнсис Бэкон. Три этюда к портрету Джорджа Дайера. 1963. $51,767,500
Это первый портрет Джорджа Дайера, мелкого вора из лондонского Ист-Энда и главной музы Фрэнсиса Бэкона, знаменующий начало их бурных и трагических отношений. В дальнейшем, он появится как минимум ещё на 40 полотнах художника, многие из которых будут созданы мастером всего за 36 часов до своей крупной ретроспективы в Гран-Пале сразу же после того, как Дайер покончит с собой в октябре 1971 года. Поглощённый горем и чувством вины Бэкон будет и дальше продолжать писать своего любовника. в 1972-1973 годах он напишет серию из 3 работ, получившую название «Черные триптихи».
Как никакой другой художник XX века Бэкон был способен выразить трагичность существования личности с пугающе предельным реализмом, который проявлялся в его способности затронуть через живопись самые тёмные и интимные стороны человека. Та экспрессия, с какой он его обнажал, предъявляла зрителю оголённое до самой плоти существо с выставленными напоказ экзистенциальной тоской и животным чувством. Это была смесь разума и инстинкта, воплощённая часто в триптихе, - форме, идеально подходящей для попытки изобразить впечатление от живого общения с человеком, когда он меньше всего был похож на фотографию. Так появляется последовательность, в которой всегда присутствует ощущение беспокойства, усиленное способностью выражать эмоции мимикой и жестами.
С портретами Джорджа Дайера художественная практика Бэкона достигла нового уровня интенсивности. Передача сложных чувств человеческого существования воплотилась в живописных деформациях, показывающих фигуру человека, выдерживающего натиск сил, способных привести его к исчезновению. Но лучше всего об этом сказал Жиль Делёз в своей работе «Фрэнсис Бэкон: Логика ощущения»: «Фигуры Бэкона кажутся одним из лучших в истории живописи ответов на вопрос о том, как сделать видимыми невидимые силы».
10. Чэнь Жун. Шесть драконов. XIII век. $48,967,500
С древнейших времён дракон был символом императорской власти, и его изображение было представлено на многих картинах, а также на бронзовых и нефритовых изделиях, медных зеркалах, фарфоре и в камне. До династии Хань (206 до н. э. - 220 н. э.) изображения драконов в произведениях искусства были довольно абстрактными и загадочными, но постепенно это мифическое животное стало обретать те черты, по которым мы узнаём его сегодня. Специализироваться на изображении драконов художники стали только во время империи Сун (960 - 1279), которая знаменует собой новый подход в истории изображения дракона в Китае. Как раз к этому периоду и относят «Шесть драконов» Чэнь Жуна, 4-х метровый шедевр Южного периода.
В эти годы, заботясь о поддержании духовного здоровья нации, подавленного войнами с государством Цзинь, художники стали использовать символ китайской власти для выражения собственных эмоций, вкладывая в них высокие идеалы и устремления через изображение внушительной позы дракона. С этого момента изображения драконов, которые раньше делались только для королевского двора, стали мощным способом выражения личных и национальных переживаний. Теперь у каждого жителя империи мог быть собственный дракон.
Говорят, что Чэнь Жун всегда начинал рисовать, когда был пьян. Он просто наливал облака чернил на бумагу, туманом распылял по ним воду и водил по поверхности своим шарфом, создавая прославившие его изображения. В том числе и драконов. Всё может быть, всё может быть...
1. Леонардо да Винчи. Спаситель мира. 1506-1513. $450,312,500
15 ноября на вечерних торгах послевоенным и современным искусством Christie’s был поставлен новый абсолютный рекорд. Никто и никогда с аукционных торгов не продавал произведение искусства за $450,3 млн. Именно столько стоит сегодня «Спаситель мира» Леонардо да Винчи. Именно с такой баснословной суммой расстался Департамент по культуре и туризму Абу-Даби (ОАЭ), приобретя картину для своего Лувра, где она вскоре будет доступна для общественного просмотра.
«Спаситель мира» был написан Леонардо да Винчи предположительно для французской королевской семьи и в 1625 году был привезён в Англию королевой Генриеттой Марией, когда она выходила замуж за короля Чарльза I. Позднее её владельцами были английские короли Карл I и Карл II, а в 1763 году картина пропала почти на 150 лет, всплыв во второй половине XIX века в коллекции сэра Фрэнсиса Кука, наследники которого ошибочно атрибутировали картину в 1958 году как копию, написанную с картины Джованни Больтраффио, ученика Леонардо. Они продали её на аукционе Sotheby's за 45 фунтов стерлингов, после чего она снова исчезла на 50 лет, возникнув на арт-горизонте лишь в 2005 году с чеком в 10 000 долларов уже как копия одного из учеников да Винчи.
Причина такой низкой оценки была ещё и в том, что за долгое время своих путешествий картина много раз дорисовывалась, закрашивалась и реставрировалась, поэтому её вид сильно отличался даже от первоначального эскиза и был больше похож действительно на копию, чем на оригинал, что и ввело в заблуждение тех же потомков английского коллекционера. Чудо возвращения случилось в 2011 году. Реставраторы под лишними слоями краски обнаружили последний шедевр мастера. Его подлинность после шестилетнего кропотливого исследования подтвердили крупнейшие независимые специалисты по творчеству Леонардо.
2. Жан-Мишель Баския. Без названия. 1982. $110,486,500
Безымянную работу американского неоэкспрессиониста, созданную в 1982 году, приобрёл основатель крупнейшего в Японии интернет-магазина дизайнерской одежды, японский миллиардер Юсаку Маэдзава. В чём-то создание этого полотна стало переломным для Баскии, своеобразным символом его окончательного восхождения на олимп. Именно после его создания в жизни художника случился судьбоносный ряд событий, который и вывел его на первые места арт-рейтингов.
Персональные выставки в знаковых американских галереях, а также приглашения на «Документу-7» и ряд других значительных вернисажей внезапно сменились грандиозным скандалом. Баския послал куда подальше своего дилера Аннину Носей, уничтожив начатые работы, которые он по договору с ней должен был создать в количестве 10 штук ровно за один месяц. Обменявшись публичными «любезностями», эта дуэль поставила профессиональное сообщество на сторону Баскии. Журналисты тут же объявили его «Лу Ридом живописи», после чего на него обратил внимания сам Энди Уорхол. Он прочитал статью о скандале в итальянском журнале и захотел познакомиться с юным бунтарём. С этого момента Баския стал настоящей звездой арт-сцены, заставив всех ценителей искусства покупать его картины, едва только на них высохнет краска.
Отбросив ложную скромность, скажу, что работа «Без названия» 1982 года - это подлинный шедевр, воплощающий в себе первозданную, дерзкую и неуёмную страсть художника. Как говорится в каталоге, «работа воплощает непобедимую силу творческого мятежа Баскии, который разрастающимся пламенем из слова, цвета и знака зажёг центр Манхэттена в начале 1980-х годов». В общем, всё так и было!
3. Винсент Ван Гог. Вспаханное поле и пахарь. 1889. $81,312,500
Первая картина, написанная Винсентом Ван Гогом в 1889 году, когда он находился в Сен-Поль-де-Мозоль, лечебнице для душевнобольных. Упоминание о ней есть в письме к брату Тео от 2 сентября: «Вчера опять помаленьку принялся за работу. Пишу то, что вижу из своего окна, - распашку жёлтого жнивья, контраст фиолетовой земли с кучками жёлтой соломы, на заднем плане холмы. Работа развлекает меня бесконечно больше, чем любое другое занятие, и, если бы я мог отдаться ей со всей моей энергией, она стала бы для меня наилучшим лекарством».
«Вспаханное поле и пахарь» - знаковая для художника картина, в мазках которой специалисты видят неконтролируемые силы, оказавшие разрушительное действие на его разум. Пришли в движение эти силы после ссоры с Гогеном в «Жёлтом доме» Арля. Она настолько потрясла художника, что он отрезал себе часть левого уха. С тех пор Винсент не брал в руки кисти девять месяцев. И вот...
В фигуре пахаря Винсент увидел параллели с собственной миссией художника, которая была для него постоянной борьбой. «Турбулентность земли», - так описывает впечатление от полотна Конор Джордан, заместитель председателя аукционного дома Christie’s из нью-йоркского отдела импрессионистов и модернистов. И здесь он, как никогда, прав...
4. Фернан Леже. Контраст форм. 1913. $70,062,500
И вновь «самая важная картина художника», Это был период увлечения кубизмом, когда собственный художественный язык Фернана Леже, построенный на чёткой и конструктивной манере письма, лишённой психологизма, проявил себя в полной мере. Другими словами, реальные наблюдения художник трансформировал в декоративные образы, очищенные от непосредственного изображения человека, но настойчиво сообщающие о его взаимодействии с новой цивилизацией.
Леже считал, что в мире господствует геометрический порядок, который подчиняет себе весь предметный мир и человеку всё сложнее и сложнее ему сопротивляться. Это подчинение «единому геометрическому закону» как раз и отражает полотно «Контраст форм», где стремительность изменений выражена через идею колеса, олицетворяющую бешеную скорость, с какой они происходят, а контрастные цвета должны были вызывать ощущение беспокойного движения.
В этом он как раз разительно отличался от других футуристов, которые предпочитали видеть в машине новое божество, на поклонение которому были брошены все творческие силы. Но Леже рассматривал механизм иначе, он видел в нём лишь орудие производства в руках человека и поэтому его монументальность считывалась не как поклонение бездушному металлу, а как человеческий эпос, в котором главными движущими силами были действие и сопротивление материала, будь то деталь из стали или сам человек.
5. Густав Климт. Цветущий сад. 1907. $64,460,000
Шедевр венского декаданса, сочетающий в себе с одной стороны символический, декоративный орнамент, а с другой - естественный, природный мир. Эта двойственность простого пейзажа вызвала сенсацию на венской выставке «Кунстшау» в 1908 году, где «Цветущий сад» был выставлен вместе с известным на весь мир «Поцелуем». Жители Вены, которые знали и любили художника как портретиста, были настолько поражены увиденным, что сразу же признали Климта выдающимся художником современности. Наши современники в свою очередь тоже не остались в долгу, и сегодня пейзажи Климта ценятся много выше его портретов.
«Множественность в простоте», - так определяют содержание этого полотна критики и искусствоведы. Одни видят здесь тайны мироздания и даже звёздное небо, другие необработанную, естественную силу и мощь природы, а третьи вообще находят в нём почти божественный промысел: «Его полотна правдивы в том, что он видел, но в то же время они выходят за пределы видимой реальности. Используя дизайн и текстуру, узор и цвет, они превращают временное в постоянное, запечатлевают мимолётное, преображая и восстанавливая мир, который постоянно меняется и распадается на незыблемую благодать». (Френк Уитфорд)
Но лучше всех сказал Йозеф Аугуст Люкс, пришедший на выставку 1908 года: «Цветочные луга стали ещё красивее, с тех пор как Климт нарисовал их. Художник, открыв нам глаза, показывает всё великолепие их цветов. Мы никогда не научимся захватывать природу в её магической красоте, кроме как через искусство, которое постоянно обновляет её проявление». Магия, одним словом. А теперь ещё и очень дорогая магия.
6. Энди Уорхол. Шестьдесят «Тайных вечерь». 1986. $63,312,500
История создания этого полотна настолько примечательна сама по себе, что тянет если не на описание принципа всего направления поп-арта, то, как минимум, на причастие эпохи постмодерна.
В 1985 году парижский друг Уорхола, арт-дилер и галерист Александр Иолас, заказал художнику для выставки в Милане серию работ, которые были бы основаны на «Тайной вечере» Леонардо да Винчи и выполнены в излюбленной технике художника - шелкографии. Идея была заманчивой, поскольку знаковое для итальянского Возрождения полотно уже давно стало частью популярной культуры. А это как раз то, что было нужно. Уорхол приступил к работе и провозился над проектом около года. Дело осложнилось тем, что он никак не мог получить нужную ему фотографию картины - все изображения оказывались настолько тёмными, что с ними невозможно было работать дальше. И тогда его осенила идея использовать для работы не оригинал, а подделки. В дело пошло всё: репродукции из книг, копии и даже скульптурные группы, одну из которых он случайно обнаружил на какой-то заправке в Нью-Джерси, заплатив за неё 13 долларов. Уорхол придирчиво искал подходящее изображение. В конечном итоге основой для полотна стала репродукция, купленная в корейском религиозном магазине, недалеко от его Фабрики.
Когда заказ был выполнен, картины развесили в новом офисе банка «Credito-Valtellinese», прямо напротив церкви Санта-Мария-делле-Грацие, где висит благородный оригинал кисти Леонардо да Винчи. Так один мастер встретился с другим. Ирония и поклонение в одном жесте. Это была последняя работа короля поп-арта. Спустя месяц Энди Уорхола не стало.
7. Константин Бранкузи. Спящая муза. 1910. $57,367,500
«Спящая муза» стала первой работой Бранкузи, положившей начало серии яйцевидных скульптур, которые впоследствии стали визитной карточкой художника и ключевым образом его абстрактной скульптуры. «С помощью этой формы я могу перемещать вселенную». Так заявил Бранкузи и оказался прав.
Приехав в Париж из Румынии в 1904 году, он в марте 1907 уже работал в мастерской Родена, перенося из глины в камень композиции мастера. Однако этот опыт длился совсем недолго. Смело заявив, что «ничего не растёт под большими деревьями», Бранкузи покинул Родена и отправился на поиски своего скульптурного стиля, всё больше и больше уходя от индивидуальности модели в сторону очищенной формы, которая способна была выразить превосходство духа над материей. Результат был потрясающим. Получившийся в итоге творческих исканий объект не был маской. В нём по-прежнему ощущалась внутренняя жизнь, доставшаяся ему от модели, баронессы Рене Ираны Франшон.
Метаморфоза произошла. Алхимик Бранкузи нашёл идеальную форму для выражения своей максимы: «Жизнь есть брожение и должна меняться, чтобы оставаться живой». Все шесть бронзовых версий были отлиты в 1910 году. Впервые «Спящая муза», правда в мраморной версии, была представлена публике спустя два года на ежегодном Салоне Независимых в Париже и вызвала восторг самого Аполлинера, назвавшего работы скульптора «одними из самых изысканных». В 1913 году на Оружейной выставке в Нью-Йорке его уже ждал бешеный триумф, открывший миру безграничные возможности элементарной формы, уходящей корнями к первообразу. «Скульптура Бранкузи - это возвращение к первобытному элементу, первичной молекуле, зародышу всей жизни». (Барбу Брезиану)
8. Сай Твомбли. Леда и лебедь. 1962. $52,887,500
Наследник живописи действия Поллока, Сай Твомбли в последнее десятилетие прочно прописался в подобных хит-парадах, что не может не радовать истинных любителей искусства, которые меряют живопись не реалистической, а метафизической линейкой, способной на измерения куда более сложные, чем простая «похожесть» на реальный мир. Этот год не исключение. Известный нью-йоркский галерист Ларри Гагосян раскошелился на приличную сумму, чтобы приобрести римское полотно одного из самых неоднозначных художников XX века.
В начале 60-х, после того как Сай Твомбли переехал из Нью-Йрка в Рим, у него возник замысел цикла работ на основе мифа о Леде, изнасилованной богом Зевсом, представшим перед ней в виде лебедя. Было создано шесть полотен, которые по своей образности, обращению с краской и предметом были чувственными, эротическими и даже наглыми, словно воплощали в себе физическое высвобождение мифологической страсти. Характерное для Твомбли живописное письмо буквально взрывало холст изнутри, оставаясь при этом строчками и мазками, держащимися внутри художественной логики, устраняющей барьеры между тактильным прикосновением к холсту и чувственностью самого мифа.
Более того, в этих работах Сай Твомбли наследует итальянскому Возрождению, в котором миф о Леде и лебеде был самой популярной историей, несмотря на то, что сравнительно немногие оригинальные шедевры сохранились до нашего времени. Наиболее заметными среди них являются, конечно, одноимённые произведения Леонардо да Винчи (1508) и Микеланджело (1529). К сожалению, оба полотна ныне считаются утраченными (говорю это с осторожностью, поскольку недавняя «находка», описанная выше, всё-таки позволяет надеяться на чудо). Как полагают искусствоведы, они были намеренно уничтожены в XVII веке, когда античный сюжет считался слишком пошлым для того, чтобы быть изображённым на холсте. Сегодня мы знаем о них лишь по сохранившимся копиям, которые и изучал Сай Твомбли перед тем, как создать свою версию мифологического сюжета.
9. Фрэнсис Бэкон. Три этюда к портрету Джорджа Дайера. 1963. $51,767,500
Это первый портрет Джорджа Дайера, мелкого вора из лондонского Ист-Энда и главной музы Фрэнсиса Бэкона, знаменующий начало их бурных и трагических отношений. В дальнейшем, он появится как минимум ещё на 40 полотнах художника, многие из которых будут созданы мастером всего за 36 часов до своей крупной ретроспективы в Гран-Пале сразу же после того, как Дайер покончит с собой в октябре 1971 года. Поглощённый горем и чувством вины Бэкон будет и дальше продолжать писать своего любовника. в 1972-1973 годах он напишет серию из 3 работ, получившую название «Черные триптихи».
Как никакой другой художник XX века Бэкон был способен выразить трагичность существования личности с пугающе предельным реализмом, который проявлялся в его способности затронуть через живопись самые тёмные и интимные стороны человека. Та экспрессия, с какой он его обнажал, предъявляла зрителю оголённое до самой плоти существо с выставленными напоказ экзистенциальной тоской и животным чувством. Это была смесь разума и инстинкта, воплощённая часто в триптихе, - форме, идеально подходящей для попытки изобразить впечатление от живого общения с человеком, когда он меньше всего был похож на фотографию. Так появляется последовательность, в которой всегда присутствует ощущение беспокойства, усиленное способностью выражать эмоции мимикой и жестами.
С портретами Джорджа Дайера художественная практика Бэкона достигла нового уровня интенсивности. Передача сложных чувств человеческого существования воплотилась в живописных деформациях, показывающих фигуру человека, выдерживающего натиск сил, способных привести его к исчезновению. Но лучше всего об этом сказал Жиль Делёз в своей работе «Фрэнсис Бэкон: Логика ощущения»: «Фигуры Бэкона кажутся одним из лучших в истории живописи ответов на вопрос о том, как сделать видимыми невидимые силы».
10. Чэнь Жун. Шесть драконов. XIII век. $48,967,500
С древнейших времён дракон был символом императорской власти, и его изображение было представлено на многих картинах, а также на бронзовых и нефритовых изделиях, медных зеркалах, фарфоре и в камне. До династии Хань (206 до н. э. - 220 н. э.) изображения драконов в произведениях искусства были довольно абстрактными и загадочными, но постепенно это мифическое животное стало обретать те черты, по которым мы узнаём его сегодня. Специализироваться на изображении драконов художники стали только во время империи Сун (960 - 1279), которая знаменует собой новый подход в истории изображения дракона в Китае. Как раз к этому периоду и относят «Шесть драконов» Чэнь Жуна, 4-х метровый шедевр Южного периода.
В эти годы, заботясь о поддержании духовного здоровья нации, подавленного войнами с государством Цзинь, художники стали использовать символ китайской власти для выражения собственных эмоций, вкладывая в них высокие идеалы и устремления через изображение внушительной позы дракона. С этого момента изображения драконов, которые раньше делались только для королевского двора, стали мощным способом выражения личных и национальных переживаний. Теперь у каждого жителя империи мог быть собственный дракон.
Говорят, что Чэнь Жун всегда начинал рисовать, когда был пьян. Он просто наливал облака чернил на бумагу, туманом распылял по ним воду и водил по поверхности своим шарфом, создавая прославившие его изображения. В том числе и драконов. Всё может быть, всё может быть...