Погружение. XX век. Композиторы-академисты. 10-6
10 место
Leonard Bernstein
Статистика:
Страна: США.
Время жизни: 1918 - 1990.
Жанры: Romanticism, Symphony, Modern Classical, Orchestral Music, Concerto, Classical Period.
Почитать:
Биография - ссылка
Леонард Бернстайн как путь в будущее - ссылка
Музыка звучит как выдох - ссылка
Belcanto - ссылка
Fessl - ссылка
Сцены из супружеской жизни - ссылка
Здравствуйте, друзья! - ссылка
Русская история Леонарда Бернстайна - ссылка
От МакЛыди:
Деятельность Л. Бернстайна поражает прежде всего своим разнообразием: талантливый композитор, известный всему миру как автор мюзикла «Вестсайдская история», крупнейший дирижер XX в. (его называют в числе наиболее достойных преемников Г. Караяна), яркий музыкальный писатель и лектор, умеющий найти общий язык с широчайшим кругом слушателей, пианист и педагог.
Композиторский талант Бернстайна сполна раскрылся в музыкальном театре. Произведения, написанные им, - среди прочего две симфонии, несколько ораторий, четыре музыкальные комедии, серенада по прочтении диалога Платона и даже вокальные пьесы на тексты французской поваренной книги - наряду с оригинальностью, полистилистичностью и полижанровостью отличаются верностью заветам классики: “Как дирижер я заинтересован и полон готовности изучать любой по-новому звучащий музыкальный образ; но как композитор я целиком предан принципу тональности”. И в то же время Бернстайн внес огромный вклад в развитие “низкого” жанра. В своих произведениях он не боялся эклектики, широко черпая как из классики, так и из латиноамериканских ритмов, джаза, блюза, негритянского фольклора, псалмов и песнопений. Так, в опере-сатире “Волнения на Таити”, написанной Бернстайном на собственное либретто, на сцене постоянно присутствует танцевально-вокальное трио, которое выполняет, по словам композитора, “роль греческого хора, зародившегося в коммерческих радиопрограммах”.
За свою жизнь Бернстайн рассказал или написал о музыке не меньше, чем продирижировал ею. Он открывал концерты вступительными словами, комментировал записи, выступал с лекциями, публиковал книги и не боялся пространных рассуждений на репетициях. Он был оратором, человеком устной культуры. Даже его манера дирижировать, страстная, порою чересчур «многословная», с жестами горячего утверждения или твёрдого отрицания, подобна риторической баталии в защиту той самой «эстетической правды» и жизнеутверждающих истин.
Послушать:
Click to view9 место
Steve Reich
Статистика:
Страна: США.
Время жизни: 1936 - н.в.
Жанры: Minimalism, Tape Music, Electronic.
Почитать:
Биография - ссылка
Сборник статей - ссылка
О творческом методе Стива Райха: документализм и нарративность - ссылка
Стив Райх и судьбы американского музыкального минимализма - ссылка
Трактовка голоса в композициях Стива Райха 1970-х годов - ссылка
Шесть взглядов на Стива Райха - ссылка
Стив Райх и «классический минимализм» - ссылка
От МакЛыди:
Имя Стива Райха (р. 1936) хорошо известно в США и Западной Европе. Он признанный мэтр академической музыки, классик ушедшего века. Его творческий путь охватывает четыре десятилетия и составляет одну из самых заметных страниц американской культуры. В историю искусства С. Райх вошел прежде всего как один из основоположников музыкального минимализма, выраженного средствами репетитивной техники, - нового стиля, зародившегося в США в 1960-е годы и впоследствии распространившегося далеко за пределами этой страны. В его творчестве сформировались основные эстетические (он выступил как автор манифеста Minimal music) и собственно музыкальные константы репетитивного минимализма.
Индивидуальность музыкального стиля С. Райха оказалась во многом обусловлена органичным синтезом чрезвычайно разнохарактерных истоков и влияний. Симбиоз разнонационального и разновременного: древнейшего фольклора экзотических стран и новейшей практики (авангард 1950-х - начала 1960-х годов); подчеркнутая избирательность по отношению к богатой традиции европейской культуры; активная работа со всеми музыкальными пластами - народным, профессиональным и популярным, - вызвали к жизни абсолютно новое стилевое качество. Сложный спектр составляющих весьма показателен для минимализма, с этой точки зрения творческая биография Райха, его вкусы и пристрастия способны многое сказать о направлении в целом.
Любители электроники и любого вида техно, а также компиляций электронной и акустической музыки должны сказать спасибо Стиву Райху, потому что принципы, которые он использовал, репетитивность, повторение фрагментов - это то, что составляет электронную музыку. Он - один из первых минималистов, а из минимализма развились и поп, и рок, и техно. Можно сказать, что музыка Райха - это техно для фортепиано. Сейчас Нильс Фрам и Оулавюр Арнальдс соединяют электронику с роялем, но это давным-давно придумал Стив Райх.
Послушать:
8 место
Samuel Barber
Статистика:
Страна: США.
Время жизни: 1910 - 1981.
Жанры: Modern Classical.
Почитать:
Биография - ссылка
Американский наследник музыкальной романтической традиции - ссылка
Музыкальное эссе в творчестве Сэмюэла Барбера - ссылка
Belcanto - ссылка
От МакЛыди:
Влияние романтического наследия на творчество американских композиторов первой половины ХХ в. имело внушительные масштабы. Обусловлено это было многими факторами. В случае с Барбером, определяющую роль сыграло его европейско-ориентированное музыкальное образование, полученное в Америке, но у немецких, итальянских, польских, русских наставников. Еще один определяющий момент связан с интеллектуальным и культурным развитием композитора - следствием многочисленных путешествий по странам Европы, хорошего знания нескольких иностранных языков и соответственно интернационального круга общения. Это в целом способствовало формированию у музыканта космополитического мироощущения, нежели идентифицировало его как истинного американца. От того музыка Барбера порицалась не только авангардистами, но и теми представителями музыкально-академической элиты США, что именовали себя американистами и вплоть до середины века были крайне озабочены освобождением своей страны от европейских музыкальных влияний (в первую очередь, немецких). Сам композитор не скрывал, что американистом никогда быть не стремился и столь высокой цели, как создание национального музыкального стиля, перед собой не ставил. Также маловероятен факт его осознания себя как романтика (хотя влияние традиции позднего романтизма, прежде всего, на его раннее творчество неоспоримо, и представленный выше анализ это доказал). Сам он собственный стиль никак не определял; ему было проще согласиться с его полным отсутствием, просто назвав музыку «своей».
Барбер был очень литературно-ориентированным композитором с довольно эклектичным вкусом в прозе и поэзии. Литература для него оказалась не просто одним из академических предметов, в которых музыкант добился больших успехов, но и сильным источником вдохновения. Слово служило ему помощником при выполнении первостепенной композиторской задачи - отражению в музыке своих чувств и эмоций. А потому Барбер очень скрупулезно подходил к выбору текстов для своих песен: он перебирал множество поэтических произведений в поисках строк, которые смогли бы глубоко тронуть его личные чувства, совпали бы с ними. К помощи письменного слова композитор прибегал и в работе над жанрами инструментальной музыки: «…фактически все его масштабные оркестровые сочинения, включая обе симфонии, имеют литературные аллюзии; однако программных замыслов нет, даже в тех случаях, когда литературный источник вынесен в заглавие…».
Лучшие произведения Барбера отличаются мастерством формы и богатством фактуры; оркестровые произведения - блестящей техникой инструментовки (исполнялись А. Тосканини, А. Кусевицким и другими крупнейшими дирижёрами), фортепианные - пианистичностью изложения, вокальные - непосредственностью образного воплощения, выразительностью распева и музыкальной декламации.
Послушать:
7 место
Arvo Pärt
Статистика:
Страна: Эстония.
Время жизни: 1935 - н.в.
Жанры: Modern Classical.
Почитать:
Биография - ссылка
Эстетика и стилистика - ссылка
Колокол, слово и музыка - ссылка
Музыка Арво Пярта в пересечении искусств - ссылка
Tintinnabuli - ссылка
Индивидуальный метод и понимание - ссылка
Совершенство тишины - ссылка
От МакЛыди:
Зрелое творчество Пярта, как и ряд других самобытных явлений современной музыкальной культуры, безусловно, знаменует собой некий рубеж, который мы пока еще не в состоянии адекватно увидеть, процесс перехода традиции, в которой все мы укоренены, в какое-то иное состояние, которое еще не проступило, для восприятия которого необходима определенная временная перспектива.
Творчество Пярта предрасполагает к изучению не только ее религиозно-философских аспектов или историко-стилистических параллелей, но и интердисциплинарных, межвидовых связей. Целостный охват творческого наследия композитора не позволяет миновать соприкосновений с другими видами искусств, прежде всего пространственно-временных - с кино, видеоартом и театром любого рода. Подобный синтез, новый Gesamtkunstwerk - примета времени, и он не мог не затронуть творчество Пярта, художника мирового масштаба, на протяжении последних лет неизменно возглавляющего список самых исполняемых композиторов из числа ныне живущих.
Для tintinnabuli характерны крайне тесные, но свободные отношения между мелодией и гармонией, между «горизонталью» и «вертикалью» музыкального произведения, которые выражены взаимодействием двух голосов, формирующих ткань музыкального произведения: собственно, мелодического, М-голоса, обыкновенно использующего диатонику (к примеру, минорный диатонический лад, построенный от ноты ля, совпадет с последовательностью белых клавиш фортепиано), и голоса «колокола», Т-голоса, который обыгрывает трезвучие, чаще всего минорное. Иногда к трезвучию добавляются иные «неаккордовые» интервалы - сексты, тритон, реже септимы, которые в силу специфики гармонической организации композиций воспринимаются не как способ обострить тяготения между звуками, окрасить звук, но, напротив, сгладить напряжение и уравнять в правах все используемые звуки того лада, на который опирается произведение. От трезвучия - способа интеграции множества в единство - как от своеобразного центра произведения или конкретной музыкальной фразы Арво Пярт отступает нечасто. По собственным словам композитора, T-голос воплощает в себе объективные свойства реальности, область «прощения» и «примирения», божественные законы, которые выступают пределом и условием субъективных граней реальности, личности, чью изменчивость и блуждания воплощает мелодический голос. Сочетание этих двух голосов, изменчивого мелодического и более неподвижного, неторопливого голоса «колокола», задающего музыкальное пространство с помощью биений угасающих и взаимопроникающих созвучий, придает сочинениям Пярта своеобразный и узнаваемый колорит.
Послушать:
6 место
Igor Stravinsky
Статистика:
Страна: Россия.
Время жизни: 1882 - 1971.
Жанры: Modern Classical, Neoclassicism, Orchestral Music, Ballet, Opera, Symphony.
Почитать:
Биография - ссылка
Игорь Стравинский в диалоге с польской музыкальной культурой: о ранних инструментовках пьес Шопена - ссылка
In memoriam - ссылка
С любовью ко всему русскому - ссылка
12 цитат из автобиографии - ссылка
Уголок меломана:
Глеб снова с нами.
В списке ста наиболее влиятельных людей ХХ века, составленном американским журналом Time, среди малочисленных представителей мира музыки значится и имя композитора Стравинского. BBC Music Magazine - наиболее популярное периодическое издание Британии, посвящённое классической музыке, вовсе же назвало Игоря Фёдоровича наиболее влиятельным композитором в мире после самого Иоганна Себастьяна Баха. Безусловно, модернизм, как направление искусства ХХ века, представить без вклада Стравинского не представляется возможным. И вклад этот замечателен не просто набором оркестровых или вызывающих неподдельный интерес музыкально-сценических произведений, а переосмыслением самой философии музыки, её функций и задач, а также места композитора в творческом процессе.
Идеи Стравинского, кажущиеся нам со стороны новаторскими, авангардными, революционными, по мнению самого композитора таковыми и близко не являются. В этой позиции, надо признать, содержится изрядная доля иронии, однако её смысл становится понятным, если заключить, что под «революционным» предполагается возвращение музыки к некому первозданному состоянию, сбрасывание с неё ненужной маски утилитарности. Слушателю, воспитанному на традиции, подразумевающей, что музыка обязательно должна нести на себе отпечаток некоторого весьма неусловного эстетизма, тяжело будет принять знаменитое пугающе острое изречение Стравинского, гласящее, что музыка по сути своей ничего не выражает, кроме самой себя. По Стравинскому музыка это инструмент, с помощью которого человек преодолевает текучесть времени, будучи не в силах уловить настоящий момент как устойчивую реальность, и должна использоваться по этому назначению.
Противопоставляя себя Вагнеру, Стравинский отвергает не только романтизацию музыки, но и романтизацию профессии композитора. Себя он считал не создателем или творцом, действующим, исходя из подпитываемого музой душевного порыва, а мастером или ремесленником, складывающим произведение из нот и интервалов ровно так же, как каменщик складывает из кирпичей и цементного раствора здание. Уйти от бесконечного хаоса беспорядочных шумов к дисциплинированному порядку звука было для Стравинского в работе совершенно необходимой вещью. Только лишь самоограничение и присущий композитору догматизм позволяли преодолевать ему страх, испытываемый перед чистым нотным станом, на который предстояло нанести нотный текст будущего произведения. Искусство это чёткий и строгий порядок - так утверждал Стравинский - и исходить оно должно от индивидуума высокого в интеллектуальном и психическом отношении, поскольку, как он сам говорил, музыка есть феномен спекуляции, подразумевая под этим создание конкретного из абстрактного. Ещё одно важное правило Стравинского - хотя музыка и несёт в себе отпечаток личности автора, она не должна являться платформой для идеологических идей, какие бы формы они не приобретали.
В истории Стравинского есть немало поразительных вещей, вызванных, по-видимому, специфичностью обстоятельств, в которых протекала его жизнь. Пожалуй, начать необходимо с того, что родился он в семье музыкальной и весьма известной. Отец будущего композитора был оперным певцом, а мать - пианисткой и концертмейстером, поэтому музыка окружала мальчика с детства. Однажды в Мариинском театре, куда девятилетний Игорь по обыкновению пришёл посмотреть на выступление отца Фёдора Игнатьевича, его взгляд упал на странно притягательную фигуру Петра Ильича Чайковского. С этого момента Стравинский осознаёт, что хочет стать композитором, и начинает брать уроки фортепиано.
Со временем знакомство сводит его с начинающим композитором Иваном Покровским, который становится не просто близким другом, но и формирует музыкальный кругозор Стравинского, увлекая его творчеством французских композиторов. Игорь Фёдорович, в этом не может быть сомнений, свою будущую жизнь связывал с музыкой, однако был вынужден подчиниться воле родителей и после гимназии поступил на юридический факультет. Впрочем, искусство нашло к нему дорогу и там. Сокурсник Стравинского Владимир - младший сын известного представителя «Могучей кучки» Николая Андреевича Римского-Корсакова - познакомил его со своим отцом, который усмотрел в Игоре неогранённый талант. Интересно, что прославленный композитор отговорил Стравинского от поступления в консерваторию (видимо, по принципу «умного учить - только портить»), предпочтя самому направить его чутьё и умения в нужное русло.
Сергей Павлович Дягилев, известный энтузиаст балета, оказался на премьере первых произведений Стравинского, написанных под руководством Римского-Корсакова, и позже предложил Игорю Фёдоровичу участие в создании балетов для его антрепризы. Таким образом, в 1910 году Стравинский приступил к сотрудничеству с «Русским балетом» Дягилева, которое принесло ему всемирную известность. Фольклорные балеты «Жар-птица», «Петрушка» и, в особенности, «Весна священная», идея которого пришла к Стравинскому во сне, вызвали на Западе бурную реакцию публики - вплоть до громкого скандала, - но в целом были расценены как вещи необычные, но новаторские. Позже критики признали их высокую культурную ценность. Например, «Весна священная» оказалась в числе двадцати семи музыкальных произведений, которые были отобраны для золотой пластинки «Вояджера», - послания землян внеземным цивилизациям.
Будучи на гастролях «Русского балета» в Париже, Стравинский сблизился с мэтрами импрессионизма тех лет - Эриком Сати и Клодом Дебюсси, к творчеству которых, особенно первого, у него сложились противоречивое мнение. Французов Игорь Фёдорович критиковал за наскучивание их музыки, но тем не менее принимал их концептуальный подход. Заинтересовала Стравинского и ранняя (ещё до создания додекафонии) экспериментальная работа Арнольда Шёнберга «Лунный Пьеро», сочинённая в технике полупения-полуречитатива. К 1914 году композитор обосновался в Швейцарии и после начала Первой мировой войны уже на родину не приезжал, сделав исключение только в 1962 году - по приглашению Никиты Хрущёва на своё 80-летие. После её окончания Стравинский переехал во Францию и некоторое время жил с семьёй на вилле Коко Шанель, которая оказывала ему финансовую помощь. Францию пришлось покинуть в 1939 году, остановив свой выбор на США, где композитор уже неоднократно бывал с гастролями.
С переездом во Францию русский фольклор в произведениях Стравинского стал уступать место европейской классике, поэтому этот период его творчества зачастую называют «неоклассическим». Так, при поддержке того же Дягилева и участии в качестве сценографа Пабло Пикассо Игорь Фёдорович в 1920 году представил неплохо воспринятый публикой комический балет «Пульчинелла». С другой стороны, в 1922 году весьма экспериментальную по задумке оперу «Мавра» по поэме Пушкина «Домик в Коломне» ждал провал, что, видимо, и повлияло на последующий выбор репертуара. Греческая тема в этом смысле оказалась более долгоиграющей и была представлена в творчестве Стравинского вплоть до начала 50-х: опера-оратория «Царь Эдип» (1927), балет «Аполлон Мусагет» (1928), мелодрама «Персефона» (1935), балет «Орфей» (1947). Другое интересное направление - христианская музыка, например, чисто хоровые «Отче наш» (1926), «Символ веры» (1932) или «Симфония псалмов» (1930) для хора с оркестром. С 50-х годов Стравинский всё больше и больше прибегает к серийной технике, однако использует её нестрого, избегая полного классического двенадцатизвучия (додекафонии), кроме того создавая произведения, в которых серийными были только отдельные части.
Свои взгляды на музыкальное искусство Стравинский изложил в книге «Музыкальная поэтика», представляющей собою цикл лекций, прочитанных им в Гарвардском университете в 1939-1940 годах. Эта монография содержит в себе неожиданные ракурсы, поскольку высвечивает радикально иную трактовку функций музыки, к которой мы не привыкли. И во главе её речь идёт о зарождении нового музыкального мышления ХХ века, в которой отсутствует эстетическая система. Мне не остаётся ничего, кроме как напоследок процитировать автора: «Большинство людей любит музыку, надеясь найти в ней такие чувства, как радость, горе, печаль, или образы природы, или фантастику, или, наконец, просто хотят, слушая её, забыть «прозу жизни». Они ищут в музыке лекарство, возбуждающее средство… Дёшево бы стоила музыка, если бы она была низведена до такого назначения! Когда люди научатся любить музыку ради неё самой, когда они будут слушать её по-другому, их наслаждение будет более возвышенным и полным, тогда они смогут судить о ней в ином плане и действительно понимать внутреннюю сущность этого искусства… Если не ждать от музыки выражения наших чувств, а позволить ей самовыражаться, она скажет нам гораздо больше».
Игорь Фёдорович Стравинский умер в 1971 году в Нью-Йорке на 89-м году жизни. Похоронен в Венеции, недалеко от могилы своего друга Сергея Дягилева.
Послушать: