Десакрализация искусства и блоггинг. Тезисы к докладу. Эскиз номер Раз.
Эскиз номер Раз.
Вначале было Слово.
...А, точнее, сразу несколько слов, потому что примитивное подобие речи имеет место быть у высших животных, а у социальных животных она довольно таки развита, хотя, подобно тому, как при помощи жестов разговаривают между собой немые люди, не всегда эта "речь" именно речь звуковая, и если мы не научились ее понимать в достаточной степени, то это никак не мешает шимпанзе, волкам, дельфинам обсуждать свои ближайшие планы и координировать совместные действия на охоте и во время привала. Да и звуковая проторечь у животных, особенно у ночных и сумеречных, у которых слух, чувствительность к изменению амплитуды и частоты звуковых колебаний развиты на пару порядков выше, чем у человека, имеет не совсем такой же характер, как и у людей.
Как бы там ни было, но в Начале слов у людей было мало, и Слово, непостижимым образом способное передавать от одного человека к другому образ предмета или образ действия, ценили необыкновенно и именно тогда у людей начали распространяться легенды об идеальном Слове ...звуке ...рисунке, содержащем в самом себе и передающем людям все образы сразу: Ом (санскр. ॐ) или Аум.
Воплощениее звука «Ом» в индуизме согласно Яджурведа (около X века до н. э.):
Поющие чаши (известны также как гималайские чаши, тибетские чаши; в Японии их называют рин (яп. 鈴) или судзу (яп. 鈴)) - разновидность колокола как музыкального инструмента. Поющие чаши - древний музыкальный инструмент, использовавшийся по всей Азии как часть религиозных традиций бон и тантрического буддизма. Уникальность древних поющих чаш состоит в том, что одновременно звучат несколько гармонических обертонов. Это связано с тем, что чаши делаются из сплава нескольких металлов, каждый из которых звучит на собственной «волне»
Современные поющие чаши делаются из бронзы, но без добавления редких и драгоценных металлов, что сказывается на звучании. В отличие от чаш ручной работы, которые ещё могут тягаться с древними образцами, поющие чаши, сделанные машинным способом, имеют довольно плохие музыкальные показатели, всё их звучание ограничивается двумя гармоническими обертонами, что слишком мало для требовательных музыкантов.
Playing Rhett's Singing Bowl
Отделившись от религии, с отсечением сакрального смысла, идея идеального нашла свое воплощение в качестве предмета искусства. И это стало возможным только после того, как искусство живописи, искусство философии, стало светским, вышедшим за стены специальных образовательных учреждений при крупных культурных центрах - монастырях, дававшим специальные знания только в совокупности со знаниями и обетами в сфере религиозной.
...Но в 10 веке до н.э. до этого было еще далеко - идеология работала жестко и бескомпромиссно, инакомыслие не допускалось - для всего существовали одобренные авторитетами строгие каноны. ...Каноны, установления, правила... Белое не носить, обтягивающее не надевать... Изображение человека только в одной особой проекции ...полный запрет на изображение человека и животных ...и разрушение культурных памятников, выполненных в другой, "вражеской", традиции... В условиях жесткой борьбы за выживание, общество должно было быть монолитно а индивидуальность была обязана быть готовой в любой момент принести себя в жертву самого существования своей общины, своего рода.
/// Очередной пост, который, следуя наметившейся традиции, я открываю даже не в виде незаконченного черновика, а в виде кратких тезисов к черновику, т.к. буду дописывать и редактировать текст под настроение, а заявленная тематика актуальна сегодня (а точнее, два месяца тому назад), а не когда-нибудь потом.
Сочувствую тем, кто заинтересуется изложенным - мне бы тоже хотелось генерировать интересные креативные тексты в один заход за один раз ...но пока получается как получается ...по крохотной капельке, иногда, в течении месяца-двух, коряво и с грамматическими ошибками. ///
Гений в сферическом вакууме.
(небольшое отступление по итогам интернет-дискуссии)
Тут хотелось бы вспомнить про "феномен одной книги":
Подобрать пример из современности достаточно сложно - трудно оказаться на виду с одним, пусть гениальным вбросом - гениальное тут же адаптируют/переработают, а проще - сплагиатят. Издателю намного проще отдать найденный самородок в переплавку своим проверенным в работе "литературным рабам", сдать на конвейер, чем возиться с вновь обнаруженным, во многом непредсказуемым, гением - и гениальный роман устареет, выйдет из моды, окажется погребен под шлаком еще до того как этот гений хоть сколько-нибудь продвинется в его раскрутке (в качестве модели, можно припомнить судьбу некоторых интернет-мемов, собиравших на раскрученных порталах миллионы лайков, в то время как какой-нибудь малопосещаемый авторский сайт, на котором они были впервые выложены, получил от силы 100-200 комментов и был снова всеми забыт);
а раньше, когда книг было меньше, а литературное творчество для аристократов не считалось особо престижным, а уж тем более сколько нибудь доходным, имелись примеры, когда автор полностью вложился в один роман, чаще автобиографический, вложил свою душу и размышления, и больше ничего не создал и не захотел создавать (впрочем, иногда - не успел: продолжительность жизни, качество здоровья в те времена были несколько иными) и вошел с этим единственным романом в классику мировой литературы. [Примеры]
Если рассматривать эти романы и, именно, в большей или меньшей степени автобиографичные, то на ум приходит сравнение с героем классической басни (конь, сороконожка и др.) которому задали вопрос о том, с какой ноги он ходит, после которого он не смог сделать ни шагу (равно как и маленькие дети имеют более точную мелкую моторику, т.к. их мозг не перегружен доп. контурами самоконтроля). И то, что второе произведение по своему уровню может оказаться значительно хуже первого - скорее правило, в котором есть приятные исключения. И хорошо, когда такое "второе" произведение - стихотворение или короткий рассказ. А если это роман, работа над которым ведется пару лет? Еще более любопытная ситуация возможна, если начинающий автор - очень молодой человек, которого учат "переставлять ноги", пусть и великолепно подготовленные, педагоги. Готов ли начинающий писатель, только вышедший из отрочества, к запланированному провалу своей второй писательской попытки, в которую будет вложено огромное количество сил и времени?
(картинки потырены с Демотиватора - не знаю, станут ли они отображаться у всех: если не станут - это будет смотреться еще более символично)
И при всем том, что учение - это боль, унижения, под тяжестью которых далеко не всем дано выстоять и ломаются и обычные дарования, и гениальные творцы,
на вопрос "надо ли учиться?" - существует только один ответ: "учиться надо!"
Во-первых, потому что далеко не всегда то, что на первый взгляд кажется гениальным, оказывается таковым в действительности. И, конечно, любые рассуждения о том, что талант надо развивать, осваивая новые творческие приемы и совершенствуя имеющиеся навыки - скучнейшая банальность.
Но и творческому гению есть чему поучиться у педагогов: каким бы исключительным и полным ни было его творческое дарование, процесс обучения с преподавателем, особенно в группе, особенно в специализированном высшем учебном заведении - это социализация: именно там придется учиться справляться с внутренними кризисами; с зачастую несправедливой критикой; находить контакт с не всегда приятными, не всегда доброжелательными людьми, у которых есть возможность повлиять на судьбу обучающегося; работать не от случая к случаю, а в принятом в данной среде темпе; и самое главное, чему в итоге должен научиться начинающий гений - ориентироваться в структуре литературного сообщества, в литературной тусовке, воспринять принятый внутри нее код общения - чтобы получить шанс впоследствии и самому встроиться в нее.
Robin Schulz - Sugar (feat. Francesco Yates)
Распад искусства
(Почему Шилов - плохой художник, а Брюллов - хороший? Они ведь похожи!
(с)shakko_kitsune)
Начинающий зритель, читатель знакомится с достижениями мировой культуры на образцах, отобранных составителями школьных учебников из самого лучшего, и у неокрепших умов возникает иллюзия того, что искусство - продукт мысли если уж не самых-самых образованных людей своего времени, то, как минимум, людей живших интенсивной духовной жизнью. История сохраняет лучшее, наиболее яркое и ценное и поэтому дилетант, заглядывающий в художественные музеи, может видеть очевидные подтверждения такого своего, глубоко укоренившегося в подсознании, ощущения.
Однако, со временем, при разных обстоятельствах сталкиваясь со своими современниками-деятелями искусств, он с недоумением обнаруживает среди них и людей недалеких, не вполне владеющих ремеслом, циничных рабов конъюктуры, нередко творящих не во имя высокого, а исключительно из желания выделиться, просто по приколу - просто в шутку. Талантливый человек, получивший классическое образование в продвинутых учебных заведениях и в худших своих проявлениях способен сотворить что-то интересное и художественно ценное, но способен и не сотворить ничего действительно достойного внимания.
Если раньше занятие искусством было очень затратным развлечением и барьер для халтуры был выше и жестче, то, с ростом уровня жизни, попробовать себя на этом поприще может гораздо больше графоманов, маляров, рифмоплетов и самодеятельных музыкантов. И теперь мы уже перестаем ждать от современного нам художественного пространства каких-то духовных откровений, а искусствоведы, имея ввиду свой личный коммерческий интерес, поддерживают нас в этом, предлагая принимать чьи-то частные художественные высказывания в виде точечек, кружочков и кучек мусора за знаковые достижения современного арта.
Можно даже сказать, что вся совокупность низкохудожественных направлений в искусстве (в живописи), начиная с первых годов 20 века, символизировала собой только одно - переход от универсального (изобразительтного) искусства, со своей историей развития и разработанной мотодологией,понятного и близкого большинству к необоснованному декларированию художественной ценности частного высказывания, обличенного в какую-то форму, хоть сколько то напоминающую (об) искусстве. Сами творцы этого и не скрывали и их провокационное «и это тоже искусство!» в отношении фото унитазов звучало достаточно громко. Их голос был услышан, но принимая за один жанр искусства то, что к этому жанру не относится, акционизм за изобразительное искусство, те, кто пошел на это, вольно или не вольно, превратили этот вид искусства в ту самую кучку мусора.
В силу ряда обстоятельств, в русле литературы эти тенденции развивались медленнее - и мы еще не увидели литературно -поэтическую премию за страницу заполненную знаками препинания - но эти процессы идут, и идут всё в том же направлении - последние Нобелевские премии в области литературы тому яркий пример. Толерантность достигла невиданных высот и границы (допустимого) едва различимы.
Распад искусства на фрагменты, художественная ценность которых условна, а смысл понятен только посвященным, делит воспринимающую аудиторию на подгруппы со своими локальными субкультурами, своими смысловыми ключами и кодовыми образами. Борьба "старого" и "нового" искусства не впервые принимает непримиримые формы, но никогда раньше разнообразие не было таким многообразным и никогда раньше утрата связи с "универсальным"- общепонятным не была такой разительной.
И да, возвращаясь к Шилову: художественная ценность его картин очевидно низка, но его картины, с его дотошной передачей мелких деталей, вполне могли бы иметь какую-то небольшую историческую ценность - и сами по себе, и как знак того времени, но, конечно, совершенно несопоставимую и с вложенными в них силами и ценой, заплаченной за них заказчиками. Это живопись, но живопись крайне низкого качества.
Интересный вопрос: что остается от изобразительного искусства, когда мы рассматриваем не оригинал какого-то шедевра, а его точную копию. Для некоторых картин абстракционистов не представляет труда изготовить такие копии, а для мировых шедевров реалистического искусства возьмем умозрительный вариант. - Отсекается вся уникальная история картины, всё что связано с ней, как с историческим артефактом, таким же, как бронзовая монетка, извлеченная из щели между булыжниками древнеримской мостовой ...и остается чистое искусство ...почти чистое, потому что с любым предметом, картиной, подлинником или копией, не может не быть связана какая-то, пусть очень короткая, история его появления.
Из всего этого видно, что то что мы относим к какому-то определенному жанру, всегда содержит в себе и что-то еще, искусство всегда синтетично, многожанрово. Очень интересный компонент современного искусства соотносится с термином "акционизм".
Акциони́зм - форма современного искусства, возникшая в 1960-е годы в Западной Европе. Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит к поискам новых способов художественного выражения, придающих динамику произведению, вовлекая его в какое-либо действие (акцию).(с)Википедия
Говоря об акционизме, достаточно трудно найти примеры честного разбора того, что можно считать хорошим акционизмом, а что плохим, т.к. сами художественные объекты, вокруг которых строится конкретная акция, не имеют решающего значения, главное - эмоциональное воздействие и последующий отклик (в прессе), которые всегда оцениваются очень субъективно, однако, из любопытного:
Красная скамья позора (с) fritzmorgen
О Театре
На примере истории с Красной скамьей явно прослеживается, как акционизм, заявленный в качестве течения в изобразительном искусстве, плавно перетекает в театральное действо. Таскание скамейки и ее последовательное перекрашивание перенесенное на подмостки слишком напоминает авангардистские (а чаще абсурдистские) режиссерские эксперименты, с той разницей, то претендуя на внимание масс, люди, осуществившие постановку со скамейкой, не смогли привлечь внимание даже того количества зрителей, которое соответствует наполняемости небольшого сельского клуба.
Т.е. фактически, представление разыгрывалось актерами ради самих актеров, посвященных в общую идею, сценарий, диапазон допустимых импровизаций, получающих удовольствие от процесса и результата. А сторонние зрители в таком театре - обременительный анахронизм.
И игра превращается в Игру - детскую игру для взрослых.
Упоминание игры, в данном случае, не использование аналогии, а результат того, что виды деятельности человека, связанные с понятием искусства, организованы по принципам игровой деятельности, в которой дети или взрослые создают какую-то локальную модель реальности. И от священного трепета перед непонятным, недостижимым для обывателя, вполне можно перейти к оценке искусства по тем же системам критериев, по которым мы оцениваем игры: развивающие или отупляющие; развлекающие или трудные и скучные; воспитывающие гуманизм или взращивающие нетерпимость и агрессивность... Искусство не просто, как расширитель границ восприятия - а расширитель вполне конкретных границ между чем-то, в том числе и относящемуся к Окну Овертона. Искусство шевелить ушами и необычная бородавка, или искусство владения телом и умение выделять узнаваемые образы в природном материале - камнях и дереве. В этом смысле рассказы-страшилки, которые дети рассказывают друг другу перед сном соотносятся с хоррором в кинематографе и живописи и относится к развивающему искусству, только в том случае, когда учат конкретного человека владеть своими эмоциями. "Конкретного человека" - означает, что игры могут быть лучше или хуже одна относительно другой, иметь какой-то общий рейтинг, который окажется достаточно условным, но главная их оценка - оценка того, как они воздействуют на конкретного человека, что именно ему дает какая-то вполне определенная игра, на которую он тратит своё время.
ОТР. Новости. В парке "Сокольники" появился робот-художник. 20.06.2017
Раньше люди играли в шахматы друг с другом и называли шахматную игру искусством, теперь никого не смущает то, что можно играть и с человеком, и с компьютером. И на примере игры с компьютером легко вычленяется роль второго участника в коммуникационном звене творец-зритель.
Конечно, страшное святотатство поставить на место творца компьтер, но... что ж поделать, если сейчас создано столько алгоритмов обработки изображения/звука, что речь идет уже о создании алгоритмов для создания алгоритмов, а воздействие какого-то произведения на зрителей/слушателей и его место в общем ряду таких произведений можно оценивать с помощью алгоритма тестирования на случайной или экспертной выборке. Насколько возможно создать вычислительную модель такого тестирования покажет время, но с развитием ИИ это более, чем вероятно.
Проблема цитирования: так говорил Заратустра.
А говорил ли Заратустра так, говорил ли про Это, говорил ли вообще когда-нибудь, да и существовал ли он в действительности?........
На определенном отрезке времени к проблеме авторства относились принципиально иначе: да, - существовали артели ремесленников - гильдии мастеров, которые скрывали от непосвященных свои профессиональные секреты, но было распространено представление об Истине, которая, как научные теории, существует независимо от людей, от их субъективного восприятия и поэтому не имеет смысла искать ее первооткрывателей. В сакральных видах искусств был распространен КАНОН.
Новое время, новое субъективистское искусство принесли с собой новые проблемы - требование оригинальности и, следовательно, очень многогранную и широко обсуждаемую проблему авторского права не просто на предметы искусства, но и на сами художественные концепты - проблему сознательного и неосознанного плагиата.
В тексте научной монографии цитату можно (нужно) оформлять принятым корректным способом - в кавычках, с указанием автора и источника, по которому идет цитирование. В научно-популярной литературе уже допустимо цитировать в вольном изложении и без указания точного источника - но обязательно подчеркивая то, что данная мысль не принадлежит автору популярной статьи, а вот в бытовой речи, при переходе от "символического" написания к словарному общению, границы цитаты, очевидные для говорящего, подчас, совершенно не воспринимаются человеком, слушающим его рассказ. В визуальных видах искусств, также не располагающих адекватным набором инструментов для выделения цитат, ситуация еще сложнее - и можно даже сказать - трагичнее.
Таким образом зрителю предлагается самостоятельно разбираться в том, с чем же он имеет дело:
- традиционным цитированием - использованием мемов;
- собственной интерпретацией общеизвестного сюжета;
- сознательным плагиатом - порицаемым в обществе воровством;
- неосознанным заимствованием;
- самостоятельно изобретенным автором "велосипедом".
В свете требования оригинальности художественного произведения, начинающими авторами особо остро воспринимаются случаи неосознанного цитирования в собственном творчестве, своей "вторичности". И тут можно привести известный пример - любые два слова возможно связать ассоциативной цепочкой через третье (максимум, через два последовательных понятия), а уж в безбрежном море художественной литературы всегда возможно найти какие-то фрагменты, сцены, аналогичные вновьпридуманным. Это не снимает проблемы неосознанного плагиата, но переводит ее несколько в иную плоскость, суть которой особенно ясно видна на примере коллажа в визуальных искусствах - когда границами "цитирования" являются границы фрагментов. Таким образом, даже простой линейный набор каких-нибудь законченных художественных объектов, объединенных общей идеей, следующих в неслучайном порядке - это уже коллаж - художественное переосмысление материала. Ранее труд составителей сборников (рассказов) традиционно не замечался и никак не оценивался, да и не у всех собирателей имелся в достаточном количестве материал, но сейчас вполне можно представить себе художественное произведение целиком и полностью собранное из литературных фрагментов, процитированных из разных романов различных авторов ....и даже предполагаю, что таковая художественная форма кем-нибудь где-нибудь уже реализована ...обязана быть реализована в свете того повсеместного тренда, который наблюдается в последние годы в дизайне:
(Срисованные из сети доклады, сочинения, курсовые и скомпилированные диссертации не в счет)
Но, пожалуй, самый наглядный пример актуального цитирования даже не коллажи из различных материалов, а творчество, создаваемое с помощью компьютерных программ: музыка, собираемая по определенному алгоритму из готовых сэмплом, компьютерные картины, собираемые в программах типа фотошопа и другие виды творчества на основе готовых библиотек.
источник
И, думаю, в самом ближайшем будущем уже и для рядового пользователя станет доступным не только создание фотокартин, но и самостоятельная "сборка" полноценных анимационных фильмов на основе библиотек персонажей, движений/жестов, фонов и музыки:
И что-то мне подсказывет, что в подавляющем большинстве случаев мы столкнемся с анимационным вариантом чего-то аналогичного:
KENZO World - The new fragrance
https://www.youtube.com/watch?v=ABz2m0olmPg
KENZO World - The New Fragrance ft Braulio Lin (Parody)
https://www.youtube.com/watch?v=VL4UqliL23M
carrefour parody KENZO the new fragrance
https://www.youtube.com/watch?v=rVmU5Shz7eI
magine : No More Clichés / La pub KENZO WORLD
https://www.youtube.com/watch?v=NtI57Dng-_k
Mannekenfish Eurochamps Waterpolo Brussels 2016
https://www.youtube.com/watch?v=DORVOfRphcY
ESTRADARADA - K083R (Ковёр KENZO)
https://www.youtube.com/watch?v=IGUBHNTGXi8
Fatboy Slim/Kenzo Perfume Ad Mashup
Итак: неосознанное цитирование - или тонкая игра со зрителем/читателем? библиотеки данных, мемы и культурный код - или навязчивые клише и штампы?
Стоит заметить, что у тех, кто активно пользуется библиотеками изображений, глаз уже настолько наметан, что с первого мгновения распознает исходные элементы изображений(сэмплы в музыке) - из какой они библиотеки и у кого еще и в каких работах были использованы. В этом есть своё дополнительное измерение восприятия художественного произведения - для посвященных, с элементом снобизма.
Разумеется, оценка всегда будет в большей степени субъективна и возможна только в рамках строго определенных контекстов. И , в исторической перспективе, вспоминая удачные художественные эксперименты с клише и литературными штампами, думаю, не только мне первое, что придет на ум - "Повести Белкина".
----------------------------------------
Из сети:
Моцарт vs Сальери: кто кому завидовал на самом деле
Одна из маленьких трагедий А. С. Пушкина была задумана как «Зависть», а позже была названа «Моцарт и Сальери»
По сюжету, Сальери завидовал успеху и таланту Моцарта и поэтому его отравил. Именно это произведение породило легенду, которая является наибольшим заблуждением относительно двух композиторов: на самом деле у Моцарта было гораздо больше поводов завидовать Сальери, и последний не участвовал в отравлении гения!
Между двумя композиторами действительно существовала неприязнь, поводом для которой было постоянное соперничество. Речь шла не о масштабах таланта, а о положении в обществе. В XVIII в. часто устраивали творческие состязания. Так, например, 6 февраля 1786 г. в одном конце Оранжереи императорского дворца Шенбрунн ставилась опера Сальери, а в другом конце - Моцарта. Оба произведения были написаны по заказу императора Иосифа II, оба были о тяжбе между певицами за одну роль. Но опера Моцарта провалилась, а опера Сальери имела успех у публики.
В 1774 г. скончался придворный композитор Гассман. Незадолго до этого в Вену приезжал Моцарт в надежде стать преемником Гассмана, он добился аудиенции у императрицы Марии Терезии, об этой встрече его отец написал: «Императрица вела себя очень мило, но не более того». Должность придворного композитора и капельмейстера итальянской оперы получил Сальери.
Успех Сальери в XVIII в. был просто ошеломительным, его оперы ставили гораздо чаще, чем Моцарта. В глазах императора Сальери имел куда больший вес. Моцарт пытался оттеснить соперника, но ему это не удавалось. Следует учитывать и тот факт, что публика на тот момент воспринимала оперу иначе, чем современная, она ожидала от постановок узнаваемых сюжетов и знакомых интриг. Сальери прекрасно знал вкусы публики и умел ей угодить.
В 1781 г. Моцарт поселился в Вене. В том же году при дворе решался вопрос о музыкальном образовании молодой княгини Елизаветы, на пост претендовали Моцарт и Сальери. Предпочтение снова отдали второму, поскольку у Моцарта была репутация легкомысленного молодого человека, что вызывало опасения за честь и достоинство 15-летней княгини.
В письмах Моцарт постоянно обвиняет соперника во всех своих неудачах: «Император все испортил, для него существует только Сальери»; «Сальери не в состоянии преподавать фортепиано»; «У меня есть сведения, что готовится большая интрига, Сальери и его сообщники из кожи вон лезут» и т. д.
Сальери сознавал, что Моцарт был гением, он относился к нему по-дружески и без агрессии. Репутация Сальери как убийцы Моцарта основана прежде всего на пушкинской версии этого сюжета, хотя она и не соответствовала действительности. Возможно, причиной такой трактовки было то, что Сальери был автором оперы, в которой высмеивался Петр I, а к нему Пушкин относился с большим пиететом; а возможно, автор просто поверил слухам.
-----------------------------------------------------
Тот, кто смотрит: Ахматова, Цветаева и Пушкин.
"Игра в бисер" с Игорем Волгиным. "Пушкиниана Марины Цветаевой" (Выпуск от 7 Октября 2017)
«Пушкиниана» создавалась с 1913-го по 1937-й, в не самое простое время в истории России и мира. Но почему Анна Ахматова обронила: «Марине было нельзя писать о Пушкине…»?
Из интернета:
Со второй половины 20-х годов Ахматова начинает изучать жизнь и творчество Пушкина во всеоружии все расширяющихся специальных знаний. Она пишет об этом в своей автобиографии:
"Примерно с середины двадцатых годов я начала очень усердно и с большим интересом заниматься архитектурой старого Петербурга и изучением жизни и творчества Пушкина. Результатом моих пушкинских штудий были три работы - о "Золотом петушке", об "Адольфе" Бенжамена Констана и о "Каменном госте". Все они в свое время были напечатаны. Сейчас готовлю книгу "Гибель Пушкина"". Эти работы получили всеобщее
признание и вошли в золотой фонд советского пушкиноведения. Книга "Гибель Пушкина" осталась ненапечатанной, но в архиве Ахматовой в Ленинградской государственной публичной библиотеке им. М.Е. Салтыкова-Щедрина сохранились обширные, частично почти законченные рукописные материалы. Небольшой очерк "Пушкин и невское взморье", который сама Ахматова очень любила, был напечатан в номере "Литературной газеты", посвященном 80-летию со дня рождения Ахматовой и 170-летию Пушкина (1969 год, 4 июня).
К этой информации мне уже и добавить нечего. Думаю, любой читающий легко определит, кто из двух поэтесс, обращаясь к Н.Я. Мандельштам, произнес следующее:
"«Моцарта и Сальери» Пушкина не поняли, в этой дуэли двух музыкантов Пушкин видел себя в облике Сальери."
Разве что стоит ещё привести цитату от самого Пушкина, у которого уже нет возможности вступить в спор с интерпретаторами:
«Я знал и труд, и вдохновенье…» (В.Ф.Раевскому, 1822)
Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости. Walter Benjamin 1931 г
Написанный выше текст я писала прежде всего для себя, в удобной для меня форме. Если он вызвал интерес у посетителей моего блога, то рекомендую обратиться к истокам изучения проблемы, к сочинениям, признанными классикой в своей области знания:
https://conjure.livejournal.com/1375331.html :
Если вы не знакомы с сочинением немецкого литератора и философа Вальтера Беньямина "Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости", которое он написал около 1931 года, коротко его можно пересказать так. Новые технические возможности воспроизведения художественных произведений (литография, фотография, ксилография, фильм и пр.) дают художнику и новую свободу, при этом изменяют лицо искусства и его восприятие в обществе. Искусство перестало быть эксклюзивным и культовым, потому что больше не является частью ритуалов (например, религиозных) и имеет выставочный, развлекательный и всеобщедоступный характер. Беньямин задаётся вопросом, что теперь считать оригиналом и какую ему придавать ценность? Что можно называть искусством, а что нет? Ведь оригинал может быть только один. А любое его копирование снижает ценность и значимость объекта искусства. Однако с развитием новых технологий меняется и лицо искусства, и его ценность для масс. Куда большую роль для настоящего играет аура объекта - его восприятие в данном месте в данное время.
https://ru.wikipedia.org/wiki/Произведение_искусства_в_эпоху_его_технической_воспроизводимости :
В своей работе Беньямин анализирует трансформацию произведений искусства как физических объектов в контексте развития технологий создания культурных явлений. По его мнению произведения искусства стали лишаться своей особой ауры. Место культурной и ритуальной функции в произведениях искусства заняли политическая, практическая и экспозиционная функции. Современное искусство развлекает, в то время как более раннее искусство требовало от зрителя концентрации и погружения.
Даже в самой совершенной репродукции отсутствует «здесь и сейчас» оригинала. В качестве примера можно привести театр. Раньше для того, чтобы увидеть представление, зрителю было необходимо прийти в театр, погрузиться в окружающий его антураж. Репродукция же позволяет воспринимать произведение искусства за рамками доступной оригиналу ситуации. Тот же самый спектакль теперь доступен не только в театре, но и в кино. Это в свою очередь позволяет сделать шаг навстречу публике. Беньямин писал: «Художественное мастерство сценического актёрa доносит до публики сам актёр собственной персоной; в то же время художественное мастерство киноактера доносит до публики соответствующая аппаратура».
Действия актёров проходят через ряд «фильтров». Сначала это кинокамера, которая позволяет запечатлеть лишь удачные дубли. Та же кинокамера позволяет выбирать более удачные ракурсы, выставляя актёра в выгодном свете. Далее за монтажным столом материал, который посчитают удачным, смонтируют в готовый фильм. Таким образом, в отличие от актёра на сцене, у актёра кино есть право на ошибки, поскольку неудачные дубли можно переснять. Это позволяет создать идеальное произведение (чистовой вариант). Но в то же время киноактер не контактирует с публикой и не имеет возможности скорректировать свою игру в зависимости от реакции публики. Подлинность произведения искусства - это совокупность всего, что вещь способна нести в себе с момента создания: от своего материального возраста до исторической ценности.
В восприятии произведения искусства возможны различные аспекты, среди которых выделяются два полюса:
1) акцент на произведение искусства;
2) акцент на экспозиционную ценность.
По мнению Беньямина, чем сильнее утрата ценности какого-либо искусства, тем менее его критикуют зрители и критики. И наоборот, чем более ново искусство, тем с большим отвращением оно подвергается критике.
Беньямин считал, что фашизм пытается организовать пролетаризированные массы, не затрагивая имущественные отношения, стремясь при этом дать возможность самовыражения, что приводит к эстетизации политической жизни. Пика эстетизации политика достигает в войне. Именно она даёт возможность направлять к единой цели массовые движения и мобилизовать все ресурсы техники при сохранении имущественных отношений. По мнению Вальтера Беньямина коммунизм политизирует искусство, тем самым отвечая на фашистскую эстетизацию.
Запись в блоге достигла максимально допустимого в ЖЖ количества символов, поэтому далее могу добавлять текст только через комментарии к посту
Вначале было Слово.
...А, точнее, сразу несколько слов, потому что примитивное подобие речи имеет место быть у высших животных, а у социальных животных она довольно таки развита, хотя, подобно тому, как при помощи жестов разговаривают между собой немые люди, не всегда эта "речь" именно речь звуковая, и если мы не научились ее понимать в достаточной степени, то это никак не мешает шимпанзе, волкам, дельфинам обсуждать свои ближайшие планы и координировать совместные действия на охоте и во время привала. Да и звуковая проторечь у животных, особенно у ночных и сумеречных, у которых слух, чувствительность к изменению амплитуды и частоты звуковых колебаний развиты на пару порядков выше, чем у человека, имеет не совсем такой же характер, как и у людей.
Как бы там ни было, но в Начале слов у людей было мало, и Слово, непостижимым образом способное передавать от одного человека к другому образ предмета или образ действия, ценили необыкновенно и именно тогда у людей начали распространяться легенды об идеальном Слове ...звуке ...рисунке, содержащем в самом себе и передающем людям все образы сразу: Ом (санскр. ॐ) или Аум.
Воплощениее звука «Ом» в индуизме согласно Яджурведа (около X века до н. э.):
Поющие чаши (известны также как гималайские чаши, тибетские чаши; в Японии их называют рин (яп. 鈴) или судзу (яп. 鈴)) - разновидность колокола как музыкального инструмента. Поющие чаши - древний музыкальный инструмент, использовавшийся по всей Азии как часть религиозных традиций бон и тантрического буддизма. Уникальность древних поющих чаш состоит в том, что одновременно звучат несколько гармонических обертонов. Это связано с тем, что чаши делаются из сплава нескольких металлов, каждый из которых звучит на собственной «волне»
Современные поющие чаши делаются из бронзы, но без добавления редких и драгоценных металлов, что сказывается на звучании. В отличие от чаш ручной работы, которые ещё могут тягаться с древними образцами, поющие чаши, сделанные машинным способом, имеют довольно плохие музыкальные показатели, всё их звучание ограничивается двумя гармоническими обертонами, что слишком мало для требовательных музыкантов.
Playing Rhett's Singing Bowl
Click to view Отделившись от религии, с отсечением сакрального смысла, идея идеального нашла свое воплощение в качестве предмета искусства. И это стало возможным только после того, как искусство живописи, искусство философии, стало светским, вышедшим за стены специальных образовательных учреждений при крупных культурных центрах - монастырях, дававшим специальные знания только в совокупности со знаниями и обетами в сфере религиозной.
...Но в 10 веке до н.э. до этого было еще далеко - идеология работала жестко и бескомпромиссно, инакомыслие не допускалось - для всего существовали одобренные авторитетами строгие каноны. ...Каноны, установления, правила... Белое не носить, обтягивающее не надевать... Изображение человека только в одной особой проекции ...полный запрет на изображение человека и животных ...и разрушение культурных памятников, выполненных в другой, "вражеской", традиции... В условиях жесткой борьбы за выживание, общество должно было быть монолитно а индивидуальность была обязана быть готовой в любой момент принести себя в жертву самого существования своей общины, своего рода.
/// Очередной пост, который, следуя наметившейся традиции, я открываю даже не в виде незаконченного черновика, а в виде кратких тезисов к черновику, т.к. буду дописывать и редактировать текст под настроение, а заявленная тематика актуальна сегодня (а точнее, два месяца тому назад), а не когда-нибудь потом.
Сочувствую тем, кто заинтересуется изложенным - мне бы тоже хотелось генерировать интересные креативные тексты в один заход за один раз ...но пока получается как получается ...по крохотной капельке, иногда, в течении месяца-двух, коряво и с грамматическими ошибками. ///
Гений в сферическом вакууме.
(небольшое отступление по итогам интернет-дискуссии)
Тут хотелось бы вспомнить про "феномен одной книги":
Подобрать пример из современности достаточно сложно - трудно оказаться на виду с одним, пусть гениальным вбросом - гениальное тут же адаптируют/переработают, а проще - сплагиатят. Издателю намного проще отдать найденный самородок в переплавку своим проверенным в работе "литературным рабам", сдать на конвейер, чем возиться с вновь обнаруженным, во многом непредсказуемым, гением - и гениальный роман устареет, выйдет из моды, окажется погребен под шлаком еще до того как этот гений хоть сколько-нибудь продвинется в его раскрутке (в качестве модели, можно припомнить судьбу некоторых интернет-мемов, собиравших на раскрученных порталах миллионы лайков, в то время как какой-нибудь малопосещаемый авторский сайт, на котором они были впервые выложены, получил от силы 100-200 комментов и был снова всеми забыт);
а раньше, когда книг было меньше, а литературное творчество для аристократов не считалось особо престижным, а уж тем более сколько нибудь доходным, имелись примеры, когда автор полностью вложился в один роман, чаще автобиографический, вложил свою душу и размышления, и больше ничего не создал и не захотел создавать (впрочем, иногда - не успел: продолжительность жизни, качество здоровья в те времена были несколько иными) и вошел с этим единственным романом в классику мировой литературы. [Примеры]
Если рассматривать эти романы и, именно, в большей или меньшей степени автобиографичные, то на ум приходит сравнение с героем классической басни (конь, сороконожка и др.) которому задали вопрос о том, с какой ноги он ходит, после которого он не смог сделать ни шагу (равно как и маленькие дети имеют более точную мелкую моторику, т.к. их мозг не перегружен доп. контурами самоконтроля). И то, что второе произведение по своему уровню может оказаться значительно хуже первого - скорее правило, в котором есть приятные исключения. И хорошо, когда такое "второе" произведение - стихотворение или короткий рассказ. А если это роман, работа над которым ведется пару лет? Еще более любопытная ситуация возможна, если начинающий автор - очень молодой человек, которого учат "переставлять ноги", пусть и великолепно подготовленные, педагоги. Готов ли начинающий писатель, только вышедший из отрочества, к запланированному провалу своей второй писательской попытки, в которую будет вложено огромное количество сил и времени?
(картинки потырены с Демотиватора - не знаю, станут ли они отображаться у всех: если не станут - это будет смотреться еще более символично)
И при всем том, что учение - это боль, унижения, под тяжестью которых далеко не всем дано выстоять и ломаются и обычные дарования, и гениальные творцы,
на вопрос "надо ли учиться?" - существует только один ответ: "учиться надо!"
Во-первых, потому что далеко не всегда то, что на первый взгляд кажется гениальным, оказывается таковым в действительности. И, конечно, любые рассуждения о том, что талант надо развивать, осваивая новые творческие приемы и совершенствуя имеющиеся навыки - скучнейшая банальность.
Но и творческому гению есть чему поучиться у педагогов: каким бы исключительным и полным ни было его творческое дарование, процесс обучения с преподавателем, особенно в группе, особенно в специализированном высшем учебном заведении - это социализация: именно там придется учиться справляться с внутренними кризисами; с зачастую несправедливой критикой; находить контакт с не всегда приятными, не всегда доброжелательными людьми, у которых есть возможность повлиять на судьбу обучающегося; работать не от случая к случаю, а в принятом в данной среде темпе; и самое главное, чему в итоге должен научиться начинающий гений - ориентироваться в структуре литературного сообщества, в литературной тусовке, воспринять принятый внутри нее код общения - чтобы получить шанс впоследствии и самому встроиться в нее.
Robin Schulz - Sugar (feat. Francesco Yates)
Распад искусства
(Почему Шилов - плохой художник, а Брюллов - хороший? Они ведь похожи!
(с)shakko_kitsune)
Начинающий зритель, читатель знакомится с достижениями мировой культуры на образцах, отобранных составителями школьных учебников из самого лучшего, и у неокрепших умов возникает иллюзия того, что искусство - продукт мысли если уж не самых-самых образованных людей своего времени, то, как минимум, людей живших интенсивной духовной жизнью. История сохраняет лучшее, наиболее яркое и ценное и поэтому дилетант, заглядывающий в художественные музеи, может видеть очевидные подтверждения такого своего, глубоко укоренившегося в подсознании, ощущения.
Однако, со временем, при разных обстоятельствах сталкиваясь со своими современниками-деятелями искусств, он с недоумением обнаруживает среди них и людей недалеких, не вполне владеющих ремеслом, циничных рабов конъюктуры, нередко творящих не во имя высокого, а исключительно из желания выделиться, просто по приколу - просто в шутку. Талантливый человек, получивший классическое образование в продвинутых учебных заведениях и в худших своих проявлениях способен сотворить что-то интересное и художественно ценное, но способен и не сотворить ничего действительно достойного внимания.
Если раньше занятие искусством было очень затратным развлечением и барьер для халтуры был выше и жестче, то, с ростом уровня жизни, попробовать себя на этом поприще может гораздо больше графоманов, маляров, рифмоплетов и самодеятельных музыкантов. И теперь мы уже перестаем ждать от современного нам художественного пространства каких-то духовных откровений, а искусствоведы, имея ввиду свой личный коммерческий интерес, поддерживают нас в этом, предлагая принимать чьи-то частные художественные высказывания в виде точечек, кружочков и кучек мусора за знаковые достижения современного арта.
Можно даже сказать, что вся совокупность низкохудожественных направлений в искусстве (в живописи), начиная с первых годов 20 века, символизировала собой только одно - переход от универсального (изобразительтного) искусства, со своей историей развития и разработанной мотодологией,понятного и близкого большинству к необоснованному декларированию художественной ценности частного высказывания, обличенного в какую-то форму, хоть сколько то напоминающую (об) искусстве. Сами творцы этого и не скрывали и их провокационное «и это тоже искусство!» в отношении фото унитазов звучало достаточно громко. Их голос был услышан, но принимая за один жанр искусства то, что к этому жанру не относится, акционизм за изобразительное искусство, те, кто пошел на это, вольно или не вольно, превратили этот вид искусства в ту самую кучку мусора.
В силу ряда обстоятельств, в русле литературы эти тенденции развивались медленнее - и мы еще не увидели литературно -поэтическую премию за страницу заполненную знаками препинания - но эти процессы идут, и идут всё в том же направлении - последние Нобелевские премии в области литературы тому яркий пример. Толерантность достигла невиданных высот и границы (допустимого) едва различимы.
Распад искусства на фрагменты, художественная ценность которых условна, а смысл понятен только посвященным, делит воспринимающую аудиторию на подгруппы со своими локальными субкультурами, своими смысловыми ключами и кодовыми образами. Борьба "старого" и "нового" искусства не впервые принимает непримиримые формы, но никогда раньше разнообразие не было таким многообразным и никогда раньше утрата связи с "универсальным"- общепонятным не была такой разительной.
И да, возвращаясь к Шилову: художественная ценность его картин очевидно низка, но его картины, с его дотошной передачей мелких деталей, вполне могли бы иметь какую-то небольшую историческую ценность - и сами по себе, и как знак того времени, но, конечно, совершенно несопоставимую и с вложенными в них силами и ценой, заплаченной за них заказчиками. Это живопись, но живопись крайне низкого качества.
Интересный вопрос: что остается от изобразительного искусства, когда мы рассматриваем не оригинал какого-то шедевра, а его точную копию. Для некоторых картин абстракционистов не представляет труда изготовить такие копии, а для мировых шедевров реалистического искусства возьмем умозрительный вариант. - Отсекается вся уникальная история картины, всё что связано с ней, как с историческим артефактом, таким же, как бронзовая монетка, извлеченная из щели между булыжниками древнеримской мостовой ...и остается чистое искусство ...почти чистое, потому что с любым предметом, картиной, подлинником или копией, не может не быть связана какая-то, пусть очень короткая, история его появления.
Из всего этого видно, что то что мы относим к какому-то определенному жанру, всегда содержит в себе и что-то еще, искусство всегда синтетично, многожанрово. Очень интересный компонент современного искусства соотносится с термином "акционизм".
Акциони́зм - форма современного искусства, возникшая в 1960-е годы в Западной Европе. Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит к поискам новых способов художественного выражения, придающих динамику произведению, вовлекая его в какое-либо действие (акцию).(с)Википедия
Говоря об акционизме, достаточно трудно найти примеры честного разбора того, что можно считать хорошим акционизмом, а что плохим, т.к. сами художественные объекты, вокруг которых строится конкретная акция, не имеют решающего значения, главное - эмоциональное воздействие и последующий отклик (в прессе), которые всегда оцениваются очень субъективно, однако, из любопытного:
Красная скамья позора (с) fritzmorgen
О Театре
На примере истории с Красной скамьей явно прослеживается, как акционизм, заявленный в качестве течения в изобразительном искусстве, плавно перетекает в театральное действо. Таскание скамейки и ее последовательное перекрашивание перенесенное на подмостки слишком напоминает авангардистские (а чаще абсурдистские) режиссерские эксперименты, с той разницей, то претендуя на внимание масс, люди, осуществившие постановку со скамейкой, не смогли привлечь внимание даже того количества зрителей, которое соответствует наполняемости небольшого сельского клуба.
Т.е. фактически, представление разыгрывалось актерами ради самих актеров, посвященных в общую идею, сценарий, диапазон допустимых импровизаций, получающих удовольствие от процесса и результата. А сторонние зрители в таком театре - обременительный анахронизм.
И игра превращается в Игру - детскую игру для взрослых.
Упоминание игры, в данном случае, не использование аналогии, а результат того, что виды деятельности человека, связанные с понятием искусства, организованы по принципам игровой деятельности, в которой дети или взрослые создают какую-то локальную модель реальности. И от священного трепета перед непонятным, недостижимым для обывателя, вполне можно перейти к оценке искусства по тем же системам критериев, по которым мы оцениваем игры: развивающие или отупляющие; развлекающие или трудные и скучные; воспитывающие гуманизм или взращивающие нетерпимость и агрессивность... Искусство не просто, как расширитель границ восприятия - а расширитель вполне конкретных границ между чем-то, в том числе и относящемуся к Окну Овертона. Искусство шевелить ушами и необычная бородавка, или искусство владения телом и умение выделять узнаваемые образы в природном материале - камнях и дереве. В этом смысле рассказы-страшилки, которые дети рассказывают друг другу перед сном соотносятся с хоррором в кинематографе и живописи и относится к развивающему искусству, только в том случае, когда учат конкретного человека владеть своими эмоциями. "Конкретного человека" - означает, что игры могут быть лучше или хуже одна относительно другой, иметь какой-то общий рейтинг, который окажется достаточно условным, но главная их оценка - оценка того, как они воздействуют на конкретного человека, что именно ему дает какая-то вполне определенная игра, на которую он тратит своё время.
ОТР. Новости. В парке "Сокольники" появился робот-художник. 20.06.2017
Раньше люди играли в шахматы друг с другом и называли шахматную игру искусством, теперь никого не смущает то, что можно играть и с человеком, и с компьютером. И на примере игры с компьютером легко вычленяется роль второго участника в коммуникационном звене творец-зритель.
Конечно, страшное святотатство поставить на место творца компьтер, но... что ж поделать, если сейчас создано столько алгоритмов обработки изображения/звука, что речь идет уже о создании алгоритмов для создания алгоритмов, а воздействие какого-то произведения на зрителей/слушателей и его место в общем ряду таких произведений можно оценивать с помощью алгоритма тестирования на случайной или экспертной выборке. Насколько возможно создать вычислительную модель такого тестирования покажет время, но с развитием ИИ это более, чем вероятно.
Проблема цитирования: так говорил Заратустра.
А говорил ли Заратустра так, говорил ли про Это, говорил ли вообще когда-нибудь, да и существовал ли он в действительности?........
На определенном отрезке времени к проблеме авторства относились принципиально иначе: да, - существовали артели ремесленников - гильдии мастеров, которые скрывали от непосвященных свои профессиональные секреты, но было распространено представление об Истине, которая, как научные теории, существует независимо от людей, от их субъективного восприятия и поэтому не имеет смысла искать ее первооткрывателей. В сакральных видах искусств был распространен КАНОН.
Новое время, новое субъективистское искусство принесли с собой новые проблемы - требование оригинальности и, следовательно, очень многогранную и широко обсуждаемую проблему авторского права не просто на предметы искусства, но и на сами художественные концепты - проблему сознательного и неосознанного плагиата.
В тексте научной монографии цитату можно (нужно) оформлять принятым корректным способом - в кавычках, с указанием автора и источника, по которому идет цитирование. В научно-популярной литературе уже допустимо цитировать в вольном изложении и без указания точного источника - но обязательно подчеркивая то, что данная мысль не принадлежит автору популярной статьи, а вот в бытовой речи, при переходе от "символического" написания к словарному общению, границы цитаты, очевидные для говорящего, подчас, совершенно не воспринимаются человеком, слушающим его рассказ. В визуальных видах искусств, также не располагающих адекватным набором инструментов для выделения цитат, ситуация еще сложнее - и можно даже сказать - трагичнее.
Таким образом зрителю предлагается самостоятельно разбираться в том, с чем же он имеет дело:
- традиционным цитированием - использованием мемов;
- собственной интерпретацией общеизвестного сюжета;
- сознательным плагиатом - порицаемым в обществе воровством;
- неосознанным заимствованием;
- самостоятельно изобретенным автором "велосипедом".
В свете требования оригинальности художественного произведения, начинающими авторами особо остро воспринимаются случаи неосознанного цитирования в собственном творчестве, своей "вторичности". И тут можно привести известный пример - любые два слова возможно связать ассоциативной цепочкой через третье (максимум, через два последовательных понятия), а уж в безбрежном море художественной литературы всегда возможно найти какие-то фрагменты, сцены, аналогичные вновьпридуманным. Это не снимает проблемы неосознанного плагиата, но переводит ее несколько в иную плоскость, суть которой особенно ясно видна на примере коллажа в визуальных искусствах - когда границами "цитирования" являются границы фрагментов. Таким образом, даже простой линейный набор каких-нибудь законченных художественных объектов, объединенных общей идеей, следующих в неслучайном порядке - это уже коллаж - художественное переосмысление материала. Ранее труд составителей сборников (рассказов) традиционно не замечался и никак не оценивался, да и не у всех собирателей имелся в достаточном количестве материал, но сейчас вполне можно представить себе художественное произведение целиком и полностью собранное из литературных фрагментов, процитированных из разных романов различных авторов ....и даже предполагаю, что таковая художественная форма кем-нибудь где-нибудь уже реализована ...обязана быть реализована в свете того повсеместного тренда, который наблюдается в последние годы в дизайне:
(Срисованные из сети доклады, сочинения, курсовые и скомпилированные диссертации не в счет)
Но, пожалуй, самый наглядный пример актуального цитирования даже не коллажи из различных материалов, а творчество, создаваемое с помощью компьютерных программ: музыка, собираемая по определенному алгоритму из готовых сэмплом, компьютерные картины, собираемые в программах типа фотошопа и другие виды творчества на основе готовых библиотек.
источник
И, думаю, в самом ближайшем будущем уже и для рядового пользователя станет доступным не только создание фотокартин, но и самостоятельная "сборка" полноценных анимационных фильмов на основе библиотек персонажей, движений/жестов, фонов и музыки:
И что-то мне подсказывет, что в подавляющем большинстве случаев мы столкнемся с анимационным вариантом чего-то аналогичного:
KENZO World - The new fragrance
https://www.youtube.com/watch?v=ABz2m0olmPg
KENZO World - The New Fragrance ft Braulio Lin (Parody)
https://www.youtube.com/watch?v=VL4UqliL23M
carrefour parody KENZO the new fragrance
https://www.youtube.com/watch?v=rVmU5Shz7eI
magine : No More Clichés / La pub KENZO WORLD
https://www.youtube.com/watch?v=NtI57Dng-_k
Mannekenfish Eurochamps Waterpolo Brussels 2016
https://www.youtube.com/watch?v=DORVOfRphcY
ESTRADARADA - K083R (Ковёр KENZO)
https://www.youtube.com/watch?v=IGUBHNTGXi8
Fatboy Slim/Kenzo Perfume Ad Mashup
Итак: неосознанное цитирование - или тонкая игра со зрителем/читателем? библиотеки данных, мемы и культурный код - или навязчивые клише и штампы?
Стоит заметить, что у тех, кто активно пользуется библиотеками изображений, глаз уже настолько наметан, что с первого мгновения распознает исходные элементы изображений(сэмплы в музыке) - из какой они библиотеки и у кого еще и в каких работах были использованы. В этом есть своё дополнительное измерение восприятия художественного произведения - для посвященных, с элементом снобизма.
Разумеется, оценка всегда будет в большей степени субъективна и возможна только в рамках строго определенных контекстов. И , в исторической перспективе, вспоминая удачные художественные эксперименты с клише и литературными штампами, думаю, не только мне первое, что придет на ум - "Повести Белкина".
----------------------------------------
Из сети:
Моцарт vs Сальери: кто кому завидовал на самом деле
Одна из маленьких трагедий А. С. Пушкина была задумана как «Зависть», а позже была названа «Моцарт и Сальери»
По сюжету, Сальери завидовал успеху и таланту Моцарта и поэтому его отравил. Именно это произведение породило легенду, которая является наибольшим заблуждением относительно двух композиторов: на самом деле у Моцарта было гораздо больше поводов завидовать Сальери, и последний не участвовал в отравлении гения!
Между двумя композиторами действительно существовала неприязнь, поводом для которой было постоянное соперничество. Речь шла не о масштабах таланта, а о положении в обществе. В XVIII в. часто устраивали творческие состязания. Так, например, 6 февраля 1786 г. в одном конце Оранжереи императорского дворца Шенбрунн ставилась опера Сальери, а в другом конце - Моцарта. Оба произведения были написаны по заказу императора Иосифа II, оба были о тяжбе между певицами за одну роль. Но опера Моцарта провалилась, а опера Сальери имела успех у публики.
В 1774 г. скончался придворный композитор Гассман. Незадолго до этого в Вену приезжал Моцарт в надежде стать преемником Гассмана, он добился аудиенции у императрицы Марии Терезии, об этой встрече его отец написал: «Императрица вела себя очень мило, но не более того». Должность придворного композитора и капельмейстера итальянской оперы получил Сальери.
Успех Сальери в XVIII в. был просто ошеломительным, его оперы ставили гораздо чаще, чем Моцарта. В глазах императора Сальери имел куда больший вес. Моцарт пытался оттеснить соперника, но ему это не удавалось. Следует учитывать и тот факт, что публика на тот момент воспринимала оперу иначе, чем современная, она ожидала от постановок узнаваемых сюжетов и знакомых интриг. Сальери прекрасно знал вкусы публики и умел ей угодить.
В 1781 г. Моцарт поселился в Вене. В том же году при дворе решался вопрос о музыкальном образовании молодой княгини Елизаветы, на пост претендовали Моцарт и Сальери. Предпочтение снова отдали второму, поскольку у Моцарта была репутация легкомысленного молодого человека, что вызывало опасения за честь и достоинство 15-летней княгини.
В письмах Моцарт постоянно обвиняет соперника во всех своих неудачах: «Император все испортил, для него существует только Сальери»; «Сальери не в состоянии преподавать фортепиано»; «У меня есть сведения, что готовится большая интрига, Сальери и его сообщники из кожи вон лезут» и т. д.
Сальери сознавал, что Моцарт был гением, он относился к нему по-дружески и без агрессии. Репутация Сальери как убийцы Моцарта основана прежде всего на пушкинской версии этого сюжета, хотя она и не соответствовала действительности. Возможно, причиной такой трактовки было то, что Сальери был автором оперы, в которой высмеивался Петр I, а к нему Пушкин относился с большим пиететом; а возможно, автор просто поверил слухам.
-----------------------------------------------------
Тот, кто смотрит: Ахматова, Цветаева и Пушкин.
"Игра в бисер" с Игорем Волгиным. "Пушкиниана Марины Цветаевой" (Выпуск от 7 Октября 2017)
«Пушкиниана» создавалась с 1913-го по 1937-й, в не самое простое время в истории России и мира. Но почему Анна Ахматова обронила: «Марине было нельзя писать о Пушкине…»?
Из интернета:
Со второй половины 20-х годов Ахматова начинает изучать жизнь и творчество Пушкина во всеоружии все расширяющихся специальных знаний. Она пишет об этом в своей автобиографии:
"Примерно с середины двадцатых годов я начала очень усердно и с большим интересом заниматься архитектурой старого Петербурга и изучением жизни и творчества Пушкина. Результатом моих пушкинских штудий были три работы - о "Золотом петушке", об "Адольфе" Бенжамена Констана и о "Каменном госте". Все они в свое время были напечатаны. Сейчас готовлю книгу "Гибель Пушкина"". Эти работы получили всеобщее
признание и вошли в золотой фонд советского пушкиноведения. Книга "Гибель Пушкина" осталась ненапечатанной, но в архиве Ахматовой в Ленинградской государственной публичной библиотеке им. М.Е. Салтыкова-Щедрина сохранились обширные, частично почти законченные рукописные материалы. Небольшой очерк "Пушкин и невское взморье", который сама Ахматова очень любила, был напечатан в номере "Литературной газеты", посвященном 80-летию со дня рождения Ахматовой и 170-летию Пушкина (1969 год, 4 июня).
К этой информации мне уже и добавить нечего. Думаю, любой читающий легко определит, кто из двух поэтесс, обращаясь к Н.Я. Мандельштам, произнес следующее:
"«Моцарта и Сальери» Пушкина не поняли, в этой дуэли двух музыкантов Пушкин видел себя в облике Сальери."
Разве что стоит ещё привести цитату от самого Пушкина, у которого уже нет возможности вступить в спор с интерпретаторами:
«Я знал и труд, и вдохновенье…» (В.Ф.Раевскому, 1822)
Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости. Walter Benjamin 1931 г
Написанный выше текст я писала прежде всего для себя, в удобной для меня форме. Если он вызвал интерес у посетителей моего блога, то рекомендую обратиться к истокам изучения проблемы, к сочинениям, признанными классикой в своей области знания:
https://conjure.livejournal.com/1375331.html :
Если вы не знакомы с сочинением немецкого литератора и философа Вальтера Беньямина "Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости", которое он написал около 1931 года, коротко его можно пересказать так. Новые технические возможности воспроизведения художественных произведений (литография, фотография, ксилография, фильм и пр.) дают художнику и новую свободу, при этом изменяют лицо искусства и его восприятие в обществе. Искусство перестало быть эксклюзивным и культовым, потому что больше не является частью ритуалов (например, религиозных) и имеет выставочный, развлекательный и всеобщедоступный характер. Беньямин задаётся вопросом, что теперь считать оригиналом и какую ему придавать ценность? Что можно называть искусством, а что нет? Ведь оригинал может быть только один. А любое его копирование снижает ценность и значимость объекта искусства. Однако с развитием новых технологий меняется и лицо искусства, и его ценность для масс. Куда большую роль для настоящего играет аура объекта - его восприятие в данном месте в данное время.
https://ru.wikipedia.org/wiki/Произведение_искусства_в_эпоху_его_технической_воспроизводимости :
В своей работе Беньямин анализирует трансформацию произведений искусства как физических объектов в контексте развития технологий создания культурных явлений. По его мнению произведения искусства стали лишаться своей особой ауры. Место культурной и ритуальной функции в произведениях искусства заняли политическая, практическая и экспозиционная функции. Современное искусство развлекает, в то время как более раннее искусство требовало от зрителя концентрации и погружения.
Даже в самой совершенной репродукции отсутствует «здесь и сейчас» оригинала. В качестве примера можно привести театр. Раньше для того, чтобы увидеть представление, зрителю было необходимо прийти в театр, погрузиться в окружающий его антураж. Репродукция же позволяет воспринимать произведение искусства за рамками доступной оригиналу ситуации. Тот же самый спектакль теперь доступен не только в театре, но и в кино. Это в свою очередь позволяет сделать шаг навстречу публике. Беньямин писал: «Художественное мастерство сценического актёрa доносит до публики сам актёр собственной персоной; в то же время художественное мастерство киноактера доносит до публики соответствующая аппаратура».
Действия актёров проходят через ряд «фильтров». Сначала это кинокамера, которая позволяет запечатлеть лишь удачные дубли. Та же кинокамера позволяет выбирать более удачные ракурсы, выставляя актёра в выгодном свете. Далее за монтажным столом материал, который посчитают удачным, смонтируют в готовый фильм. Таким образом, в отличие от актёра на сцене, у актёра кино есть право на ошибки, поскольку неудачные дубли можно переснять. Это позволяет создать идеальное произведение (чистовой вариант). Но в то же время киноактер не контактирует с публикой и не имеет возможности скорректировать свою игру в зависимости от реакции публики. Подлинность произведения искусства - это совокупность всего, что вещь способна нести в себе с момента создания: от своего материального возраста до исторической ценности.
В восприятии произведения искусства возможны различные аспекты, среди которых выделяются два полюса:
1) акцент на произведение искусства;
2) акцент на экспозиционную ценность.
По мнению Беньямина, чем сильнее утрата ценности какого-либо искусства, тем менее его критикуют зрители и критики. И наоборот, чем более ново искусство, тем с большим отвращением оно подвергается критике.
Беньямин считал, что фашизм пытается организовать пролетаризированные массы, не затрагивая имущественные отношения, стремясь при этом дать возможность самовыражения, что приводит к эстетизации политической жизни. Пика эстетизации политика достигает в войне. Именно она даёт возможность направлять к единой цели массовые движения и мобилизовать все ресурсы техники при сохранении имущественных отношений. По мнению Вальтера Беньямина коммунизм политизирует искусство, тем самым отвечая на фашистскую эстетизацию.
Запись в блоге достигла максимально допустимого в ЖЖ количества символов, поэтому далее могу добавлять текст только через комментарии к посту