Художественные музеи Амстердама
Три главных художественных музея Амстердама сконцентрированы в одном месте - в парке Музеумплейн. На фото слева - Стеделейк музеум, круглое здание в центре - музей Ван Гога, справа - Рейксмузеум. Мы посетили их все, выделив на посещение каждого отдельный день и заранее купив билеты, особенно популярен музей Ван Гога, ведь это самый известный голландский художник после Рембрандта, а может уже и не после...
Начнём с самого старого музея. Рейксмузеум основан в 1800 г. в Гааге королём Голландии Луи Бонапартом - братом Наполеона. В 1808 г. музей был переведён в Амстердам, располагался в Королевском дворце и где-то ещё, пока для него не было построено специальное здание по проекту Питера Кёйперса.
Музей открыт для публики с 1885 г.
Атриум Рейксмузеума
Главным шедевром коллекции музея является "Ночной дозор" Рембрандта. Картина официально принадлежит городу Амстердаму, в музее находится на временном хранении.
В 2022 г. картину начали обследовать. Поскольку поверхность холста довольно большая, он начинает вибрировать от движения воздушных потоков, что приводит к повреждению красочного слоя и постепенному разрушению картины. Специальная конструкция позволяет проводить тексты, чтобы выявить, какие участки холста подвержены воздействую вибрации. Как только обследование холста завершится, будет подобрана подходящая система защиты, минимизирующая движения холста.
Серьёзную конкуренцию "Ночному дозору" составляет камерная картина Вермеера "Молочница", к ней буквально не подступиться!
Прекрасные натюрморты XVII в., совершенно заслуженно прозванного "Золотым веком голландской живописи".
Адриан ван Утрехт "Праздничный натюрморт" (1644)
Питер Клас "Натюрморт с пирогом из индейки" (1627)
Виллем Клас Хеда "Натюрморт с позолоченным кубком" (1635)
Флорис Клас ван Дейк "Натюрморт с сырами" (1615)
На многих голландских натюрмортах можно увидеть рёмеры - роскошные бокалы для вина из цветного стекла на массивной ножке.
Составная цветочная пирамида из дельфтского фарфора (1692-1700) и модель корабля.
Голланды в XVII в. уже имели собственный флот и могли противостоят на море таким сильным соперникам как Испания и Англия. Неудивительно, что пейзажи с изображением кораблей и морских баталий получили в то время широкое распространение. В музее наше внимание привлекли большие монохромные полотна, написанные пером с высокой детализацией. Художник Виллем Ван де Вельде получал заказы из официальных ведомств, в том числе от Генеральных Штатов. Во время англо-голландских войн ван де Вельде совершил с голландским флотом шесть военных походов.
Виллем ван де Вельде Старший - "Сражение у Даунса" (1659)
Сражение состоялось в 1639 г. во время Нидерландской войны за независимость (Восьмидесятилетней войны). Во время боя голландская эскадра адмирала Мартена Тромпа разгромила испанскую эскадру адмирала Антонио де Окендо.
Виллем ван де Вельде Старший - "Морское сражение при Текселе"
Ян Авраам Беерстратен - "Морское сражение при Текселе" (картина написана между 1653 и 1666 гг.)
Сражение состоялось в 1653 г. у города Схевенинген в ходе Первой Англо-Голландской войны (всего их было три). В этом сражении с каждой стороны выступило порядка ста судов, бой длился весь день, оба флота проходили через ряды друг друга четыре раза. В аннотации к картине говорится, что в битве победили голландцы - им действительно удалось снять блокаду с побережья, по сути же обе стороны понесли огромные потери, что привело к уступкам на переговорах в пользу англичан.
В центре картины изображен флагманский корабль голландского флота "Brederode" под командованием того самого адмирала Мартена Тромпа. Во самом начале сражения он получил смертельное ранение от руки вражеского снайпера, но его гибель держалась в секрете до конца сражения, чтобы голландские моряки не пали духом.
Кукольный домик Петронеллы Ортан.
Изготовлен из дуба, облицованного панцирем черепахи.
Такие дорогие игрушки делали не для маленьких девочек, а для больших, они создавали модель дома своей мечты и в центре внимания был мир женщины: кухня, дети, домашнее хозяйство и прислуга. Домик принадлежал жене богатого купца, заказан ею между 1686 и 1690 гг. Он был полностью обставлен, каждый предмет изготовлен с исключительной точностью в масштабе 1:9. Команда самых разных мастеров была привлечена к работе, они создали около 7000 предметов! Петронелла Ортман заплатила за всю эту обстановку сумму, достаточную, чтобы приобрести дорогой дом на одном из каналов Амстердама.
Этот домик был таким дорогим, что с него даже была написана картина, её выполнил Якоб Аппел в 1710 г.
Все оригинальные куклы были утрачены, за исключением ребёнка в колыбели.
Дом представляет собой точную модель богатого голландского дома XVII в. В таких домах второй этаж был самым важным и богато обставленным. В комнате слева показан салон для приёма гостей, в центре стол и два стула для игры в трик-трак, рядом с ними на полу две фарфоровые плевательницы для табака.
Кукольный домик Петронеллы Дюнуа (1676)
Дубовый кабинет для коллекций с миниатюрной аптекой (1730)
Кабинет содержит множество маленьких горшочков и пузырьков с лекарствами, некоторые ящики заполнены минералами, окаменелостями, зёрнами и прочими образцами.
Библиотека Рейксмузеума.
Музей Ван Гога
Благодаря тому, что Ван Гог был непопулярен при жизни, мы имеем возможность посетить музей, где представлена огромная коллекция картин, охватывающих все периоды его творчества. После самоубийства художника все его непроданные работы стали собственностью его брата Тео. Брат умер спустя полгода и всё живописное наследие перешло к жене Тео Йоханне, а от неё - к её сыну. В в 1962 г. итоге коллекция была переведена в инициированный государством Фонд Винсента ван Гога. В 1963 г. по заказу голландского правительства началось строительство отдельного здания для размещения коллекции, музей открылся в 1973 г.
Знаменитые "Едоки картофеля" - ранняя работа Ван Гога, написанная в апреле 1885 г. в Нюэнене.
В письме к брату Тео художник писал: "я старался подчеркнуть, что эти люди, поедающие свой картофель при свете лампы, теми же руками, которые они протягивают к блюду, копали землю; таким образом, полотно говорит о тяжёлом труде и о том, что персонажи честно заработали свою еду".
Современная версия едоков ))
Винсент продолжал развивать характерную для голландского искусства тему ванитас, изображая черепа, особенно хорош череп с папироской в зубах ))
Ван Гог был знаком с цветовой теорией Шарля Блана. Блан создал цветовой круг из треугольников, не включая чёрный и белый. За основу был взят хроматический треугольник с первичными цветами (красный, жёлтый, синий) и к нему прилагались комплементарные пары из оттенков оранжевого, зелёного и фиолетового. В картинах Ван Гога встречается как игра на контрасте противоположных цветов, так и гармоничное сочетание оттенков одного цвета.
Когда Гоген и Бернар работали вместе в Бретани. Ван Гог попросил их написать портреты друг друга и прислать ему в Арль в обмен на его картину. Художники поступили оригинально и создали для Ван Гога два автопортрета, написанных на фоне портретов друг друга. Гоген поместил в картину надпись "Отверженные" - отсылка к известному произведению Гюго и намёк на отношение общества к ним и их искусству.
Поль Гоген "Автопортрет с портретом Эмиля Бернара" (1888)
Эмиль Бернар "Автопортрет с портретом Гогена" (1888)
Одилон Редон - "В небесах" или "Закрытые глаза" (1889) (брат Ван Гога Тео купил эту работу у автора в 1889 г.)
Глаза - частый мотив в произведениях Редона, особенно закрытые, потому что он считал бессмысленным писать то, что видишь глазами, истинное вдохновение нужно искать внутри себя, а не снаружи.
Одилон Редон - "Будда" (1904)
Картины Одилона Редона встречаются и в соседнем Стеделейк музеуме:
слева "Женщина среди цветов" (дата создания неизвестна), справа "Посвящение Леонардо да Винчи" (1914), обе работы выполнены пастелью.
Стеделейк был основан в 1895 г. в качестве музея истории города. В здании, построенном в стиле неоренессанса, первоначально демонстрировалась жилая обстановка старых амстердамских домов, коллекция мебели, оружия, монет, украшений и т.п. Лишь в начале 1970х музей начал выступать в новом качестве - первого в Амстердаме музея современного искусства. С 2004 по 2012 гг. музей был закрыт на масштабную реконструкцию по проекту архитектурного бюро Бентхем Крауэл. Новое крыло музея представляет собой гигантскую ванну, составленную из 271 панелей из синтетического материала.
В новом крыле находятся кассы, музейный магазин, ресторан и выставочные залы. В результате площадь музея удвоилась и теперь составляет ок. 8 тысяч кв.м. Внешне музей стал выглядеть смело и современно, лично мне очень понравился результат и снаружи и внутри.
Первый зал буквально обрушивает на посетителя всё многообразие стилей живописи начала ХХ в.: Поль Сезанн, Диего Ривера, Пит Мондриан, Марк Шагал, Джеймс Энсор, Джексон Поллок, Казимир Малевич и многие другие...
В этом зале представлен также Автопортрет Михаила Матюшина (близкого друга Малевича) - музыканта и художника, представителя так называемого органического направления в искусстве.
Этот портрет был частью коллекции исследователя русского авангарда Николая Харджиева, лично знакомого со многими его представителями (Малевичем, Матюшиным, Кручёных...) В 1993 г. 90-летний Харджиев с женой Лидией Чагой переехал в Европу, увезя с собой около 20 картин, 700 графических работ, а также рукописный архив. Он умер в Амстердаме в 1996 г., успев основать культурный фонд "Центр Харджиева/Чаги" при Стеделейк музеуме.
"Контр-композиция V" Тео ван Дусбурга между двумя работами Пита Мондриана.
В Стеделейк музеуме находится крупнейшее на западе собрание работ Казимира Малевича. Оно было приобретено городскими властями в 1958 г. у наследников архитектора Гуго Геринга. В 1927 г. советские власти разрешили Малевичу выехать заграницу и выставить свои картины в Германии, но внезапно потребовали досрочного возвращения художника в Россию. Малевич оставил более ста полотен на хранении у Хуго Геринга. Когда к власти пришли нацисты, Герингу удалось вывезти эти работы из Германии, где они подлежали сожжению, как "дегенеративное искусство". В 2004 г. потомки Малевича заявили свои права на коллекцию, после 4-летней судебной тяжбы в 2008 г. стороны пришли к соглашению, музей уступил "наследникам" пять значимых работ и закрепил свои права за оставшейся коллекцией.
Супрематические работы Малевича:
слева - "Исчезающие белые поверхности" (1917-18), справа - "Супремус №50" (1915)
Малевич - "Голова крестьянской девушки" (1912-13)
Слева "Англичанин в Москве" (1914), справа "Лампа / Музыкальные инструменты" (1913)
Картины Михаила Матюшина и его жены Елены Гуро из Фонда Харджиева:
Слева вверху: Матюшин - "Пространство (вид на 360 градусов)" (1920)
Матюшин - "Пейзаж" (1920)
Матюшин - "Пейзаж с деревьями" (1909)
Гуро - два пейзажа, написанные в 1910 г.
Ольга Розанова: слева - обложка и 3 листа из "Заумной Гниги", в центре три "заумные наклейки" (коллажа).
В 1915 г. Розанова изготовила серию "заумных наклеек" для неустановленной книги Кручёных. Работа над книгой велась по переписке. Крученых в тот период сотрудничал с молодым филологом Романом Якобсоном, будущим основателем структуралистской филологической школы. В процессе переписки Кручёных и Якобсон теоретически расширяли поле "зауми", искали базовые элементы "изображения как такового", готовя совместное издание "Заумная Гнига" (именно через буквы "Г"). Розанова взяла на себя практическую часть этой работы, возможно, серию "заумных наклеек" она готовила именно для этой "гниги",но в окончательном варианте она вышла с литографиями с более ранней живописной серии "Игральные карты". Эти "Заумные наклейки" при жизни Розановой нигде не публиковались. Часть из них хранилась в архиве Кручёных, а оттуда попала в архив Харджиева, который вывез их за границу. Так они оказались на экспозиции Стеделейк музеума.
Ольга Розанова - "Городской пейзаж. Крыши" (1912)
Наталья Гончарова - "Лучистое море" (1912-13)
Картина также поступила в музей из Фонда Харджиева в 2001 г.
Робер Делоне - "Круглые формы. Солнце и луна" (1912-13)
Делоне - основоположник ОРФИЗМА. Термин, придуманный Апполинером в 1912 г., говорит о "звучности" картин. В качестве основного изобразительного инструмента в орфизме использовались концентрические круги контрастных цветов. Особенно сильным Делоне считал соседство синего и красного цветов, производимый этим сочетанием эффект он называл "ударом кулака". Делоне хотел сделать цвет целью и смыслом живописи, заявляя, что до него к цвету относились, как к "способу раскрашивания".
Пит Мондриан - "Панно №3: Композиция в овале" (1913) и "Панно III: Композиция в овале" (1914)
Историю современного искусства можно изучать по дизайну стульев, не случайно в коллекции музея они представлены в большом количестве наравне с картинами. В центре установлен знаменитый красно-синий стул нидерландского архитектора и дизайнера Геррита Ритвельда. Он был сконструирован в 1918 г. и стал одним из программных произведений стиля НЕОПЛАСТИЦИЗМ, разработанного группой "Де Стейл". Свою характерную окраску стул получил в 1923 г., когда Ритвельд под влиянием картин Пита Мондриана (на стене слева) покрасил его в "основные цвета": красный, жёлтый, синий и чёрный. Стул экспонировался на выставках, организованных Баухаусом и имел большой успех. По утверждению искусствоведа Пола Овери, одна из функций стульев, созданных Ритвельдом, держать человека в тонусе, не давая полностью расслабиться.
Мебель XIX века изготавливалась не только из дерева. Металлические трубки использовались при создании английского кресла-качалки "Винфилд" в 1850 г. Марсель Брёйер - ученик, затем преподаватель Баухауза, занимавшийся дизайном мебели, на основе этой технологии создаёт выразительные образы консольных стульев, один из которых в 1925 г. посвятил Кандинскому, назвав его "Василий" ))
На рубеже XIX-XX вв. возник спор между сторонниками "украшательства" и минималистами. В оформлении зала использован эффектный цветочный орнамент "boerenbont". Адольф Лоос активно выступал против "орнаментализма, фасадничества и внешней декоративности". Он призывал к отказу от всяких "орнаментов как детского лепета живописи" и "искусства дикаря", утверждал, что "всякое украшение есть детство человечества", которое должно быть преодолено: "Культуру какой-либо страны можно измерять по степени, в какой испещрены в ней стены уборных".
Утагава Кунисада - сцена театра Кабуки (1850-51)
Многие художники рубежа веков вдохновлялись искусством востока, особенно Японией.
Ван Гог - "Колыбельная (Августина Рулен)" (1889)
Из переписки Ван Гога с братом Тео известно, что он для украшения корабельной каюты он задумал триптих: в центре - портрет Августины Рулен, по бокам - подсолнухи (слева - из мюнхенской пинакотеки, справа - из лондонской галереи). Почему именно морякам предназначался этот тройной шедевр? О "Колыбельной" он писал: "Я попытался создать такой образ, какой возникает у не имеющего представления о живописи матроса, когда он в открытом море вспоминает о женщине, оставшейся на суше".
При создании картин Ван Гог вдохновлялся одновременно узором французских обоев, лубком и японской гравюрой.
Поль Гоген - виньетка для его собственного журнала "Le Sourire" (1899), выполнено в технике ксилографии.
Ян Тороп - крупнейший представитель символизма в Нидерландской живописи.
Эскиз триптиха для плиточного панно в здании товарной биржи "Прошлое, Настоящее, Будущее" (1902)
Триптих рассказывает весьма специфическую версию развития голландской торговли. Слева мы видим, как мужчина меняет рабыню на меч. В центре показана индустриализация, женский труд и эмансипация. Справа - старый уставший слепой рабочий, входящий в лучший мир через ворота. Перед ним стоит Христос с внешностью изгоя-анархиста и самаритянка.
Ян Тороп - "Marie, Lies and Nellie Volker van Waverveen" (1901)
Слева Эгил Якобсен - "Оранжевый объект II" (1943), справа Констант - "Птицы" (1948)
Эти художники были участниками движения "КОБРА", активном в 1949-52 гг. Название было придумано по первым буквам столиц родных стран участников: Копенгаген, Брюссель, Амстердам. Художники вдожновлялись первобытным м народным искусством, а также детским творчеством. Они пытались выработать абстрактный язык форм, который смог бы выразить бессознательное лучше сюрреализма. Также участники движения выступали с критикой современного ей общества холодной войны.
Констант - "Натюрморт с черепом" (1946)
Энди Уорхол - "Бельвью II" (1963)
Антивоенные плакаты разных стран 1960-70х гг.
Слева - направо:
Энрико Кастеллани - "Белая поверхность"
Пьеро Мандзони - "Ахром (белая поверхность)" (1959)
Лучо Фонтана - "Пространственная концепция, Ожидание" (1966)
