"Воображаемый музей" окончание
Продолжим прогулку по «Воображаемому музею» в галерее искусства стран Европы и Америки XIX-XX вв. Все изображения взяты из интернета. Предыдущие прогулки: http://vittasim.livejournal.com/55588.html и http://vittasim.livejournal.com/55916.html
Планы первого и второго этажей.
Первый этаж
1. Каспар Давид Фридрих. Восход луны над морем. Холст, масло. 1821.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
. Уже в ранних картинах художника определилась задумчивая, мистическая атмосфера его искусства. Зрителю, «заместителем» которого часто выступают фигуры, отрешенно созерцающие пейзажные дали, предстоит в живописи Фридриха загадочно-молчаливая природа и символы сверхреального бытия, явленные в виде достаточно натурных, но, в то же время, подчеркнуто-знаковых деталей (морской горизонт, горная вершина, корабль, дальний город, путевое распятие или просто крест, кладбище). История - и древнеязыческая, и средневековая - проступает в виде меланхолических мотивов (гуннские гробницы, руины храмов и монастырей), подчеркивающих скорее трагические разрывы, нежели связь времен. Сила красок, достаточно звучных, умеряется туманами и закатной либо рассветной дымкой. Картина "Восход Луны над морем" представляет собой изображение двух пар молодых людей, наблюдающих за восходом луны на берегу моря. На заднем плане видны два небольших парусных судна, вероятнее всего прогулочные яхты. Характерно то, что женщины изображены на картине сидящими на камне отдельно от мужчин.
2. Джон Констебл. Прыгающая лошадь. Холст, масло. 1825.
Королевская Академия художеств, Лондон
. Полон стремительной динамики пейзаж «Прыгающая лошадь», компактно построенный, пронизанный ощущением полноты бытия, уходящего в даль простора, порывистого ветра, сгибающего деревья, клубящихся облаков. Все тончайшие оттенки палитры использовал художник для воспроизведения своеобразия английской природы, ее величия и красоты. Динамичность и целостность в них достигнуты энергичной кладкой краски, плотной живописью. Свободное от шаблонов, правдивое искусство Констебла указало пути дальнейшего развития реалистического пейзажа в Европе.
3. Жан-Франсуа Милле. Анжелюс. Вечерняя молитва. Холст, масло. 1857-1859 гг.
Музей д'Орсэ, Париж.
Рожденный в Нормандии, в крестьянской среде, Милле навсегда сохранил связь с землей. Возможно поэтому, в отличие от других представителей Барбизонской школы, художник сосредоточил свое внимание не на жанре пейзажа, а на сценах крестьянского труда, иллюстрирующих главное, на его взгляд, предназначение человека на земле. Милле показал сельский труд как естественное состояние человека, как единственно возможную форму его бытия. «Анжелюс» не сразу была принята, вызвав критику современников. Однако простота и благочестие сюжета так заворожили зрителей, что почти в каждом французском доме появилась ее репродукция. В ХХ веке полотно стало источником вдохновения для многих художников и писателей. Крестьянин и его жена, услышав звуки колокола, прерывают работу, чтобы произнести молитву (она начинается со слов Angelus Domini - «Ангел Господень»). Невероятно популярная в XIX веке картина и одно из любимых полотен Сальвадора Дали. Он отчего-то был уверен, что пара на полотне не просто молится, а хоронит своего младенца - отсюда и печаль, которой пронизан «Анжелюс». По просьбе Дали провели рентгенологическое исследование, и выяснилось, что изначально Милле действительно нарисовал гробик.
4. Густав Курбе. Раненый. Холст, масло. 1844-1854 гг.
Музей д'Орсэ, Париж
Курбе так определял свою задачу в искусстве: «Запечатлеть нравы, идеи и облик моей эпохи согласно моей оценке». Изображая своих современников, он создает картины, отличающиеся монументальностью и весомостью форм, повседневное в его картинах приобретает значительность. В картине «Раненый» Курбе предлагает очень смелое, революционное для своего времени композиционное решение. Новаторство заключалось в выборе ракурса и расположении фигуры в пространстве, с помощью которых художник передает страдание героя и его обреченность.
5. Ян Матейко. Приговор Матейке. Картон, масло. 1867 г.
Национальный музей, Варшава.
Матейко испытывал острый интерес к характерным чертам исторического быта, фиксируя их во множестве зарисовок, которые составили так называемую «Сокровищницу». На ее базе издал Историю польского костюма. Горячо сочувствуя национально-освободительным целям восстания в Королевстве Польском (1863-1864), откликнулся на его разгром первыми своими значительными полотнами, представив на суд зрителей эпизоды шляхетского прошлого, ключевые, по мнению мастера, для понимания причин последующего политического унижения. Правящие круги очень отрицательно отнеслись к первым произведениям художника именно из-за концепции, заложенной в них. Матейко на эти нападки ответил своим «Приговором Матейке» где он, под видом воссоздания эпизода из жизни 16 в., изобразил самого себя осужденным на казнь. На переднем плане стоят его противники, зачитывающие приговор о сожжении самого Матейки, привязанного к столбу в глубине картины.
.
2 этаж
6. Эдуард Мане. Завтрак на траве. Холст, масло. Ок. 1863-1868 гг.
Галерея Курто, Лондон.
«Завтрак на траве» - скандально известная картина французского художника Эдуарда Мане, написанная в 1863 году. В настоящее время находится в музее Орсе в Париже, а картина из галереи Курто является авторским повторением. Выбор сюжета картины - двое полностью одетых мужчин с нагой женщиной на природе - вызвал полное непонимание и обвинения в декадентстве и плохом вкусе. Публика была возмущена не только сюжетом, но и тем, как обнажённая женщина бесстыдно смотрит прямо на зрителя, а также узнаваемостью персонажей. Моделью женщины была Викторина Мёран, один из мужчин - брат Мане Густав, второй - будущий шурин Фердинанд Леенхофф. Одеты мужчины, как денди. Они так увлечены разговором, что, кажется, совсем не замечают женщины. Перед ними лежит скинутая женская одежда, корзина с фруктами и круглый хлеб. На заднем плане - вторая женщина в лёгкой одежде моется в реке. Она выглядит непропорционально большой по сравнению с фигурами на переднем плане. Мане задумал «Завтрак на траве» во время воскресной поездки в Аржантей, на берег Сены. Когда он решил изобразить мирную идиллию, он уже предполагал ярую негативную реакцию из-за сюжета будущей картины, однако закончил работу. Если раньше источником вдохновения Мане служили испанские художники, то теперь он обратился к итальянской живописи и решил создать современную версию «Сельского концерта» Джорджоне.
7. Винсент ван Гог. Ботинки. Холст, масло. 1886 г.
Национальный музей Ван Гога, Амстердам
Немецкий искусствовед, первый биограф Ван Гога Юлиус Мейер-Грефе писал о творчестве Ван Гога: «Его образ противостоит всему французскому, насколько это возможно». Интимным символом этой верности себе и своим убеждениям явилась серия полотен, изображающих ботинки бедняков: по-вангоговски «говорящая» натура. В этой серии пяти картин Ван Гог как бы закрепил и засвидельствовал свою верность чисто голландскому отношению к вещам, которые «сопутствуют человеку». Разношенные, кое-как скинутые с усталых ног, эти ботинки демонстрируют целую гамму нюансов в «отношениях», легко переводимых на язык человеческого мира. Так, на картине из Амстердама изображены два ботинка с левой ноги, «отчужденные» друг от друга и в то же время равные друг другу в своей принадлежности одному миру; они сиротливо жмутся посреди пространства, уходящего за края рамы. Странным контрастом к картине выглядит богатая барочная рама, видимо, посмертная дань уважения художнику.
8. Густав Климт. Адам и Ева. Холст, масло. 1917-1918 гг.
Галерея Бельведер, Вена.
Густав Климт - известнейший австрийский живописец, один из самых ярких представителей стиля модерн, лидер венского авангарда. В произведении, представленном на выставке из собрания Галереи Бельведер, Вена, Климт создал композицию на библейскую тему, используя нежные, сочные цвета. Вечная тема трактуется Климтом весьма загадочно: вызывающе-откровенный взгляд Евы, скорбь и глубокие переживания Адама, цветы и звериная шкура, олицетворяют райский сад. Темно-красное тело героя оттеняет ярко выраженную белизну наготы Евы.
План третьего этажа.
9. Амедео Модильяни. Сидящая обнаженная. Холст, масло. 1916 г.
Галерея Курто, Лондон.
Одной из ярких страниц искусства XX века является творчество Амедео Модильяни. В 1916 году, по окончании периода увлечения скульптурой, мастер вновь обращается к ню и создает «Обнаженную», предоставленную для выставки Галереей Курто.
10. Амедео Модильяни. Портрет молодой женщины. 1915 г.
Пинакотека Брера, Милан.
В «Портрете девушки» из собрания Галереи Брера, , художник, используя холст небольшого размера, написал удивительно простой и лаконичный образ. Легкий поворот головы, изящная шея, длинный тонкий нос, ассиметричные глаза - характерные приемы мастера придают женскому образу особую значительность и акцентируют внимание зрителя на внутреннем мире модели.
11. Пабло Пикассо. Женщина в шляпе (Дора). 1939 г.
Фонд Бейелера, Базель.
В 30е годы события европейской истории и неприятности в личной жизни вносят в творчество художника мрачные, трагические черты. Трагические нотки появляются и в портретах, где используется прием совмещения фаса и профиля, позволяющий создать ощущение меняющегося ракурса. В 1920-30-х годах Дора Маар (настоящее имя - Генриетта Теодора Маркович) была успешным коммерческим фотографом: она снимала портреты для рекламы. Кроме того, она занимала видное место в кругах парижской богемы как фотограф-сюрреалист, художница и поэтесса. Однако всемирную известность Маар получила благодаря своей связи с Пикассо. Дора Маар была нервной, неуравновешенной натурой, в творчество Пикассо она вошла как «женщина в слезах». Пикассо отмечал, что никогда не мог писать ее улыбающейся. Характерная особенность портретов Доры - это огромные, глубокие глаза, плачущие или задумчивые, полные тревоги или скорби. Также Пикассо любил подчеркивать ее чистый овал лица, мягкие линии скул.
12. Пит Мондриан. Композиция. VI/II. 1919-1921.
Галерея Тейт Модерн, Лондон.
Пит Мондриан настоящее имя Питер Корнелис - выдающийся нидерландский живописец и теоретик искусства. Один из основоположников абстракционизма. В 1917 году Мондриан и ван Дусбург создали новое направление - неопластицизм. Формы необходимо денатурализовать, лишить внешнего кажущегося многообразия, что позволит раскрыть их изначальную схему. Видимым проявлением абсолюта становятся первичные противоположности: горизонталь - вертикаль; плоскость - линия; цвет - нецвет. Уравновешенное расположение элементов в композиции воплощает гармонию мирового устройства. В парижский период (1919-1938) система геометрической абстракции Пита Мондриана обретает законченность. Композиции строятся на пересечениях вертикальных и горизонтальных линий. Часть образовавшихся прямоугольников ровно закрашивается (художник пользовался лишь тремя цветами: красным, синим, желтым). Цветные ячейки противопоставляются белым, "пустым" клеткам.
13. Хоан Миро. Без названия. Холст, масло. 1933 г.
Частное собрание. .
Играющая фантазия Миро изобретает популяцию бескостных, текучих, невесомых существ, произвольно меняющих свою форму и положение в пространстве. В 1930-х художник, экспериментируя с самыми различными материалами, все больше удалялся от натуры. В 1932-1936 он создал серию картин по эскизам-коллажам. Вырезанные из каталогов иллюстрации, изображавшие технические детали, узлы механизмов, в живописных композициях превращались в мягко очерченные формы, напоминающие органы животных, человеческие конечности, эмбриональные зачатки.
14. Джорджо Моранди. Натюрморт. Холст, масло. 1920.
Пинакотека Брера, Милан.
В истории искусства первой половины нашего столетия имя Моранди стоит особняком. Его нельзя отнести ни к одному из многочисленных течений современного искусства, хотя он и прошел через увлечение так называемой «метафизической живописью», находясь под влиянием Дж. де Кирико и К. Карра и сосредоточившись, в основном, на натюрморте. Для ранних его вещей, с их мотивами манекена или марионетки, характерна сюрреальная символика, с начала же 1920-х годов использовал простейшие, как бы элементарно-"учебные" по сути постановки с чашами, вазами, стаканами и бутылками. В этом сказалась и его многолетняя педагогическая практика, - с помощью таких постановок он с 1913 года обучал подростков рисованию в одной из болонских школ. В то же время "бутылки Моранди", слагаясь в бесконечную серию, таили под внешней монотонностью тонкие формальные, композиционные и колористические ценности, став эталоном высочайшего качества. На рубеже 1920-1930-х годов мастер завоевал уже прочную международную репутацию, а в 1930 году получил место профессора болонской Академии художеств. Не вмешиваясь в бурные политические диспуты и конфликты своего времени, Джорджо Моранди всегда был верен принципам эстетического аскетизма, в том числе и в колорите, где предпочитал мягкие, приглушенные тональности, лишь иногда тревожащие внезапным контрастом.
15. Oтто Дикс. Портрет родителей I. Холст, масло. 1921 г.
Художественный музей, Базель.
Дикс Отто - немецкий живописец и график. Сын рабочего. В 1920-х гг. Дикс. был связан с дадаизмом, экспрессионизмом и «новой вещественностью», отдал дань и анархистским нигилистическим настроениям. В произведениях этого времени жестокая точность деталей и беспощадность граничащих с карикатурой характеристик соединяются с гротескной, страшной фантастикой и трагической изломанностью форм и образов, зачастую патологически уродливых. Портрет своих родителей 1921 года - одна первых значительных его работ. Он изобразил отца и мать без малейшей доли приукрашивания. Картина является своего рода социальной исповедью художника, которой он подчеркивает свою кровную принадлежность к рабочему классу.
16. Рене Магритт. Ключ полей. 1936 г.
Музей Тиссена-Борнемисса, Мадрид.
Рене Магритт один из уникальных художников XX века, сюрреалист. «Ключ полей» («La clef des champs») может быть переведено также как «Освобождение, бегство в поля», «Ключ к пространству». Эта работа написана в 1936 году, в тот период, когда художник находился под влиянием творчества Льюиса Кэрролла. Магритт изобразил пейзаж, обрамленный окном, разбитым в результате какого-то внешнего воздействия. Осколки стекла на полу сохраняют фрагменты пейзажа, идентичного тому, что открывается снаружи за окном. Как писал художник, бессмысленно искать ответ на вопрос, что означают его картины. Они, как волшебство, непознаваемы.
17. Поль Дельво. Пленница (Заброшенный город). Дерево, масло. 1942 г
. Частное собрание..
В 1920-1924 годах Дельво испытал влияние Джорджо де Кирико и де Смета - фламандского экспрессиониста с его особой концепцией обнаженного тела и атмосферой молчания и сдержанности. Обнаженная модель стала основной темой творчества Дельво Строго определен план изображения, где сад, северный городской пейзаж, античные руины составляют главный мотив картины. Обнаженные женщины на полотнах Дельво словно ожидают прихода мужчин, которые выведут их из летаргии. В 1939 году Дельво посетил Италию, архитектура Древнего Рима произвела на него глубокое впечатление. Отголосок этого путешествия нашел отражение и в полотне «Пленница».
18. Ив Танги. Я делал вид... 1948 г.
Частное собрание.
Ив Танги (1900-1955) - крупный представитель абстрактного сюрреализма. Первоначально работая моряком, Танги решил стать художником после того, как посетил выставку Джорджо Де Кирико.. В его картинах не найти классических образов Де Кирико, он совершенно самобытный художник, не похожий ни на кого из представителей абстрактного искусства. Посредством традиционных приемов (перспектива, четкий рисунок, моделировка, светотень) художник создавал своего рода иллюзионистические абстракции. Глубокие пространства его картин, наполненные мягкими биоморфными формами, вызывают ассоциации с морскими глубинами, инопланетными пейзажами. Отличительной чертой французского живописца было то, что, добившись известности, он с поразительным упорством до самой своей смерти изображал, по существу, одно и то же. Мир Танги - это удивительные фантастические пейзажи, на которых странным образом сочетаются реальное море, горизонт, четкая береговая линия, манящие просторы океанских далей и невероятные, вымышленные существа и растения, возникшие словно не сами по себе, а рожденные морскими глубинами или восставшие из ожившей гальки.
19. Альберто Джакометти. Стоящая обнаженная. Бронза. 1954 г.
Центр Помпиду, Париж.
Альберто Джакометти - швейцарский скульптор и живописец. Интерес к искусству возник у Альберто уже в раннем детстве. Он учился в Школе искусств и ремесел в Женеве и в студии Гранд Шомьер у Э.Бурделя, испытал влияние кубизма, примыкал к сюрреализму. Временами работал в Париже и Риме, но всегда возвращался в свой родной город. В 1925-1935 Джакометти занимался проблемой соотношения массы и пространства в скульптуре. Он создал несколько значительных произведений, которые назвал "скульптурами в клетке". В них многочисленные части были заключены в каркасную раму или подобие клетки. После 1935 Джакометти создавал почти исключительно этюды отдельно стоящих человеческих фигур, скульптурные группы или портретные бюсты. Под влиянием Родена Джакометти создавал неровные, словно выветренные, напоминающие фантастический пейзаж поверхности с живописной светотенью.
20. Макс Эрнст. Осквернение весны.
Частное собрание.
Макс Эрнст (1891-1976) изучал философию в Боннском университете, где подружился с Арпом, внушившим ему идею о необходимости создания новой концепции искусства. Впоследствии Эрнст становится дадаистом и издает журнал «Личинка стыда», в котором пропагандировались идеи этого движения. В 1922 году Эрнст переезжает в Париж и через пару лет становится видным сюрреалистом. Эрнст изобрел технику фроттажа: однажды он положил бумагу на пол и натер ее графитом. Рельеф растрескавшегося паркета создал на листе выразительную фактуру. Впоследствии фроттажи делали, используя любую негладкую поверхность. Он стал подкладывать под бумагу или холст какие-нибудь неровные поверхности или предметы (кору деревьев, гравий и т. д.). Затем, хорошенько нажимая на поверхность, натирал ее сухими или полусухими красками. Получались фантастические конфигурации, напоминавшие то заросли фантастического леса, то таинственные города. Также он экспериментирует и с граттажем, то есть счищает краску с поверхности холста, задавая тем самым новую тему.
21. Фернандо Ботеро. Дом Марты Пинтукко. 2001.
Собственность художника.
Фернандо Ботеро колумбийский художник, мастер живописи гротескно-традиционалистского направления, близкого «наивному искусству». Выработал свой характерный стиль во второй половине 1950-х годов. Элементы итальянского и испанского Ренессанса-барокко, равно как и барокко латиноамериканского вкупе с изо-фольклором и китчем в духе «наивного искусства», составили в творчестве Ботеро причудливый сплав. Предметы и фигуры предстают в его живописи и графике подчеркнуто пышными, самодовольно разбухшими, пребывающими в сонном покое, - этот волшебный транс напоминает провинциально-застойную и в то же время «магическую» атмосферу рассказов Х.Л.Борхеса и романов Г.Г.Маркеса. На рубеже 20-21 вв. стал самым знаменитым из латиноамериканских художников его поколения.
22. Александр Колдер. Пять углов/ Треугольники. Раскрашенная сталь. 1957 г. Частное собрание. Изображение этого шедевра я нигде не нашла.
23. Пол Джексон Поллок. Коричневое и серебряное I. Холст, эмалевая краска. 1951 г
. Музей Тиссена-Борнемисса, Мадрид.
Из Музея Тиссена - Борнемисса предоставлено и единственное в этом собрании произведение американского художника Джексона Поллока, одного из самых ярких представителей абстрактного экспрессионизма, оказавшего значительное влияние на искусство второй половины XX века. Его картина «Коричневое и серебряное I» принадлежит к серии «Черных картин», созданных между 1950 и 1953 годами с использованием черной эмалевой и серебряной красок.
http://irinadvorkina.livejournal.com/56331.html
http://halloart.ru/showthread.php/1547-«Воображаемый-музей».-Выставка-в-ГМИИ-им.-А.С.-Пушкина
http://www.arts-museum.ru/events/archive/2012/04/imag_mus/index.php
http://museum-world.livejournal.com/61922.html#cutid1
http://www.artprojekt.ru/gallery/friedrich/Fri10.html
http://tragedyscald.livejournal.com/84056.html
http://artiques.ru/node/164
http://izoselfportrait.narod.ru/photoalbum42fran.html
http://prerafaelit.ru/gal19/1_1_91-5.htm
http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/izobrazitelnoe_iskusstvo/MATEKO_YAN.html
http://zamok.druzya.org/lofiversion/index.php/t1651-100.html
http://www.artchive.com/web_gallery/A/Amedeo-Modigliani/Woman's-Head-III.html
http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/theme-doramaar.php
http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/454-mondrian.html
http://evropeyskoe_iskusstvo.academic.ru/649/%D0%9C%D0%B8%D1%80%D0%BE
http://www.c-cafe.ru/days/bio/43/morandi.php
http://alcala.ru/bse/izbrannoe/slovar-D/G12222.shtml
http://xreferat.ru/47/5677-10-osnovnie-puti-razvitiya-evropeiyskoiy-kul-turi-h-h-v.html
Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX вв.
Е.Мурина «Ван Гог» Москва «Искусство» 1978г.
Планы первого и второго этажей.
Первый этаж
1. Каспар Давид Фридрих. Восход луны над морем. Холст, масло. 1821.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
. Уже в ранних картинах художника определилась задумчивая, мистическая атмосфера его искусства. Зрителю, «заместителем» которого часто выступают фигуры, отрешенно созерцающие пейзажные дали, предстоит в живописи Фридриха загадочно-молчаливая природа и символы сверхреального бытия, явленные в виде достаточно натурных, но, в то же время, подчеркнуто-знаковых деталей (морской горизонт, горная вершина, корабль, дальний город, путевое распятие или просто крест, кладбище). История - и древнеязыческая, и средневековая - проступает в виде меланхолических мотивов (гуннские гробницы, руины храмов и монастырей), подчеркивающих скорее трагические разрывы, нежели связь времен. Сила красок, достаточно звучных, умеряется туманами и закатной либо рассветной дымкой. Картина "Восход Луны над морем" представляет собой изображение двух пар молодых людей, наблюдающих за восходом луны на берегу моря. На заднем плане видны два небольших парусных судна, вероятнее всего прогулочные яхты. Характерно то, что женщины изображены на картине сидящими на камне отдельно от мужчин.
2. Джон Констебл. Прыгающая лошадь. Холст, масло. 1825.
Королевская Академия художеств, Лондон
. Полон стремительной динамики пейзаж «Прыгающая лошадь», компактно построенный, пронизанный ощущением полноты бытия, уходящего в даль простора, порывистого ветра, сгибающего деревья, клубящихся облаков. Все тончайшие оттенки палитры использовал художник для воспроизведения своеобразия английской природы, ее величия и красоты. Динамичность и целостность в них достигнуты энергичной кладкой краски, плотной живописью. Свободное от шаблонов, правдивое искусство Констебла указало пути дальнейшего развития реалистического пейзажа в Европе.
3. Жан-Франсуа Милле. Анжелюс. Вечерняя молитва. Холст, масло. 1857-1859 гг.
Музей д'Орсэ, Париж.
Рожденный в Нормандии, в крестьянской среде, Милле навсегда сохранил связь с землей. Возможно поэтому, в отличие от других представителей Барбизонской школы, художник сосредоточил свое внимание не на жанре пейзажа, а на сценах крестьянского труда, иллюстрирующих главное, на его взгляд, предназначение человека на земле. Милле показал сельский труд как естественное состояние человека, как единственно возможную форму его бытия. «Анжелюс» не сразу была принята, вызвав критику современников. Однако простота и благочестие сюжета так заворожили зрителей, что почти в каждом французском доме появилась ее репродукция. В ХХ веке полотно стало источником вдохновения для многих художников и писателей. Крестьянин и его жена, услышав звуки колокола, прерывают работу, чтобы произнести молитву (она начинается со слов Angelus Domini - «Ангел Господень»). Невероятно популярная в XIX веке картина и одно из любимых полотен Сальвадора Дали. Он отчего-то был уверен, что пара на полотне не просто молится, а хоронит своего младенца - отсюда и печаль, которой пронизан «Анжелюс». По просьбе Дали провели рентгенологическое исследование, и выяснилось, что изначально Милле действительно нарисовал гробик.
4. Густав Курбе. Раненый. Холст, масло. 1844-1854 гг.
Музей д'Орсэ, Париж
Курбе так определял свою задачу в искусстве: «Запечатлеть нравы, идеи и облик моей эпохи согласно моей оценке». Изображая своих современников, он создает картины, отличающиеся монументальностью и весомостью форм, повседневное в его картинах приобретает значительность. В картине «Раненый» Курбе предлагает очень смелое, революционное для своего времени композиционное решение. Новаторство заключалось в выборе ракурса и расположении фигуры в пространстве, с помощью которых художник передает страдание героя и его обреченность.
5. Ян Матейко. Приговор Матейке. Картон, масло. 1867 г.
Национальный музей, Варшава.
Матейко испытывал острый интерес к характерным чертам исторического быта, фиксируя их во множестве зарисовок, которые составили так называемую «Сокровищницу». На ее базе издал Историю польского костюма. Горячо сочувствуя национально-освободительным целям восстания в Королевстве Польском (1863-1864), откликнулся на его разгром первыми своими значительными полотнами, представив на суд зрителей эпизоды шляхетского прошлого, ключевые, по мнению мастера, для понимания причин последующего политического унижения. Правящие круги очень отрицательно отнеслись к первым произведениям художника именно из-за концепции, заложенной в них. Матейко на эти нападки ответил своим «Приговором Матейке» где он, под видом воссоздания эпизода из жизни 16 в., изобразил самого себя осужденным на казнь. На переднем плане стоят его противники, зачитывающие приговор о сожжении самого Матейки, привязанного к столбу в глубине картины.
.
2 этаж
6. Эдуард Мане. Завтрак на траве. Холст, масло. Ок. 1863-1868 гг.
Галерея Курто, Лондон.
«Завтрак на траве» - скандально известная картина французского художника Эдуарда Мане, написанная в 1863 году. В настоящее время находится в музее Орсе в Париже, а картина из галереи Курто является авторским повторением. Выбор сюжета картины - двое полностью одетых мужчин с нагой женщиной на природе - вызвал полное непонимание и обвинения в декадентстве и плохом вкусе. Публика была возмущена не только сюжетом, но и тем, как обнажённая женщина бесстыдно смотрит прямо на зрителя, а также узнаваемостью персонажей. Моделью женщины была Викторина Мёран, один из мужчин - брат Мане Густав, второй - будущий шурин Фердинанд Леенхофф. Одеты мужчины, как денди. Они так увлечены разговором, что, кажется, совсем не замечают женщины. Перед ними лежит скинутая женская одежда, корзина с фруктами и круглый хлеб. На заднем плане - вторая женщина в лёгкой одежде моется в реке. Она выглядит непропорционально большой по сравнению с фигурами на переднем плане. Мане задумал «Завтрак на траве» во время воскресной поездки в Аржантей, на берег Сены. Когда он решил изобразить мирную идиллию, он уже предполагал ярую негативную реакцию из-за сюжета будущей картины, однако закончил работу. Если раньше источником вдохновения Мане служили испанские художники, то теперь он обратился к итальянской живописи и решил создать современную версию «Сельского концерта» Джорджоне.
7. Винсент ван Гог. Ботинки. Холст, масло. 1886 г.
Национальный музей Ван Гога, Амстердам
Немецкий искусствовед, первый биограф Ван Гога Юлиус Мейер-Грефе писал о творчестве Ван Гога: «Его образ противостоит всему французскому, насколько это возможно». Интимным символом этой верности себе и своим убеждениям явилась серия полотен, изображающих ботинки бедняков: по-вангоговски «говорящая» натура. В этой серии пяти картин Ван Гог как бы закрепил и засвидельствовал свою верность чисто голландскому отношению к вещам, которые «сопутствуют человеку». Разношенные, кое-как скинутые с усталых ног, эти ботинки демонстрируют целую гамму нюансов в «отношениях», легко переводимых на язык человеческого мира. Так, на картине из Амстердама изображены два ботинка с левой ноги, «отчужденные» друг от друга и в то же время равные друг другу в своей принадлежности одному миру; они сиротливо жмутся посреди пространства, уходящего за края рамы. Странным контрастом к картине выглядит богатая барочная рама, видимо, посмертная дань уважения художнику.
8. Густав Климт. Адам и Ева. Холст, масло. 1917-1918 гг.
Галерея Бельведер, Вена.
Густав Климт - известнейший австрийский живописец, один из самых ярких представителей стиля модерн, лидер венского авангарда. В произведении, представленном на выставке из собрания Галереи Бельведер, Вена, Климт создал композицию на библейскую тему, используя нежные, сочные цвета. Вечная тема трактуется Климтом весьма загадочно: вызывающе-откровенный взгляд Евы, скорбь и глубокие переживания Адама, цветы и звериная шкура, олицетворяют райский сад. Темно-красное тело героя оттеняет ярко выраженную белизну наготы Евы.
План третьего этажа.
9. Амедео Модильяни. Сидящая обнаженная. Холст, масло. 1916 г.
Галерея Курто, Лондон.
Одной из ярких страниц искусства XX века является творчество Амедео Модильяни. В 1916 году, по окончании периода увлечения скульптурой, мастер вновь обращается к ню и создает «Обнаженную», предоставленную для выставки Галереей Курто.
10. Амедео Модильяни. Портрет молодой женщины. 1915 г.
Пинакотека Брера, Милан.
В «Портрете девушки» из собрания Галереи Брера, , художник, используя холст небольшого размера, написал удивительно простой и лаконичный образ. Легкий поворот головы, изящная шея, длинный тонкий нос, ассиметричные глаза - характерные приемы мастера придают женскому образу особую значительность и акцентируют внимание зрителя на внутреннем мире модели.
11. Пабло Пикассо. Женщина в шляпе (Дора). 1939 г.
Фонд Бейелера, Базель.
В 30е годы события европейской истории и неприятности в личной жизни вносят в творчество художника мрачные, трагические черты. Трагические нотки появляются и в портретах, где используется прием совмещения фаса и профиля, позволяющий создать ощущение меняющегося ракурса. В 1920-30-х годах Дора Маар (настоящее имя - Генриетта Теодора Маркович) была успешным коммерческим фотографом: она снимала портреты для рекламы. Кроме того, она занимала видное место в кругах парижской богемы как фотограф-сюрреалист, художница и поэтесса. Однако всемирную известность Маар получила благодаря своей связи с Пикассо. Дора Маар была нервной, неуравновешенной натурой, в творчество Пикассо она вошла как «женщина в слезах». Пикассо отмечал, что никогда не мог писать ее улыбающейся. Характерная особенность портретов Доры - это огромные, глубокие глаза, плачущие или задумчивые, полные тревоги или скорби. Также Пикассо любил подчеркивать ее чистый овал лица, мягкие линии скул.
12. Пит Мондриан. Композиция. VI/II. 1919-1921.
Галерея Тейт Модерн, Лондон.
Пит Мондриан настоящее имя Питер Корнелис - выдающийся нидерландский живописец и теоретик искусства. Один из основоположников абстракционизма. В 1917 году Мондриан и ван Дусбург создали новое направление - неопластицизм. Формы необходимо денатурализовать, лишить внешнего кажущегося многообразия, что позволит раскрыть их изначальную схему. Видимым проявлением абсолюта становятся первичные противоположности: горизонталь - вертикаль; плоскость - линия; цвет - нецвет. Уравновешенное расположение элементов в композиции воплощает гармонию мирового устройства. В парижский период (1919-1938) система геометрической абстракции Пита Мондриана обретает законченность. Композиции строятся на пересечениях вертикальных и горизонтальных линий. Часть образовавшихся прямоугольников ровно закрашивается (художник пользовался лишь тремя цветами: красным, синим, желтым). Цветные ячейки противопоставляются белым, "пустым" клеткам.
13. Хоан Миро. Без названия. Холст, масло. 1933 г.
Частное собрание. .
Играющая фантазия Миро изобретает популяцию бескостных, текучих, невесомых существ, произвольно меняющих свою форму и положение в пространстве. В 1930-х художник, экспериментируя с самыми различными материалами, все больше удалялся от натуры. В 1932-1936 он создал серию картин по эскизам-коллажам. Вырезанные из каталогов иллюстрации, изображавшие технические детали, узлы механизмов, в живописных композициях превращались в мягко очерченные формы, напоминающие органы животных, человеческие конечности, эмбриональные зачатки.
14. Джорджо Моранди. Натюрморт. Холст, масло. 1920.
Пинакотека Брера, Милан.
В истории искусства первой половины нашего столетия имя Моранди стоит особняком. Его нельзя отнести ни к одному из многочисленных течений современного искусства, хотя он и прошел через увлечение так называемой «метафизической живописью», находясь под влиянием Дж. де Кирико и К. Карра и сосредоточившись, в основном, на натюрморте. Для ранних его вещей, с их мотивами манекена или марионетки, характерна сюрреальная символика, с начала же 1920-х годов использовал простейшие, как бы элементарно-"учебные" по сути постановки с чашами, вазами, стаканами и бутылками. В этом сказалась и его многолетняя педагогическая практика, - с помощью таких постановок он с 1913 года обучал подростков рисованию в одной из болонских школ. В то же время "бутылки Моранди", слагаясь в бесконечную серию, таили под внешней монотонностью тонкие формальные, композиционные и колористические ценности, став эталоном высочайшего качества. На рубеже 1920-1930-х годов мастер завоевал уже прочную международную репутацию, а в 1930 году получил место профессора болонской Академии художеств. Не вмешиваясь в бурные политические диспуты и конфликты своего времени, Джорджо Моранди всегда был верен принципам эстетического аскетизма, в том числе и в колорите, где предпочитал мягкие, приглушенные тональности, лишь иногда тревожащие внезапным контрастом.
15. Oтто Дикс. Портрет родителей I. Холст, масло. 1921 г.
Художественный музей, Базель.
Дикс Отто - немецкий живописец и график. Сын рабочего. В 1920-х гг. Дикс. был связан с дадаизмом, экспрессионизмом и «новой вещественностью», отдал дань и анархистским нигилистическим настроениям. В произведениях этого времени жестокая точность деталей и беспощадность граничащих с карикатурой характеристик соединяются с гротескной, страшной фантастикой и трагической изломанностью форм и образов, зачастую патологически уродливых. Портрет своих родителей 1921 года - одна первых значительных его работ. Он изобразил отца и мать без малейшей доли приукрашивания. Картина является своего рода социальной исповедью художника, которой он подчеркивает свою кровную принадлежность к рабочему классу.
16. Рене Магритт. Ключ полей. 1936 г.
Музей Тиссена-Борнемисса, Мадрид.
Рене Магритт один из уникальных художников XX века, сюрреалист. «Ключ полей» («La clef des champs») может быть переведено также как «Освобождение, бегство в поля», «Ключ к пространству». Эта работа написана в 1936 году, в тот период, когда художник находился под влиянием творчества Льюиса Кэрролла. Магритт изобразил пейзаж, обрамленный окном, разбитым в результате какого-то внешнего воздействия. Осколки стекла на полу сохраняют фрагменты пейзажа, идентичного тому, что открывается снаружи за окном. Как писал художник, бессмысленно искать ответ на вопрос, что означают его картины. Они, как волшебство, непознаваемы.
17. Поль Дельво. Пленница (Заброшенный город). Дерево, масло. 1942 г
. Частное собрание..
В 1920-1924 годах Дельво испытал влияние Джорджо де Кирико и де Смета - фламандского экспрессиониста с его особой концепцией обнаженного тела и атмосферой молчания и сдержанности. Обнаженная модель стала основной темой творчества Дельво Строго определен план изображения, где сад, северный городской пейзаж, античные руины составляют главный мотив картины. Обнаженные женщины на полотнах Дельво словно ожидают прихода мужчин, которые выведут их из летаргии. В 1939 году Дельво посетил Италию, архитектура Древнего Рима произвела на него глубокое впечатление. Отголосок этого путешествия нашел отражение и в полотне «Пленница».
18. Ив Танги. Я делал вид... 1948 г.
Частное собрание.
Ив Танги (1900-1955) - крупный представитель абстрактного сюрреализма. Первоначально работая моряком, Танги решил стать художником после того, как посетил выставку Джорджо Де Кирико.. В его картинах не найти классических образов Де Кирико, он совершенно самобытный художник, не похожий ни на кого из представителей абстрактного искусства. Посредством традиционных приемов (перспектива, четкий рисунок, моделировка, светотень) художник создавал своего рода иллюзионистические абстракции. Глубокие пространства его картин, наполненные мягкими биоморфными формами, вызывают ассоциации с морскими глубинами, инопланетными пейзажами. Отличительной чертой французского живописца было то, что, добившись известности, он с поразительным упорством до самой своей смерти изображал, по существу, одно и то же. Мир Танги - это удивительные фантастические пейзажи, на которых странным образом сочетаются реальное море, горизонт, четкая береговая линия, манящие просторы океанских далей и невероятные, вымышленные существа и растения, возникшие словно не сами по себе, а рожденные морскими глубинами или восставшие из ожившей гальки.
19. Альберто Джакометти. Стоящая обнаженная. Бронза. 1954 г.
Центр Помпиду, Париж.
Альберто Джакометти - швейцарский скульптор и живописец. Интерес к искусству возник у Альберто уже в раннем детстве. Он учился в Школе искусств и ремесел в Женеве и в студии Гранд Шомьер у Э.Бурделя, испытал влияние кубизма, примыкал к сюрреализму. Временами работал в Париже и Риме, но всегда возвращался в свой родной город. В 1925-1935 Джакометти занимался проблемой соотношения массы и пространства в скульптуре. Он создал несколько значительных произведений, которые назвал "скульптурами в клетке". В них многочисленные части были заключены в каркасную раму или подобие клетки. После 1935 Джакометти создавал почти исключительно этюды отдельно стоящих человеческих фигур, скульптурные группы или портретные бюсты. Под влиянием Родена Джакометти создавал неровные, словно выветренные, напоминающие фантастический пейзаж поверхности с живописной светотенью.
20. Макс Эрнст. Осквернение весны.
Частное собрание.
Макс Эрнст (1891-1976) изучал философию в Боннском университете, где подружился с Арпом, внушившим ему идею о необходимости создания новой концепции искусства. Впоследствии Эрнст становится дадаистом и издает журнал «Личинка стыда», в котором пропагандировались идеи этого движения. В 1922 году Эрнст переезжает в Париж и через пару лет становится видным сюрреалистом. Эрнст изобрел технику фроттажа: однажды он положил бумагу на пол и натер ее графитом. Рельеф растрескавшегося паркета создал на листе выразительную фактуру. Впоследствии фроттажи делали, используя любую негладкую поверхность. Он стал подкладывать под бумагу или холст какие-нибудь неровные поверхности или предметы (кору деревьев, гравий и т. д.). Затем, хорошенько нажимая на поверхность, натирал ее сухими или полусухими красками. Получались фантастические конфигурации, напоминавшие то заросли фантастического леса, то таинственные города. Также он экспериментирует и с граттажем, то есть счищает краску с поверхности холста, задавая тем самым новую тему.
21. Фернандо Ботеро. Дом Марты Пинтукко. 2001.
Собственность художника.
Фернандо Ботеро колумбийский художник, мастер живописи гротескно-традиционалистского направления, близкого «наивному искусству». Выработал свой характерный стиль во второй половине 1950-х годов. Элементы итальянского и испанского Ренессанса-барокко, равно как и барокко латиноамериканского вкупе с изо-фольклором и китчем в духе «наивного искусства», составили в творчестве Ботеро причудливый сплав. Предметы и фигуры предстают в его живописи и графике подчеркнуто пышными, самодовольно разбухшими, пребывающими в сонном покое, - этот волшебный транс напоминает провинциально-застойную и в то же время «магическую» атмосферу рассказов Х.Л.Борхеса и романов Г.Г.Маркеса. На рубеже 20-21 вв. стал самым знаменитым из латиноамериканских художников его поколения.
22. Александр Колдер. Пять углов/ Треугольники. Раскрашенная сталь. 1957 г. Частное собрание. Изображение этого шедевра я нигде не нашла.
23. Пол Джексон Поллок. Коричневое и серебряное I. Холст, эмалевая краска. 1951 г
. Музей Тиссена-Борнемисса, Мадрид.
Из Музея Тиссена - Борнемисса предоставлено и единственное в этом собрании произведение американского художника Джексона Поллока, одного из самых ярких представителей абстрактного экспрессионизма, оказавшего значительное влияние на искусство второй половины XX века. Его картина «Коричневое и серебряное I» принадлежит к серии «Черных картин», созданных между 1950 и 1953 годами с использованием черной эмалевой и серебряной красок.
http://irinadvorkina.livejournal.com/56331.html
http://halloart.ru/showthread.php/1547-«Воображаемый-музей».-Выставка-в-ГМИИ-им.-А.С.-Пушкина
http://www.arts-museum.ru/events/archive/2012/04/imag_mus/index.php
http://museum-world.livejournal.com/61922.html#cutid1
http://www.artprojekt.ru/gallery/friedrich/Fri10.html
http://tragedyscald.livejournal.com/84056.html
http://artiques.ru/node/164
http://izoselfportrait.narod.ru/photoalbum42fran.html
http://prerafaelit.ru/gal19/1_1_91-5.htm
http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/izobrazitelnoe_iskusstvo/MATEKO_YAN.html
http://zamok.druzya.org/lofiversion/index.php/t1651-100.html
http://www.artchive.com/web_gallery/A/Amedeo-Modigliani/Woman's-Head-III.html
http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/theme-doramaar.php
http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/454-mondrian.html
http://evropeyskoe_iskusstvo.academic.ru/649/%D0%9C%D0%B8%D1%80%D0%BE
http://www.c-cafe.ru/days/bio/43/morandi.php
http://alcala.ru/bse/izbrannoe/slovar-D/G12222.shtml
http://xreferat.ru/47/5677-10-osnovnie-puti-razvitiya-evropeiyskoiy-kul-turi-h-h-v.html
Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX вв.
Е.Мурина «Ван Гог» Москва «Искусство» 1978г.