Поход в "Третьяковку". Русский авангард XX века.
Не так давно побывал в дополнительном зале Третьяковской галереи, что на Крымском валу, целиком посвященному русскому художественному искусству XX века. Этот период живописи принято называть эпохой русского авангарда. Действительно, начиная с 1900-х годов живопись в России прошла огромный путь художественных поисков от неопривитивизма до соцреализма, претерпевая при этом значительные метаморфозы и меняясь до неузнаваемости.
Сложное аналитическое искусство Филонова.
Как известно, в конце XIX века русские художники писали картины преимущественно в реалистическом стиле, отыскивая в окружающем их мире нечто возвышающее, одухотворенное, и передавали это в своих картинах, точно следуя нормам графического рисунка и нанесения цвета, преподаваемым академией художеств. Да, создавались в то время различные объединения художников, которые противопоставляли себя академии художеств. Например «Товарищество передвижных художественных выставок» (передвижники), или «Мир искусства» (мирискуссники). Но тем не менее, все художники эпохи следовали определенной конвой, творя реалистические картины.
Но вот, уже начиная с середины 1900-х годов, в изобразительном искусстве последовательно зарождается множество новых художественных стилей. Первым из этих стилей является неопримитивизм. Его характеризовала ориентация на неоклассические примитивные источники: лубки, иконы искусства древних народов, «наивное» и детское творчество и тп. От народного искусства неопримитивисты заимствовали интерес к быту, локальному и выразительному рассказу. Характерными чертами для этого стиля являлись нестандартные сюжеты и персонажи. Открытый протест против академических правил рисунка выражается в нарочито ярких, иллюзорных цветах, явно подчеркнутой декоративностью рисунков. Выделились среди неопримитивистов М.Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Следующим открытием Ларионова стал лучизм, изображающий не предмет, а отражающиеся от него световые лучи. В последующем, это направление оказало значительное влияние на художников того времени, и стало предтечей для развития абстрактного, беспредметного стиля живописи.
М.Ф. Ларионов. Петух. Лучистый этюд. 1912 г.
Дальнейшее развитие художественных стилей в России происходит в объединении художников «Бубновый валет», и концентрируется на портрете и натюрморте. Живопись художников рубежа 1900-х - 1910-х годов выдержана в стиле неопримитивизма. Упрощенная форма и броская декоративность их работ сочетается с традициями народного искусства - расписанные подносы, «провинциальная» обстановка помещений. Но, увлекаясь такой «игрой» цвета и формы, художники со временем уходят глубже и постепенно приближаются к следующему направлению изобразительного искусства - кубизму. Кубизм перестраивает природу, разрушая органическую форму и создавая новую, более совершенную; он, говоря словами Малевича, изменил «мировоззрение живописца и законы живописи».
Под влиянием кубизма художественный мир XX века расцветает как никогда - появляется абстрактное искусство. Мастера, все глубже погружаясь в творческие поиски, расходятся по разным направлениям от абстракционизма и импрессионизма до конструктивизма. В 1915 году создание Малевичем «Черного квадрата» явилось созданием супрематизма, одного из наиболее радикальных направлений авангарда. «Черный квадрат» являл собой полный отказ от любых форм, он ничего не изображал, отрываясь от любых связей с предметным миром, он провозгласил абсолютную беспредметность. Еще один из родоначальников и первых теоретиков беспредметного искусства был В. Кандинский. Растворяя предметные формы в пространстве, усиливая и освобождая от изобразительной функции цвет, он стремился к тому, чтобы живопись воздействовала, подобно музыке, непосредственно на душу зрителя, минуя его рассудок. «Внутреннее звучание» картины может порождать разнообразные ассоциации - от возвышенных и сладостных порывов души до гнетущего ужаса, вызывая сильный дискомфорт.
Вот одна очень показательная картина: «Над городом» Марка Шагала. Стоит оговорить, что Марк Шагал уникальный художник, нельзя четко обозначить стиль его работ: они написаны под влиянием примитивизма, кубизма, экспрессионизма. Картина «Над городом» возникла как отражение любви к жене, Белле. Она предстает как муза, гармоничная и изящная. В отличие от изображения мужской фигуры, женская нисколько не кубизирована, напротив, плавна и тонка. В этой картине, как мне кажется, Марк Шагал парит на крыльях любви, взлетая до высочайших вершин блаженства. Гармонично соединяясь со своей женой, он устремляет свой мечтательный взгляд в небо, оставляя позади все низменные детали этого города, например, справляющего нужду человека. Шагала это нисколько не смущает - он парит высоко над низменными проблемами. Картина предстает нам как разграничение высокого и низкого, верха и низа.
М.З. Шагал. Над городом. 1914 - 1918 г.
После революции, в советской России, все экспериментаторы художественных стилей оказались под запретом, и вынуждены были уйти в подполье или иммигрировать за рубеж. Советский социалистический строй установил, сначала негласно, а потом и на государственном уровне, один единственный стиль изобразительного искусства - реалистический. В последствии этот стиль был закреплен государственным художественным стилем и получил название социалистический реализм. Задачей соцреализма провозглашалось прославление социалистического строя, приобщение к художественной культуре больших народных масс. Для достижения этих целей предметом изображения часто становились реалии рабочей и политической жизни. Лидеры страны представлялись художниками очень просто и уверенно. С картин на людей смотрят не жесткие диктаторы, как их часто представляют сейчас, а большие Отцы, любящие простой народ и заботящиеся о нем. Так же соцреализм прославляет труд простых рабочих на заводах, пашнях.
Ю.И. Пименов. Даешь тяжелую индустрию! 1927 г.
Одна из моих любимых картин соцреализма: «Оборона Петрограда» А. Дайненки, написанная, правда, уже в 1964 году. На картине мы видим солдат, шагающих стройными рядами на линию фронта. Может быть, они идут в свой последний бой. Картина переполнена железной жесткостью и сухостью - все крайне серьезно. Такова суровая правда войны. В центре картины мы видим молодую девушку, с ружьем и шагающую вместе с товарищами в строю.
А.А. Дайненка. Оборона Петрограда. 1964 г.
Мне навсегда запомнилось лицо этой красивой молодой девушки. Оно выражает скорбь и ненависть одновременно. В её голубых глазах застыл твердый, но не без боли, взгляд. Великолепная картина, очень точно запечатлевшая в себе дух военного времени. Героическая молодая женщина с ружьем, в сапогах, защищала родину, наряду с остальными воинами.
Эпоха социалистического реализма в изобразительном искусстве сама по себе была не однородна. В 1920-е соцреализм сильно накален, в нем преобладает аскетизм - жесткий графический стиль, суровый драматизм образов. В 1930-е годы происходят изменения в творчестве художников, и на картинах, например, изображающих спортсменов, начинает воспеваться эстетическая красота человеческого тела. В других картинах этого периода появляется лиризм и мягкая живописность. Одной из главных тем становится образ современной женщины - сильной, раскованной, привлекательной и женственной.
А.А. Дайненка. Купающиеся девушки. 1933 г.
Правда, не все художники в советском союзе железно придерживались соцреализма. Так, в период 1930-х - 1950-х ряд художников, таких как А. Древин, Н. Удальцова, М. Соколов, Б. Рыбченков и др. не преследовали цели переустройства жизни искусством, не подчиняли свои работы высоким целям созидания (один из основных постулатов соцреализма) - это было творчество частных людей, в котором преобладала ценность индивидуального, личного восприятия. Работы этих художников пространны, разряжены. Складывается ощущение отчужденности, проглядывает дух мещанства. Преобладает гармоничное сочетание цвета, света и формы, но умаляется содержание.
В.И. Малагис. Псковский пейзаж. 1925 г.
Потрясения Великой Отечественной войны и период «оттепели» последовавшей за смертью И.В. Сталина в 1953 году, предопределили процесс перелома национального общественного и индивидуального сознания. Противостояние эталонам тоталитарного искусства становится основным содержанием художественных изысканий мастеров этой эпохи. Главными темами художественных произведений зачастую становится индивидуальность, частность - на картинах этой эпохи нет созидательной коллективности, зато есть простые сюжеты с озабоченными своими эмоциями героями и героинями.
А.А. Пластов. Весна. 1954 г.
Ну и на последок хочу выложить одну интересную картину, которая остановила меня уже на самом выходе из галереи - картина очевидно была создана на злобу дня. Взрыв атомной бомбы на фоне опустевшего зала для переговоров. Символичная картина, сиволизирующая отстрые политические противоречия конца тысячелетия.
С.И. Осепян. Мастера искусств в борьбе за мир. Проблема 1. 1985 г.
Тем, кто дочитал до конца небольшой бонус - вот поразившие меня своей красотой люстры в Третьяковской галерее. Они выполнены из дутых стеклянных полусфер. Смотрится необычно и даже футуристично. Несмотря на возраст этих помещений. Вот, пожалуйста, проявление конструктивизма в реальности - даже сейчас это выглядит необычно, красиво и очень оригинально.
Сложное аналитическое искусство Филонова.
Как известно, в конце XIX века русские художники писали картины преимущественно в реалистическом стиле, отыскивая в окружающем их мире нечто возвышающее, одухотворенное, и передавали это в своих картинах, точно следуя нормам графического рисунка и нанесения цвета, преподаваемым академией художеств. Да, создавались в то время различные объединения художников, которые противопоставляли себя академии художеств. Например «Товарищество передвижных художественных выставок» (передвижники), или «Мир искусства» (мирискуссники). Но тем не менее, все художники эпохи следовали определенной конвой, творя реалистические картины.
Но вот, уже начиная с середины 1900-х годов, в изобразительном искусстве последовательно зарождается множество новых художественных стилей. Первым из этих стилей является неопримитивизм. Его характеризовала ориентация на неоклассические примитивные источники: лубки, иконы искусства древних народов, «наивное» и детское творчество и тп. От народного искусства неопримитивисты заимствовали интерес к быту, локальному и выразительному рассказу. Характерными чертами для этого стиля являлись нестандартные сюжеты и персонажи. Открытый протест против академических правил рисунка выражается в нарочито ярких, иллюзорных цветах, явно подчеркнутой декоративностью рисунков. Выделились среди неопримитивистов М.Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Следующим открытием Ларионова стал лучизм, изображающий не предмет, а отражающиеся от него световые лучи. В последующем, это направление оказало значительное влияние на художников того времени, и стало предтечей для развития абстрактного, беспредметного стиля живописи.
М.Ф. Ларионов. Петух. Лучистый этюд. 1912 г.
Дальнейшее развитие художественных стилей в России происходит в объединении художников «Бубновый валет», и концентрируется на портрете и натюрморте. Живопись художников рубежа 1900-х - 1910-х годов выдержана в стиле неопримитивизма. Упрощенная форма и броская декоративность их работ сочетается с традициями народного искусства - расписанные подносы, «провинциальная» обстановка помещений. Но, увлекаясь такой «игрой» цвета и формы, художники со временем уходят глубже и постепенно приближаются к следующему направлению изобразительного искусства - кубизму. Кубизм перестраивает природу, разрушая органическую форму и создавая новую, более совершенную; он, говоря словами Малевича, изменил «мировоззрение живописца и законы живописи».
Под влиянием кубизма художественный мир XX века расцветает как никогда - появляется абстрактное искусство. Мастера, все глубже погружаясь в творческие поиски, расходятся по разным направлениям от абстракционизма и импрессионизма до конструктивизма. В 1915 году создание Малевичем «Черного квадрата» явилось созданием супрематизма, одного из наиболее радикальных направлений авангарда. «Черный квадрат» являл собой полный отказ от любых форм, он ничего не изображал, отрываясь от любых связей с предметным миром, он провозгласил абсолютную беспредметность. Еще один из родоначальников и первых теоретиков беспредметного искусства был В. Кандинский. Растворяя предметные формы в пространстве, усиливая и освобождая от изобразительной функции цвет, он стремился к тому, чтобы живопись воздействовала, подобно музыке, непосредственно на душу зрителя, минуя его рассудок. «Внутреннее звучание» картины может порождать разнообразные ассоциации - от возвышенных и сладостных порывов души до гнетущего ужаса, вызывая сильный дискомфорт.
Вот одна очень показательная картина: «Над городом» Марка Шагала. Стоит оговорить, что Марк Шагал уникальный художник, нельзя четко обозначить стиль его работ: они написаны под влиянием примитивизма, кубизма, экспрессионизма. Картина «Над городом» возникла как отражение любви к жене, Белле. Она предстает как муза, гармоничная и изящная. В отличие от изображения мужской фигуры, женская нисколько не кубизирована, напротив, плавна и тонка. В этой картине, как мне кажется, Марк Шагал парит на крыльях любви, взлетая до высочайших вершин блаженства. Гармонично соединяясь со своей женой, он устремляет свой мечтательный взгляд в небо, оставляя позади все низменные детали этого города, например, справляющего нужду человека. Шагала это нисколько не смущает - он парит высоко над низменными проблемами. Картина предстает нам как разграничение высокого и низкого, верха и низа.
М.З. Шагал. Над городом. 1914 - 1918 г.
После революции, в советской России, все экспериментаторы художественных стилей оказались под запретом, и вынуждены были уйти в подполье или иммигрировать за рубеж. Советский социалистический строй установил, сначала негласно, а потом и на государственном уровне, один единственный стиль изобразительного искусства - реалистический. В последствии этот стиль был закреплен государственным художественным стилем и получил название социалистический реализм. Задачей соцреализма провозглашалось прославление социалистического строя, приобщение к художественной культуре больших народных масс. Для достижения этих целей предметом изображения часто становились реалии рабочей и политической жизни. Лидеры страны представлялись художниками очень просто и уверенно. С картин на людей смотрят не жесткие диктаторы, как их часто представляют сейчас, а большие Отцы, любящие простой народ и заботящиеся о нем. Так же соцреализм прославляет труд простых рабочих на заводах, пашнях.
Ю.И. Пименов. Даешь тяжелую индустрию! 1927 г.
Одна из моих любимых картин соцреализма: «Оборона Петрограда» А. Дайненки, написанная, правда, уже в 1964 году. На картине мы видим солдат, шагающих стройными рядами на линию фронта. Может быть, они идут в свой последний бой. Картина переполнена железной жесткостью и сухостью - все крайне серьезно. Такова суровая правда войны. В центре картины мы видим молодую девушку, с ружьем и шагающую вместе с товарищами в строю.
А.А. Дайненка. Оборона Петрограда. 1964 г.
Мне навсегда запомнилось лицо этой красивой молодой девушки. Оно выражает скорбь и ненависть одновременно. В её голубых глазах застыл твердый, но не без боли, взгляд. Великолепная картина, очень точно запечатлевшая в себе дух военного времени. Героическая молодая женщина с ружьем, в сапогах, защищала родину, наряду с остальными воинами.
Эпоха социалистического реализма в изобразительном искусстве сама по себе была не однородна. В 1920-е соцреализм сильно накален, в нем преобладает аскетизм - жесткий графический стиль, суровый драматизм образов. В 1930-е годы происходят изменения в творчестве художников, и на картинах, например, изображающих спортсменов, начинает воспеваться эстетическая красота человеческого тела. В других картинах этого периода появляется лиризм и мягкая живописность. Одной из главных тем становится образ современной женщины - сильной, раскованной, привлекательной и женственной.
А.А. Дайненка. Купающиеся девушки. 1933 г.
Правда, не все художники в советском союзе железно придерживались соцреализма. Так, в период 1930-х - 1950-х ряд художников, таких как А. Древин, Н. Удальцова, М. Соколов, Б. Рыбченков и др. не преследовали цели переустройства жизни искусством, не подчиняли свои работы высоким целям созидания (один из основных постулатов соцреализма) - это было творчество частных людей, в котором преобладала ценность индивидуального, личного восприятия. Работы этих художников пространны, разряжены. Складывается ощущение отчужденности, проглядывает дух мещанства. Преобладает гармоничное сочетание цвета, света и формы, но умаляется содержание.
В.И. Малагис. Псковский пейзаж. 1925 г.
Потрясения Великой Отечественной войны и период «оттепели» последовавшей за смертью И.В. Сталина в 1953 году, предопределили процесс перелома национального общественного и индивидуального сознания. Противостояние эталонам тоталитарного искусства становится основным содержанием художественных изысканий мастеров этой эпохи. Главными темами художественных произведений зачастую становится индивидуальность, частность - на картинах этой эпохи нет созидательной коллективности, зато есть простые сюжеты с озабоченными своими эмоциями героями и героинями.
А.А. Пластов. Весна. 1954 г.
Ну и на последок хочу выложить одну интересную картину, которая остановила меня уже на самом выходе из галереи - картина очевидно была создана на злобу дня. Взрыв атомной бомбы на фоне опустевшего зала для переговоров. Символичная картина, сиволизирующая отстрые политические противоречия конца тысячелетия.
С.И. Осепян. Мастера искусств в борьбе за мир. Проблема 1. 1985 г.
Тем, кто дочитал до конца небольшой бонус - вот поразившие меня своей красотой люстры в Третьяковской галерее. Они выполнены из дутых стеклянных полусфер. Смотрится необычно и даже футуристично. Несмотря на возраст этих помещений. Вот, пожалуйста, проявление конструктивизма в реальности - даже сейчас это выглядит необычно, красиво и очень оригинально.